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Throwback Review: «A Public Affair» de Jessica Simpson

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A finales de 2005 Jessica Simpson anunció la separación de su marido, Nick Lachey, tras casi 4 años de matrimonio y un famoso reality show a sus espaldas que incrementó sin duda la popularidad de ambos cantantes. En 2006 vio la luz el quinto álbum de estudio de Jessica Simpson, A Public Affair, el primero dentro de la discográfica Epic tras su salida de Columbia, con la que publicó sus anteriores trabajos. Este álbum está encuadrado dentro de su habitual sonido pop/R&B pero incorpora elementos dance-pop, synth-pop o Disco y cuenta con influencias de la música de baile de los años 80, con Janet Jackson o Madonna como referentes. «A Public Affair» no se trata del típico álbum post-divorcio lleno de canciones tristes y melancólicas que hablan del fin de un matrimonio, ya que la cantante apenas habla de su relación con Nick y se centra en su nueva etapa vital, marcada por la libertad, la independencia y las ganas de disfrutar la vida, algo que se nota en la naturaleza divertida y desenfadada de muchos de los temas que componen el álbum. Jessica participó activamente en la composición de la mayoría de las canciones presentes y contó con la producción de importantes nombres de la industria musical como Cory Rooney, Terry Lewis & Jimmy Jam, Stargate, Lester Mendez o Scott Storch entre otros. «A Public Affair» debutó en el #5 de la lista americana de álbumes (su tercer trabajo top 10) y fue certificado oro, pero apenas vendió 300 mil copias en Estados Unidos, lo que acentuaba la espiral descendente del éxito comercial de Jessica Simpson.

El single presentación del álbum fue la canción titular, A Public Affair, que se trata de un tema up-tempo de estilo synth-pop y Disco que contiene una interpolación del famoso tema ‘Ain’t No Mountain High Enough’ popularizado por Diana Ross y habla de pasarlo bien con los amigos. Este tema fue alabado por su naturaleza desenfadada y su ritmo bailable aunque recibió ciertas críticas negativas por su gran parecido a ‘Holiday’ de Madonna. ‘A Public Affair’ tuvo un buen desempeño comercial y alcanzó el top 20 en las listas de Estados Unidos, Australia o Reino Unido. La edición internacional del álbum incluía un ‘bonus track’ que se convirtió en el segundo single lanzado. Se trata de I Belong to Me, una balada pop/R&B mid-tempo compuesta por la prestigiosa baladista Diane Warren y producida por el dúo noruego Stargate, quien aporta su inconfundible sonido R&B. Este tema resulta un himno de empoderamiento e independencia en el que Jessica afirma que no necesita a alguien que le complete ni un hombre para ser feliz. Pese a ser uno de los temas más sobresalientes del álbum, ‘I Belong to Me’ tuvo un impacto mínimo en las listas de venta y fue incapaz de entrar en el Hot 100 de la lista Billboard.

Dentro del álbum destacan ‘Fired Up’, un tema R&B de sonido muy urbano producido por Scott Storch, ‘If You Were Mine’, un tema muy ochentero y bailable reminiscencia del estilo de Janet Jackson o ‘You Spin Me Round (Like a Record)’, que incluye el estribillo de la famosa canción de Dead or Alive pero cuenta con versos originales y compuestos por Jessica. En la reedición del álbum se incluye la versión de ‘These Boots Are Made for Walkin’, que fue lanzado como single un año antes y se convirtió en el tema más exitoso de la carrera de la cantante americana. En resumen, «A Public Affair» es un trabajo digno y correcto sin embargo no resulta tan sólido como sus anteriores álbumes «Irresistible» y «In This Skin» ya que contiene excesivo relleno y está formado por un conjunto de temas genéricos y poco distintivos. Además, la potente voz de Jessica Simpson no brilla tanto como en el pasado ni hace gala de su notable rango vocal. Temas imprescindibles: I Belong to Me, A Public Affair, I Don’t Want to Care, If You Were Mine y Fired Up. Puntuación: 6’5/10.

Throwback Review: «In This Skin» de Jessica Simpson

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En 1999 Jessica Simpson publicó su álbum debut, Sweet Kisses, el cual gozó de buena acogida por parte del público, vendió dos millones de ejemplares en Estados Unidos y contó con el hit single ‘I Wanna Love You Forever’, que alcanzó el top 5 en la lista americana. En vez de competir directamente con Britney Spears y Christina Aguilera (las princesas del pop de aquel momento), su discográfica, liderada por Tommy Mottola, quiso posicionarla en el mercado como la nueva Mariah Carey, centrarse en un público de mayor edad y enfocarla al formato ‘adult contemporary’, ya que Jessica era una joven religiosa y tradicional con una imagen conservadora y que repetía hasta la saciedad que llegaría virgen al matrimonio. Pese a que el álbum debut de la cantante texana gozó de cierto éxito comercial no cubrió las expectativas de su discográfica (Britney y Christina vendieron 14 y 10 millones de copias respectivamente de sus álbumes debut en Estados Unidos) y se cambió de táctica para su siguiente trabajo. En 2001, Jessica Simpson regresó al panorama musical con su segundo álbum, Irresistible y reapareció notablemente más delgada, con una imagen sexy y más ligerita de ropa, siguiendo los pasos de Christina y Britney. «Irresistible» no solo destacó por el cambio de imagen de Jessica sino que marcó una evolución musical al adoptar un sonido R&B y dance-pop más moderno y actual. Importantes nombres de la industria musical como Cory Rooney, Louis Biancaniello, Ric Wake, Sam Watters, Darkchild o Walter Afanasieff participaron en este ambicioso proyecto y crearon un conjunto de canciones marchosas y bailables entre las que se encontraban los singles ‘Irresistible’ y ‘A Little Bit’, los cuales tuvieron un impacto comercial moderado. «Irresistible» debutó en el #6 de la lista americana y fue certificado oro por ventas superiores al medio millón de unidades, una cifra notoriamente inferior a la de su álbum debut y que nuevamente supuso una decepción para su discográfica.

En 2002 Jessica Simpson se casó con el cantante Nick Lachey (conocido por formar parte del grupo 98 Degrees) y juntos protagonizaron el infame reality show ‘Newlyweds’, que resultó un éxito de audiencia y atrajo la atención del público por la personalidad naif e ingenua de Jessica, quien representaba a la perfección el estereotipo de ‘rubia tonta’. Un año más tarde vio la luz su tercer álbum de estudio, titulado In This Skin y que se trata de un trabajo eminentemente pop aunque resulta más diverso que sus predecesores e incluye elementos R&B, dance-pop, Country, folk o pop/rock. «Irresistible» fue tachado de sobreproducido por los críticos musicales por lo que la cantante de Texas quiso que su nuevo álbum tuviera un sonido más orgánico y con mayor instrumentación en vivo. A diferencia de sus dos anteriores trabajos, Jessica se involucró en gran medida en el proceso creativo del álbum y participó en la composición de la mayoría de las canciones presentes, las cuales fueron producidas por Ric Wake, Billy Mann, Damon Elliott, Rob Fusari o Keith Thomas entre otros. En el momento de su publicación, «In This Skin» debutó en el #10 de la lista Billboard y fue certificado oro, sin embargo en 2024 el álbum fue reeditado con nuevas canciones y experimentó una gran subida hasta el #2. «In This Skin» tuvo una larga vida comercial y acabó vendiendo más de tres millones de copias en Estados Unidos, convirtiéndose en el álbum más exitoso de la carrera de Jessica Simpson. A nivel internacional tuvo un desempeño comercial moderado y alcanzó el top 15 en Australia y el top 40 en Reino Unido. Con unas ventas totales superiores a los 7 millones de copias, «In This Skin» se puede considerar un éxito notable.

