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Throwback Review: «The Eminem Show» de Eminem

julio 15, 2024febrero 12, 2025deividtoxic2 comentarios

The Eminem Show En el año 2000 vio la luz The Marshall Mathers LP, el tercer álbum de estudio de Eminem, con el despuntó definitivamente en el panorama musical y se convirtió en uno de los raperos más importantes del momento gracias a singles tan populares como ‘The Real Slim Shady’, ‘The Way I