El single presentación del álbum fue Sweetest Sin, una balada pop/R&B escrita por la afamada compositora Diane Warren y producida por Ric Wake cuyas letras hacen referencia a la pérdida de la virginidad. ‘Sweetest Sin’ tuvo un impacto comercial mínimo y no fue capaz de entrar en el Hot 100 de la lista Billboard. El segundo single lanzado fue With You, un tema pop/R&B mid-tempo compuesto por la propia Jessica y producido por Billy Mann en cuyas letras habla del amor incondicional que siente por Nick y lo cómoda que se siente cuando está con él. ‘With You’ tuvo un buen desempeño comercial y alcanzó el top 10 en Reino o Australia y el #14 en Estados Unidos, su segunda mejor posición en la lista americana. El tercer single lanzado, perteneciente a la reedición del álbum, fue Take My Breath Away, que se trata de una versión del famoso tema del grupo Berlin, conocido mundialmente por formar parte de la banda sonora de la película ‘Top Gun’. Este tema tiene un significado especial en la vida de Jessica ya que era la canción que sonaba cuando besó por primera vez a Nick, por lo que decidió grabarla para la reedición del álbum. ‘Take My Breath Away’ tuvo una buena acogida por parte del público y alcanzó el top 15 en Australia o Canadá y el top 20 Estados Unidos. Otra versión incluida en la reedición del álbum es ‘Angels’ de Robbie Williams, que también fue lanzado como single aunque tuvo un impacto comercial mínimo.

Dentro de «In This Skin» destacan ‘Forbidden Fruit’, un tema dance-pop de sonido electrónico que supone el momento más up-tempo del álbum o ‘In This Skin’, un tema con influencias Country que resulta un auténtico himno de auto-aceptación y en el que Jessica reflexiona sobre la pérdida de peso que experimentó por deseo de su discográfica para encajar en la industria musical. El álbum está formado principalmente por baladas en las que Jessica derrocha su enorme torrente vocal, como por ejemplo ‘I Have Loved You’, que cuenta con ciertas influencias pop/rock y folk y habla de un tiempo en el que rompió con Nick y permanecieron separados. Dentro del catálogo musical de Jessica Simpson, mi álbum favorito es «Irresistible», que contiene el sonido R&B típico de la década del 2000 y está formado por un conjunto sólido de temas marchosos y pegadizos, sin embargo «In This Skin» resulta un trabajo más maduro y muestra el lado más personal y vulnerable de la cantante. Pese a su peculiar personalidad, no hay duda de que Jessica es una poderosa y potente vocalista y en este álbum además asume un mayor papel en la composición de su música. Temas imprescindibles: With You, Forbidden Fruit, In This Skin, I Have Loved You, Take My Breath Away y Sweetest Sin. Puntuación: 7/10.

Crítica de «Mayhem» de Lady Gaga

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Durante los últimos años, Lady Gaga se ha debatido entre seguir mostrando su lado más extravagante para complacer a sus leales ‘little monsters’ con el pop electrónico que ha sido su seña de identidad desde sus comienzos y desarrollar su lado más maduro y serio con álbumes de jazz o Country enfocados a un público más adulto y diverso. No sabemos qué camino escogerá la cantante americana en su futuro profesional (el éxito de ‘Die with a Smile’ junto a Bruno Mars podría hacerle decantarse por su perfil más serio y adulto) sin embargo lo que sí sabemos con certeza es que ha iniciado una nueva era en la que ha apostado por tirar de nostalgia y recuperar los mejores momentos de su glorioso pasado. El nuevo álbum de Lady Gaga tiene por título Mayhem (que significa caos, desorden o confusión) y está formado por 14 temas compuestos por la propia Stefani Germanotta y producidos por Cirkut y Andrew Watt, con producción adicional de Gesaffelstein. Este álbum fue concebido una vez que la cantante neoyorquina se enfrentó al miedo de volver al pop de sus comienzos y que sus fans iniciales adoraban (fue su novio quien le animó a regresar a la música de sus orígenes). Según Lady Gaga, «Mayhem» es un trabajo ecléctico y caótico que amalgama diferentes géneros, estilos y emociones, todo guiado por su profundo amor a la música. Los estilos predominantes en el álbum son el synth-pop ochentero reminiscencia de «The Fame» y el electropop, aunque también encontramos elementos glam rock, dance-pop, funk y Disco. Lady Gaga ha declarado que la fuente de inspiración en la creación de este trabajo ha sido la música industrial (un género que fusiona la música electrónica con el rock y contiene sonidos duros, agresivos y transgresores) sin embargo este pop industrial apenas hace acto de presencia dentro del álbum. 

En octubre del año pasado llegó el single presentación del álbum, Disease, que se trata de un tema mid-tempo electropop y synth-pop de sonido oscuro y con una producción abrasiva e industrial que recuerda al estilo de algunas canciones presentes en el álbum «Born This Way». Este tema, compuesto por Lady Gaga junto a su novio Michael Polansky, destaca por sus letras en las que la cantante ofrece el antídoto a las enfermedades y males de su amante, con una temática oscura reminiscencia de la era «The Fame Monster» y temas como ‘Bad Romance’. Pese a ser un ‘lead single’ solvente y muy digno, ‘Disease’ ha tenido un discreto desempeño comercial y ha ocupado el top 10 en Reino Unido, el top 25 en Estados Unidos y el top 40 en Australia o Canadá, unas posiciones bajas en comparación a la mayoría de sus primeros singles. Mientras que ‘Die with a Smile’ supera los dos mil millones de reproducciones en Spotify, ‘Disease’ apenas ha rebasado la barrera de los 150 millones de escuchas.

Tras su actuación en los premios Grammy, donde ganó un galardón a mejor actuación de pop de un dúo/grupo gracias a su exitoso tema ‘Die with a Smile’, Lady Gaga lanzó el segundo single de su nuevo álbum. Se trata de Abracadabra, un enérgico tema dance-pop con elementos electropop y House cuyas letras hacen referencia a la lucha interna de elegir entre entre la oscuridad y la luz, además de enfrentarse a los miedos y dudas internas. Este tema cuenta con una dramática ejecución vocal por parte de Lady Gaga y unos ganchos (‘abracadabra amor uh na na, abracadabra morta uh gaga’) inspirados en temas como ‘Bad Romance’. Por su estilo y sonido, ‘Abracadabra’ podría tratarse de un tema perdido entre las eras «The Fame Monster» y «Born This Way» aunque también comparte el espíritu desenfadado de «Chromatica». Este tema ha recibido elogios de la crítica por su carácter bailable y su pegadizo estribillo y ha sido muy bien recibido por parte de sus fieles seguidores. ‘Abracadabra’ ha superado el desempeño comercial del anterior single y ha alcanzado el top 5 en Reino Unido o Alemania y el top 15 en Estados Unidos, Canadá o Australia.

El álbum se puede escuchar prácticamente del tirón sin apenas saltar ninguna canción y encontramos varios temas con gran potencial como futuros singles. Reseñaré los que considero más interesantes. ‘Garden of Eden’ es uno de los pocos temas con cierta influencia del pop industrial e incluye referencias al pasaje bíblico del mismo nombre en el que Gaga representa la serpiente que ofreció la manzana a Eva. ‘Zombieboy’, que por su sonido podría ser una continuación del tema ‘Disco Heaven’ perteneciente a su álbum debut, está dedicado a un amigo de Gaga que falleció y representa la celebración de las noches de diversión que acaban haciéndote sentir como un zombi a la mañana siguiente. ‘Shadow of a Man’ es uno de los temas más bailables del álbum y habla de su tortuoso camino hasta convertirse en la estrella del pop que es hoy y cómo tuvo que estar a la sombra de otros antes de triunfar. Las referencias al estilo y temática de «The Fame» son evidentes en temas como ‘Perfect Celebrity’, que habla del lado oscuro de la fama al igual que lo hacía ‘Paparazzi’ pero carga su rabia y frustración contra la industria y ella misma. Por su parte ‘LoveDrug’, que tiene un título similar al fantástico tema ‘LoveGame’ de su debut, compara el amor con una adicción a la que se aferra Gaga para escapar del dolor de sentirse sola. ‘Don’t Call Tonight’ es un tema synth-pop y funk mid-tempo que contiene unos sintetizadores muy en la línea de The Weeknd o Daft Punk y en cuyas letras la cantante advierte a su amante que no le llame si lo único que quiere es tener sexo. En ‘Vanish into You’, un tema con influencias Disco y glam rock, Gaga celebra el descubrimiento del amor y desea fusionarse con su amante en una entidad conjunta.

Mientras que durante la era «Chromatica» pudimos observar a una Lady Gaga poco comprometida y cómoda desarrollando de nuevo su faceta pop y parecía tratarse más bien de un álbum impuesto por su discográfica que un proyecto genuinamente decidido por ella, en «Mayhem» por fin vemos a la cantante disfrutando verdaderamente de su regreso al pop. Es un verdadero placer presenciar cómo Lady Gaga vuelve a sus raíces y hace lo que mejor se le da: crear temas divertidos y bailables con estribillos pegadizos e inmediatos. Quizás no encontremos en «Mayhem» demasiado del pop industrial que nos prometió, pero sí aparecen influencias del synth-pop de los años 80 y artistas como David Bowie (que ya fueron fuente de inspiración en «The Fame»), lo que supone un gran acierto. «Mayhem» resulta sólido y cohesivo pese a la mezcla de estilos presentes y supone un evidente paso adelante con respecto a «Chromatica», el cual era un trabajo interesante y más que digno pero demasiado genérico y formulaico. En mi opinión nos encontramos ante el mejor álbum pop de lo que llevamos de 2025 y uno de los mejores trabajos de la discografía de Lady Gaga después de «The Fame» y «The Fame Monster», sin duda sus obras maestras. Temas imprescindibles: Disease, Abracadabra, Shadow of a Man, Garden of Eden, Zombieboy, LoveDrug y Vanish into You. Puntuación: 8/10.

Crítica de «So Close to What» de Tate McRae

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Como ya he comentado en varias ocasiones en el blog Mister Music, en cada generación aparecen un par de ‘pop stars’ dominantes que triunfan a nivel global y a su sombra surgen otras cantantes ‘segundonas’ que no logran el mismo impacto debido a su inferior talento o simplemente por tratarse de copias descaradas de conocidas divas del pop. Tate McRae es una joven y prometedora cantante que aspira a convertirse en la nueva princesa del pop y cualidades no le faltan, sin embargo no posee el carisma y la simpatía de la pícara Sabrina Carpenter, la presencia escénica de Katy Perry o la prodigiosa voz de Ariana Grande y desde luego no es la nueva Britney Spears (uno de sus claros referentes y fuente de inspiración). Sin embargo, con tan solo 21 años la cantante canadiense tiene una legión de fans en todo el mundo gracias al tremendo éxito conseguido con canciones como ‘Greedy’, que acumula cifras estratosféricas en las plataformas musicales y ocupó el top 5 en las principales listas de venta. Este mes de febrero ha visto la luz el tercer álbum de estudio de Tate McRae, titulado So Close to What, el cual se trata de un álbum eminentemente pop con numerosos elementos R&B, electropop y synth-pop. La cantante nacida en Calgary (sin ser una excepcional compositora) ha participado en la composición de todos los temas presentes en el álbum y ha contado con la producción de importantes nombres de la industria musical como Ryan Tedder, Lostboy, Blake Slatkin o Ilya entre otros. Los canciones de «So Close to What» exploran temas como el auto-descubrimiento, el amor y los problemas que surgen en las relaciones sentimentales.

En septiembre del año pasado llegó el single presentación del álbum, It’s OK I’m OK, que se trata de un tema up-tempo electropop con influencias R&B y Hip Hop compuesto por Ilya y Savan Kotecha (habituales colaboradores de Max Martin) que nos retrotrae al estilo de Britney y su álbum homónimo, a la que Tate imita su voz sexy y susurrada. En este tema la cantante habla de su ex-novio y advierte a la nueva pareja de él de su verdadera personalidad y comportamiento. ‘It’s OK I’m OK’ tuvo un desempeño comercial positivo y ocupó el top 20 en las listas de venta de Reino Unido, Australia, Canadá o Estados Unidos. Como segundo single se lanzó 2 Hands, un tema electropop y R&B producido por Ryan Tedder y Lostboy cuyas letras hacen referencia a cómo Tate intenta atraer la atención de su amante. ‘2 Hands’ obtuvo de nuevo una buena acogida por parte del público y alcanzó el top 10 en la lista británica y el top 20 en Australia, aunque apenas fue top 50 en la lista americana.

El tercer single lanzado ha sido Sports Car, un tema mid-tempo pop/R&B de sonido muy dosmilero que guarda similitudes con ‘Buttons’ de The Pussycat Dolls y las producciones de Timbaland para el álbum «Loose» de Nelly Furtado. Este tema producido por Ryan Tedder utiliza los coches deportivos como metáfora para hablar de la adrenalina que produce la seducción y el sexo, pero Tate afirma que no desea un compromiso serio con su amante. ‘Sports Car’ ha resultado un éxito comercial y ha ocupado el top 10 en Reino Unido, Canadá o Australia y el top 25 en Estados Unidos. Coincidiendo con la publicación del álbum se ha lanzado como single Revolving Door, un tema up-tempo influenciado por el ritmo Jersey Club cuyas letras hablan de volver a una relación tóxica anterior una y otra vez como si de una puerta giratoria se tratase. Entre los temas más destacados se encuentran ‘Miss Possessive’, que explora el tema de los celos y el excesivo control dentro de una relación amorosa y en el que Tate deja las cosas claras a una chica que intenta cruzar la línea con su hombre o ‘Dear God’, otro medio tiempo pop/R&B muy dosmilero en el que le pide ayuda a Dios para sacarse de la cabeza a un chico. Tate habla de la complejidad del amor y muestra su vulnerabilidad en temas como ‘Means I Care’, en el que explica la complicada manera en la que muestra afecto a los demás y admite que cuando quiere a alguien a veces marca distancia y se aleja. 

En definitiva, Tate McRae tiene una bonita voz, es atractiva y destaca por ser una magnífica bailarina, sin embargo como artista resulta tremendamente genérica, no tiene identidad propia y cuenta con una voz impersonal y un registro muy limitado. Durante su desarrollo artístico, la cantante canadiense se ha influenciado de estrellas del pop del 2000 como Britney Spears o The Pussycat Dolls, a las que imita con total descaro. El álbum «So Close to What» es entretenido y agradable de escuchar pero no aporta nada nuevo u original al panorama musical actual ya que está formado en general por un conjunto de temas genéricos y poco memorables. La cantante canadiense tiene gran potencial y todavía es muy joven, por lo que solo necesita tiempo para evolucionar, mostrar su verdadera personalidad e identidad y encontrar un estilo propio y diferenciador. Temas imprescindibles: Sports Car, Miss Possessive, Revolving Door, It’s OK I’m OK, Dear God y 2 Hands. Puntuación: 6’5/10.

Throwback Review: «The Family Jewels» de Marina and the Diamonds

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Durante este mes de febrero se han cumplido 15 años del lanzamiento del álbum debut de Marina and the Diamonds, por lo que realizaré una crítica en retrospectiva de este interesante trabajo. Desde sus comienzos en el mundo de la música la cantante británica Marina Diamandis siempre se ha reivindicado como una artista única y original dentro del panorama pop y tanto las letras de sus canciones como la imagen y estilo adoptados durante la promoción de este álbum lo confirman. A lo largo de los temas que conforman el álbum, la cantante galesa muestra su gran versatilidad como vocalista ya que alterna su registro grave con su característico falsete y destaca por adoptar una forma de cantar exagerada y caricaturesca que encaja a la perfección con su divertida imagen y extrovertida personalidad. En febrero de 2010 vio la luz The Family Jewels, el cual está formado por 13 temas encuadrados dentro de un pop alternativo con numerosos elementos synth-pop, electropop, dance-pop o pop/rock y cuenta con influencias de la música de los años 80 y 90. Marina Diamandis compuso todas las canciones presentes en el álbum y contó con la producción de importantes nombres de la industria musical como Greg Kurstin, Richard Stannard o Liam Howe. Marina destaca sin duda por su papel de compositora y en las letras de los temas presentes habla del consumismo y los valores en la sociedad actual, su sueño de ser una estrella de la música, la familia o la sexualidad femenina. «The Family Jewels» debutó en el #5 de la lista británica de álbumes y es el trabajo más vendido de la cantante de ascendencia griega, seguido muy cerca por «Electra Heart», su segundo álbum de estudio.

Una gran cantidad de singles fueron lanzados para promocionar «The Family Jewels». Como single presentación del álbum se lanzó un single de doble cara A formado por los temas ‘Mowgli’s Road’ y ‘Obsessions’. Mowgli’s Road supone toda una declaración de intereses por parte de Marina ya que declara que no es una cantante de ‘pop prefabricado’ y se reivindica como una artista original y distinta a las demás. ‘Mowgli’s Road’ es un tema indie-pop con influencias electropop y pop/rock cuyo título del tema hace referencia al personaje de «El libro de la selva». Por su parte, Obsessions es un tema synth-pop mid-tempo en el que la cantante muestra el lado más sensible y vulnerable en una complicada relación amorosa. Previo a la publicación del álbum se lanzó Hollywood, que se trata de un tema synth-pop producido por Richard Stannard en el que Marina habla de una chica extranjera que viaja a Estados Unidos para vivir el sueño americano y hace una crítica de la obsesión por la cultura de las celebrities y la búsqueda de la fama en Hollywood. ‘Hollywood’ alcanzó el #12 en la lista británica, convirtiéndose en el single más exitoso de Marina hasta la fecha. El tercer single lanzado fue I Am Not a Robot, un tema indie-pop y pop/rock cuyas letras hacen referencia a que incluso las personas que parecen fuertes pueden sufrir en determinados momentos y Marina nos anima a mostrar nuestro lado más vulnerable. ‘I Am Not a Robot’ tuvo buena acogida por parte del público y alcanzó el top 30 en la lista de singles de Reino Unido.

El siguiente single lanzado fue Oh No!, que se trata de un marchoso tema electropop y dance-pop producido por Greg Kurstin en el que Marina aborda su estatus como estrella de la música, antepone su sueño de ser cantante a las relaciones amorosas y habla del miedo al futuro y sus aspiraciones profesionales. ‘Oh No!’ tuvo un desempeño comercial moderado y alcanzó el top 40 en la lista británica de singles. Como último single en Reino Unido se lanzó Shampain, que según Marina es una de las composiciones menos profundas del álbum y en la que habla del lado más deprimente y negativo de emborracharse. ‘Shampain’ es un desenfadado tema electropop  y synth-pop producido por Liam Howe. Entre los temas más destacados del álbum se encuentran ‘Are You Satisfied?’, en cuyas letras Marina afirma que pese a que sus sueños se están haciendo realidad nunca acaba de estar satisfecha completamente o ‘Girls’, un tema up-tempo electropop y pop/rock que habla de sus sus problemas con el peso y anima a las mujeres a no comportarse como enemigas de otras mujeres.

Cabe destacar que en la actualidad 5 temas pertenecientes a «The Family Jewels» se encuentran entre las 10 canciones más populares de Marina en la plataforma Spotify y cuentan con unas altas cifras de streaming, lo que confirma la importancia de este álbum dentro de su magnífico repertorio musical. Personalmente descubrí a Marina and the Diamonds con el álbum «Electra Heart» (el cual considero su obra maestra) sin embargo tiempo más tarde tuve la oportunidad de revisitar su álbum debut, que resulta un trabajo muy sólido, lleno de temas desenfadados y diferentes a lo que se solía escuchar en el panorama pop durante aquella época. Marina and the Diamonds hace gala de su originalidad y estilo distintivo en este álbum y destaca por su talento como compositora y su gran versatilidad como vocalista. Sin duda uno de los álbumes debut más importantes dentro del pop de la década del 2010. Temas imprescindibles: Oh No!, Hollywood, Are You Satisfied?, I Am Not a Robot, Mowgli’s Road, Obsessions y Shampain. Puntuación: 8/10.

Throwback Review: «Kelis Was Here» de Kelis

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Kelis Was HereKelis aumentó de manera notoria su presencia en el panorama musical gracias a su tercer álbum, Tasty, que contó singles muy exitosos como ‘Milshake’ o ‘Trick Me’, los cuales ocuparon los primeros puestos en las listas de venta de todo el mundo e incrementaron la popularidad y fama de la cantante americana. «Tasty» está formado por un conjunto muy variado de canciones que incluían R&B, funk, Hip Hop o Soul y resultaba más accesible al público masivo que sus anteriores trabajos, los cuales tenían un sonido más alternativo. Tras la promoción de «Tasty», Kelis se centró en su vida personal y en 2005 se casó con el rapero Nas tras varios años de noviazgo. Un año más tarde, la cantante neoyorquina regresó al panorama musical con su cuarto álbum de estudio, titulado Kelis Was Here, el cual está formado por 18 temas compuestos por la propia Kelis y producidos por importantes nombres de la industria musical como Polow da Don, Bangladesh, Will.I.Am, Scott Storch, Raphael Saadiq, Sean Garrett o Cool & Dre entre otros. Cabe destacar que The Neptunes, habituales colaboradores de Kelis y responsables de muchos de sus éxitos, no participan en este álbum tras los desencuentros con la cantante y sus crecientes diferencias creativas. Mientras que «Tasty» resultaba un álbum muy ecléctico, «Kelis Was Here» está más centrado en el sonido R&B, aunque encontramos elementos electrónicos, Hip Hop, Soul o pop/rock. «Kelis Was Here» debutó en el #10 de la lista americana de álbumes, convirtiéndose en el primer top 10 de Kelis en Estados Unidos y su posición más alta en la lista Billboard, sin embargo las ventas fueron inferiores a las de «Tasty», su trabajo más exitoso hasta la fecha. En el resto del mundo el álbum tuvo un impacto mínimo y apenas alcanzó el top 50 en Reino Unido, uno de sus mercados estrella. «Kelis Was Here» obtuvo buenas críticas por parte de los expertos musicales y recibió una nominación a los premios Grammy en la categoría de mejor álbum R&B contemporáneo, pero finalmente el galardón se lo llevó «B’Day» de Beyoncé.

El single presentación del álbum fue Bossy, un tema mid-tempo R&B y Hip Hop producido por Bangladesh que contiene varios samplers de canciones famosas y cuenta con el rapero Too Short como artista invitado. Este tema, que resulta un auténtico himno de empoderamiento femenino, presenta a Kelis como una mujer pionera que presume de su credibilidad y reputación en el panorama musical, ya que se auto-referencia como la primera mujer que gritó en una canción (concretamente en su hit single ‘Caught Out There’) y atrajo la atención de todos los chicos por su famoso ‘Milshake’. ‘Bossy’ tuvo un desempeño comercial positivo y alcanzó el top 20 en las listas de Estados Unidos, Australia e incluso España (gracias a sus ventas del CD single en formato físico) o el top 25 en Reino Unido. Este tema permanece como uno de los temas más populares y exitosos de la carrera de Kelis junto con ‘Milshake’ y ‘Trick Me’. El segundo single lanzado fue Blindfold Me, un tema up-tempo R&B y Hip Hop de corte electrónico producido por Polow da Don que cuenta con colaboración de Nas. Este tema destaca por sus letras muy explícitas y de alto voltaje, en las que ambos artistas hablan de sus prácticas sexuales favoritas. Pese a su gran potencial, ‘Blinfold Me’ tuvo un impacto comercial mínimo y fue incapaz de entrar en las principales listas de venta. Como tercer single internacional se lanzó Lil Star, un coqueto tema mid-tempo R&B/Soul de sonido retro que cuenta con unas letras muy personales en las que la cantante reflexiona sobre los momentos en los que se siente insegura y tiene dudas, a diferencia de su habitual personalidad atrevida y segura de sí misma. ‘Lil Star’ alcanzó el #3 en la lista británica, convirtiéndose en uno de los singles de Kelis más exitosos en Reino Unido.

Merece la pena reseñar ‘I Don’t Think So’, un enérgico tema pop/rock que cuenta con la producción de los hitmakers Max Martin y Dr. Luke y en cuyas letras Kelis rechaza a los insistentes pretendientes que creen tener una oportunidad con ella pero no valen lo suficiente o ‘Till The Wheels Fall Off’, producido por Will.I.Am y que contiene un aroma Soul/rock. En resumen, «Kelis Was Here» es un álbum muy largo, en el que aparece excesivo relleno y en su conjunto no resulta tan innovador y arriesgado como los anteriores álbumes de Kelis, ya que la mayoría de las canciones presentes navegan dentro de un R&B genérico e impersonal. Pese a sus defectos, no se trata de un trabajo de baja calidad en absoluto, ya que es un álbum más que digno cuyos puntos fuertes son la excelente selección de singles y la versátil y personal voz de la cantante. Temas imprescindibles: Bossy, Blindfold Me, I Don’t Think So y Lil Star. Puntuación: 7/10.

Crítica de «Fireworks & Rollerblades» de Benson Boone

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Benson Boone se ha convertido en uno de los cantantes más populares durante los últimos meses y su fama no ha hecho sino aumentar debido a su sorprendente actuación en los recientes premios Grammy, donde llamó la atención del público por su llamativo atuendo y su vibrante y enérgico show. Precisamente el joven artista estaba nominado a los Grammy en la categoría de artista revelación (junto a otras nuevas estrellas como Sabrina Carpenter), sin embargo el premio le fue arrebatado por Chappell Roan. En su momento no presté excesiva atención al artista americano pero no me gustaría perder la oportunidad de hacer una reseña de su primer álbum de estudio. Pese a que en abril del 2024 vio la luz su debut, el artista de Monroe (Washington) lleva varios años lanzando singles, entre los que destacan la balada a piano ‘Ghost Town’ o ‘In the Stars’, que acumulan enormes cifras de streaming en las plataformas musicales. El primer álbum de Benson Boone tiene por título Fireworks & Rollerblades y está formado por 15 canciones de estilo pop/rock compuestas por el propio Benson bajo la producción de Jason Evigan, TMS, David Hodges, Evan Blair o Captain Cuts entre otros. Las letras de las canciones tratan las complejidades de las relaciones y el miedo que siente Benson a que acaben mal. «Fireworks & Rollerblades» debutó en el #6 de la lista americana de álbumes y ha sido certificado platino en Estados Unidos por su combinación de ventas físicas y puntos equivalentes de streaming. En el resto del mundo el álbum ha tenido un desempeño comercial moderado y ha ocupado el top 10 en Francia o Canadá y el top 20 en Australia o Reino Unido.

El single presentación del álbum fue Beautiful Things, una potente balada pop/rock en la que Benson habla del significado de la vida y reflexiona sobre la gratitud por la vida y el amor, aunque es consciente de que la felicidad es volátil. En ‘Beautiful Things’ el artista hace gala de su impresionante rango vocal y su talento como compositor. Debido a su gran viralidad en TikTok, este single resultó un auténtico éxito comercial en todo el mundo: alcanzó el #1 en más de 10 países incluyendo Reino Unido, Alemania, Canadá o Australia y fue #2 en Estados Unidos. ‘Beautiful Things’ es el tema más escuchado de Benson en Spotify con más de 1500 millones de escuchas. El segundo single lanzado fue Slow It Down, un tema pop/rock mid-tempo producido por Jason Evigan en cuyas letras se narra una compleja relación en la que su pareja ha decidido marcharse a otro lugar, lo que provoca un gran dolor en el cantante. Sin duda ‘Slow It Down’ es uno de los temas más destacados del álbum. En el terreno comercial tuvo un desempeño moderado y alcanzó el top 15 en Reino Unido y el top 40 en Australia, Canadá o Estados Unidos. Como tercer single se lanzó Pretty Slowly, un tema con influencias folk producido por Evan Blair cuyas letras hablan de una relación sentimental que acaba en ruptura y Benson recuerda los buenos momentos de la relación y admite los errores que cometió. Inicialmente ‘Pretty Slowly’ no formaba parte del álbum, pero fue añadido más tarde a la versión digital.

Entre los temas más destacados del álbum se encuentran ‘Be Someone’, un enérgico tema up-tempo en el que Benson pone las cartas encima de la mesa y declara que es una persona entregada e incondicional dentro una relación o ‘Cry’, en el que hace uso de su falsete mientras arremete contra una chica dramática y narcisista que le ha destrozado la vida. Pese a haber sido lanzados como singles hace años, tanto ‘Ghost Town’ como ‘In the Stars’ forman parte del track listing del álbum, lo que ha contribuido a aumentar en gran medida las ventas de «Fireworks & Rollerblades» debido a sus altas cifras de streaming. En definitiva, a Benson Boone no le faltan cualidades para triunfar: posee una potente y personal voz, es atractivo y tiene una arrolladora personalidad, por lo que le auguro un prometedor futuro en el mundo de la música. Pese a estar formado por un solvente conjunto de canciones y ser un debut más que digno, «Fireworks & Rollerblades» no ofrece nada especialmente nuevo o distintivo al panorama musical actual y recuerda a los últimos trabajos de Shawn Mendes o Harry Styles, con los que guarda numerosas similitudes. Temas imprescindibles: Slow It Down, Beautiful Things, Pretty Slowly, Cry y Be Someone. Puntuación: 7/10.

Crítica de «11:11 (Deluxe)» de Chris Brown

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A finales de 2023 vio la luz el undécimo álbum de estudio de Chris Brown. Su título 11:11 no podía ser más oportuno ya que fue publicado en noviembre (el undécimo mes del año) y se trataba de un álbum doble formado por 11 canciones en cada lado. Los últimos álbumes del cantante americano se han caracterizado por su larga extensión y «Heartbreak on a Full Moon», «Indigo» y «Breezy» contenían entre 30 y 40 temas, algo completamente inusual dentro del panorama musical actual pero que le ha proporcionado ingentes cifras de streaming con cada publicación. En palabras del cantante americano, el título del álbum tiene un significado místico ya que según las creencias populares y la numerología, «11:11» significa la presencia de ángeles protectores en nuestra vida y es un recordatorio de que estás en sintonía con el universo y los seres divinos. La edición original de «11:11» estaba formada por 22 temas y la versión deluxe, publicada en 2024, añadía 13 nuevas canciones (varios de ellas descartes de las sesiones originales del álbum), conformando un mastodóntico trabajo de 35 temas, que resulta excesivamente largo para los estándares actuales del mundo de la música. El álbum está encuadrado dentro del sonido R&B/pop habitual de Chris y cuenta con influencias Afrobeats y Dancehall, muy de moda últimamente entre los artistas de R&B. Todos los temas del álbum están compuestos por el propio cantante bajo la producción de Hitmaka, Roccstar, Boi-1da o Troy Taylor entre otros, aunque cabe destacar que la mayoría de los productores implicados no son muy conocidos. Las letras de las canciones no se alejan demasiado del habitual estilo del cantante y hablan de sexo y las diferentes fases del romance, aunque también explora otros temas como la espiritualidad, la resiliencia y la curación de las heridas emocionales. «11:11» debutó en el #9 de la lista americana de álbumes, convirtiéndose en el undécimo trabajo de Chris que ocupa el top 10 en la lista de ventas de Estados Unidos. El hecho de que todos sus álbumes hayan sido top 10 en la lista Billboard convierte a Chris Brown en uno de los cantantes de R&B con una carrera más sólida y consistente de las últimas décadas. Recientemente «11:11 (Deluxe)» ha ganado un premio Grammy a mejor álbum R&B del año, que se suma al primer galardón que consiguió con «F.A.M.E.» en 2012 en la misma categoría. Debido a este importante logro para Chris Brown, realizaré una nueva crítica de la versión extendida de este interesante trabajo. 

El single presentación del álbum fue Summer Too Hot, que se trata de un pegadizo tema R&B mid-tempo producido por Roccstar en el que Chris nos cuenta las andanzas sexuales que tiene planeadas durante el verano. Este single recibió buenas impresiones por parte de los expertos musicales debido a su naturaleza desenfadada y fue nominado a los premios Grammy en la categoría de mejor actuación de R&B. En el terreno comercial ‘Summer Too Hot’ tuvo un rendimiento mediocre y apenas pisó la parte baja de la lista americana. El segundo single lanzado fue Sensational, un marchoso tema encuadrado dentro del sonido Afrobeats que cuenta con la colaboración de los cantantes de origen nigeriano Davido y Lojay y está compuesto por Chris junto al artista jamaicano Sean Kingston. Unos días antes del lanzamiento del álbum llegó el tercer single, Nightmares, que se trata de otro tema up-tempo de estilo Afrobeats y Dancehall cuyas letras hacen referencia a un chico pandillero que se automedica y recurre a la bebida para hacer frente a la depresión y sus sentimientos de soledad y desesperanza. 

Debido a su gran acogida por parte del público durante el «11:11 Tour» y sus buenas cifras de streaming tras la publicación de la edición deluxe del álbum, Residuals fue lanzado como primer single de la reedición. ‘Residuals’ es una balada R&B producida por Eric Hudson cuyas letras exploran la complejidad emocional tras el final de una relación y en la que Chris declara que se encuentra en un estado de confusión y dolor y siente que se encuentra atrapado entre el pasado y el presente. Cabe destacar que este tema fue compuesto durante las sesiones de grabación de «Breezy» pero no fue incluido en dicho álbum ni en la versión original de «11:11», sin embargo ha sido añadido muy acertadamente en la edición deluxe del álbum. Durante este 2025 ‘Residuals’ ha alcanzado el top 40 en la lista americana, convirtiéndose en el single más exitoso del álbum. ‘Residuals’ fue nominado a los recientes premios Grammy en la categoría de mejor actuación de R&B (su segunda nominación en dicha categoría dentro del mismo álbum, tras ‘Summer Too Hot’), sin embargo perdió ante Muni Long y su fantástico tema ‘Made for Me’.

Los ritmos caribeños están presentes en muchas de las canciones del álbum, como ‘Shooter’, en el que Chris hace uso de su famoso falsete, sin embargo el cantante brilla cuando regresa a su zona de confort en temas como ‘Press Me’, que adopta un sonido R&B más tradicional mientras describe los primeros pasos del romance cuando uno se deja impresionar por su interés amoroso o ‘Stutter’, otro tema R&B mid-tempo en el que Chris confiesa que estar con una chica impresionante le hace tartamudear. Uno de los pocos temas dance-pop que encontramos es ‘No One Else’, que cuenta con la participación de Fridayy como artista invitado y productor. Uno de los temas más destacados del álbum es ‘Angel Numbers / Ten Toes’, formado por dos canciones diferentes y en cuyas letras Chris relata su batalla contra la ansiedad y la depresión. Entre las baladas destacan ‘Moonlight’, que habla del amor incondicional que siente hacia su pareja. Dentro de la edición deluxe merece la pena reseñar ‘Delusional’, un tema R&B mid-tempo que habla de una relación que se deteriora y explora los sentimientos de culpa y desilusión de Chris y su pareja o la bonita balada ‘Bruce Lee’, cuyas letras toman inspiración de la famosa frase ‘be water, my friend’ del actor. El cantante de R&B Mario participa en el tema ‘Won’t Keep You Waiting’, que recupera los ritmos tropicales, y el rapero Lil Wayne colabora en ‘Freak’, el tema más Hip Hop de este trabajo. 

El artista de Virginia prometió que «11:11» sería más breve que sus anteriores trabajos para poder ser ‘mejor digerido’ por parte del público, sin embargo nos ofreció otro álbum muy largo, que todavía se amplía más en la edición deluxe. El blog Mister Music valoró de manera positiva el álbum, sin embargo comenté que debido a la larga extensión del álbum encontrábamos excesivo relleno y muchas de las canciones acababan resultando repetitivas. «11:11» no ofrece nada nuevo al panorama R&B actual o al catálogo musical de Chris, sin embargo no resulta un proyecto de baja calidad en absoluto, ya que mantiene el buen nivel del resto de su discografía. Chris Brown sigue demostrando que es uno de los artistas más talentosos de su generación y en este álbum los puntos fuertes vuelven a ser sus excelentes habilidades como vocalista y compositor. La versión extendida de «11:11» añade varios temas muy interesantes que consiguen que el producto final se eleve con respecto al álbum original. Temas imprescindibles: Residuals, Summer Too Hot, Delusional, Sensational, Press Me, Bruce Lee y Angel Numbers / Ten Toes. Puntuación: 7’5/10.

Crítica de «Hurry Up Tomorrow» de The Weeknd

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El nuevo álbum de The Weeknd tenía previsto ser lanzado el 24 de enero pero a mediados de mes fue pospuesto al día 31 debido a la tragedia de los incendios en Los Ángeles, ciudad a la que admira y ha sido fuente de inspiración para él durante su carrera. El quinto álbum de estudio de The Weeknd tiene por título Hurry Up Tomorrow y se trata de la tercera y última parte de una trilogía iniciada por el cantante canadiense con «After Hours», que representaba el infierno (la oscuridad, la vida disoluta de Abel y sus pensamientos atormentados y autodestructivos) y continuaba con «Dawn FM», el purgatorio (la madurez del artista y el comienzo de una nueva etapa más alegre en su vida). «Hurry Up Tomorrow» representa el paraíso y supone la cúspide creativa de este ambicioso y complejo proyecto creado por Abel Tesfaye, elaborado con temas existenciales y auto-referenciales. Tal y como ha declarado el artista nacido en Toronto, este álbum presumiblemente será el último bajo el seudónimo de The Weeknd, ya que pretende dar por finalizado a este controvertido personaje y continuar lanzando música con su propio nombre. En «Hurry Up Tomorrow» seguimos encontrando las influencias ochenteras presentes en sus dos últimos trabajos a través de temas up-tempo de sonido synth-pop y electropop, sin embargo en esta ocasión existe un predominio de baladas y medios tiempos encuadrados dentro del sonido R&B. Abel Tesfaye ha compuesto los 22 temas presentes en el álbum y entre los productores implicados encontramos importantes nombres de la industria musical como Mike Dean, Metro Boomin, Oneohtrix Point Never, Cirkut, Tommy Brown o Pharrell Williams entre otros. Cabe destacar que Max Martin y Oscar Holter, mano derecha de The Weeknd en sus últimos trabajos y los artífices de hits de la talla de ‘Blinding Lights’ o ‘Save Your Tears’, disminuyen notoriamente su presencia en este álbum.

En septiembre del año pasado llegó el supuesto single presentación del álbum, Dancing in the Flames, que se trata de un tema up-tempo de estilo synth-pop producido por Max Martin y Oscar Holter que sigue la estela musical de los anteriores singles de The Weeknd. Las letras de ‘Dancing in the Flames’ hablan a un amor apasionado que perdura en el tiempo a pesar del sentimiento de dolor y pérdida y en el que las referencias a los accidentes de conducción y llamas son una metáfora de una peligrosa e impredecible relación amorosa. Pese a su gran potencial, ‘Dancing in the Flames’ tuvo un moderado desempeño comercial (ocupó el #14 en la lista americana y el top 20 en Reino Unido, Australia o Canadá) y no consiguió el gran nivel de streaming de sus recientes sencillos, lo que da muestra del agotamiento comercial que está empezando a sufrir The Weeknd debido a su presencia máxima en el panorama musical durante los últimos años y a la saturación por parte del público provocada por el tremendo éxito de varios de sus singles. En una decisión tan improvisada como desacertada por parte de la discográfica de The Weeknd, ‘Dancing in the Flames’ ha sido descartado de la edición final del álbum debido a su escaso éxito comercial. 

Mientras que ‘Dancing in the Flames’ marcaba la transición perfecta entre los dos anteriores álbumes y «Hurry Up Tomorrow» debido a su sonido synth-pop y sus influencias ochenteras, los dos siguientes sencillos cambiaban radicalmente de estilo. Como segundo single se lanzó Timeless, un anodino tema mid-tempo de estilo Hip Hop y Trap que cuenta con la participación del rapero Playboi Carti. Este tema, producido por Mike Dean, Pharrell Williams y Ojivolta, explora temas como la auto-identidad o la transitoriedad de las relaciones amorosas dentro del vacío mundo de la fama. ‘Timeless’ ha obtenido un rendimiento comercial notablemente superior al del anterior single: ha alcanzado el top 5 en la lista americana y el top 10 en Reino Unido, Alemania o Canadá y supera los 500 millones de reproducciones en Spotify. El siguiente single fue São Paulo, un extraño tema influenciado por el funk brasileño y que cuenta con la participación de la cantante brasileña Anitta.

Uno de los temas más continuistas con respecto al sonido presente en los anteriores trabajos de The Weeknd es Open Hearts, que se trata de un tema up-tempo de estilo synth-pop y electropop que mantiene las influencias ochenteras de ‘Dancing in the Flames’ y su naturaleza bailable. En este tema, uno de los pocos producidos por Max Martin y Oscar Holter, Abel habla sobre la lucha de dar otra oportunidad al amor tras una ruptura sentimental. En mi opinión, ‘Open Hearts’ es el tema más sobresaliente del álbum y sería un gran candidato a siguiente single. Las influencias de la música de los años 80 y el uso de sintetizadores están presentes en temas como ‘Wake Me Up’, en el que Abel reflexiona sobre sus luchas internas y explora temas como el existencialismo o la búsqueda de la autenticidad o ‘Cry for Me’, que contiene ciertas influencias Trap al final de la canción y en el que vuelve a mostrar su lado más atormentado y sus sentimientos de dolor y sufrimiento. Entre las canciones más destacadas del álbum se encuentran ‘Give Me Mercy’, que se trata de otra de las producciones de Max Martin y en la que admite los errores cometidos y pide piedad o ‘Take Me Back To LA’, un tema synth-pop de carácter mid-tempo que pertenece a las sesiones de grabación del álbum «After Hours» y en el que muestra su sentimiento de redención. El resto del álbum navega en un mar de temas downtempo R&B que recuerdan a los orígenes musicales del cantante. Merece la pena mencionar ‘I Can’t Wait to Get There’, que contiene un gran aroma Neo Soul o la canción titular, ‘Hurry Up Tomorrow’, una de las mejores baladas del álbum.

Como fiel seguidor del sonido R&B, es un placer encontrar en «Hurry Up Tomorrow» un gran número de canciones de este estilo que le sientan como un guante a su agradable y bonito timbre de voz, sin embargo se echan en falta más temas up-tempo como ‘Open Hearts’ o ‘Dancing in the Flames’, que continúan la senda musical explorada en los anteriores trabajos de la trilogía. «Hurry Up Tomorrow» no logra igualar el gran nivel de «After Hours» y «Dawn FM» pero se trata de un álbum sólido, magníficamente ejecutado por Abel a nivel vocal, muy cohesionado líricamente y con una magistral producción. Los puntos en contra son su larguísima extensión, la omisión de ‘Dancing in the Flames’ (uno de los singles más solventes de Abel) en la edición final del álbum y la desacertada elección de los singles, que no representan la esencia del álbum y resultan los temas más flojos. «Hurry Up Tomorrow» ha cerrado con broche de oro esta trilogía, la cual le ha convertido a The Weeknd en el artista más exitoso de los últimos años y el más escuchado en las plataformas de streaming. Temas imprescindibles: Open Hearts, Wake Me Up, Cry for Me, Take Me Back to LA, Baptized in Fear y Give Me Mercy. Puntuación: 7’8/10.

Throwback Review: «I Care 4 U» de Aaliyah

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Aaliyah I Care 4 UEl 25 de agosto del 2001, cuando Aaliyah abandonaba las Bahamas tras grabar el videoclip del single ‘Rock the Boat’, el avión en el que viajaba junto a otras 8 personas se estrelló apenas unos minutos después de despegar debido a un exceso de peso y todo el pasaje murió en el acto. Así se truncó la vida de una de las cantantes más prometedoras del R&B contemporáneo. Aaliyah Dana Haughton, con apenas 22 años, acababa de publicar un mes antes su tercer álbum de estudio, titulado de manera homónima, el cual recibió elogios de la crítica por su carácter innovador y su vanguardista sonido, considerado la antesala del denominado R&B progresivo o alternativo. Aaliyah estaba encuadrado dentro del R&B y Neo Soul con influencias de la música electrónica, Hip Hop, funk o rock y resultaba su trabajo más experimental y arriesgado hasta la fecha. La cantante neoyorquina declaró que quería un sonido diferente al de «One In a Million», su segundo álbum, por lo que aparte de sus habituales colaboradores e amigos íntimos Timbaland y Missy Elliott, trabajó con nuevos colaboradores como Static Major, quien compuso la mayoría de los temas del álbum o Eric Seats, Rapture Stewart y Bud’da, que se encargaron de la producción del resto del álbum. Tras el trágico fallecimiento de la ‘princesa del R&B’, las ventas del álbum se dispararon, «Aaliyah» ascendió al #1 de la lista Billboard y acabó superando los dos millones de copias vendidas en Estados Unidos. Las sesiones de grabación de «Aaliyah» resultaron muy fructíferas y una gran cantidad de canciones fueron grabadas, por lo que tras la trágica muerte de la cantante, varios de los descartes pasaron a formar parte de un álbum recopilatorio, I Care 4 U, que toma su título de uno de las canciones pertenecientes a su tercer álbum. Publicado en 2002, «I Care 4 U» está formado por varios de los singles más exitosos de sus tres álbumes de estudio y 6 temas inéditos, pertenecientes a las sesiones de grabación de «Aaliyah». Entre los grandes éxitos incluidos en el álbum se encuentran icónicos singles de la talla de ‘One In a Million’, ‘Are You That Somebody?’, ‘Try Again’, ‘More Than a Woman’ o ‘We Need a Resolution’. En pleno furor por la música de Aaliyah tras su fallecimiento, el álbum resultó un notable éxito comercial y alcanzó el top 5 en Estados Unidos (donde fue certificado platino por ventas superiores al millón de copias), Reino Unido, Alemania o Francia.

El single presentación del álbum fue Miss You, una balada mid-tempo R&B compuesta por el cantante Ginuwine y producida por Teddy Bishop cuyas letras hablan de un amor pasado de Aaliyah y cómo echa de menos el tiempo que compartió con su ex-pareja. ‘Miss You’ continuó la excelente racha comercial de sus singles tras su fallecimiento y recibió un gran apoyo por parte del público: alcanzó el #3 de la lista americana (su segunda mejor posición en la lista Billboard tras ‘Try Again’) y fue top 10 en Alemania y top 20 en Canadá. El segundo single lanzado fue Don’t Know What to Tell Ya, un marchoso tema R&B con melodía inspirada en la música del Medio Oriente producido por Timbaland en cuyas letras la cantante se niega a estar atada por parte de una pareja controladora y compara a su relación con estar encarcelada. ‘Don’t Know What to Tell Ya’ es el tema inédito más destacado debido a la moderna e innovadora producción de Timbaland y la gran ejecución vocal de Aaliyah. ‘Don’t Know What to Tell Ya’ se lanzó de manera muy limitada en tierras americanas pero obtuvo un desempeño comercial moderado en el resto del mundo y alcanzó el top 20 en Reino Unido, el top 40 en Australia o el top 50 en Francia.

Originalmente incluido en «Aaliyah» y considerado como uno de los ‘highlights’ del álbum, I Care 4 U fue lanzado como tercer single del recopilatorio póstumo de la cantante. ‘I Care 4 U’ es una emotiva balada Neo Soul y R&B compuesta por amiga Missy Elliott y producido por Timbaland en cuyas letras Aaliyah trata de consolar a un hombre que tiene el corazón roto tras una dolorosa ruptura. El interés del público por la música de Aaliyah tras su muerte continuó y ‘I Care 4 U’ obtuvo un buen desempeño comercial y alcanzó el #16 en la lista americana. Como cuarto y último single del álbum se lanzó Come Over, una balada R&B producida por Bryan-Michael Cox y Jazze Pha en cuyas letras Aaliyah, tras salir de un vuelo nocturno, no puede esperar hasta la mañana para ver a su hombre. ‘Come Over’ se convirtió en el cuarto single top 40 consecutivo del recopilatorio.

Entre los temas inéditos merece la pena reseñar ‘All I Need’, un tema R&B mid-tempo producido por Teddy Bishop que habla de un amor recién encontrado o ‘Don’t Worry’, un marchoso tema producido por Jazze Pha en cuyas letras Aaliyah le explica a su pareja que no tiene que preocuparse por su lealtad y compromiso. En resumen, «I Care 4 U» es un híbrido entre recopilatorio de grandes éxitos y álbum de estudio, ya que combina algunos de los singles más famosos de la legendaria cantante con temas pertenecientes a las sesiones de grabación de «Aaliyah», la obra maestra de su trayectoria musical. Sin duda se trata de un álbum indispensable para los fervientes seguidores de Aaliyah, entre los que yo me encuentro. Temas imprescindibles: Don’t Know What to Tell Ya, Miss You, I Care 4 U, All I Need y Don’t Worry. Puntuación: 8/10.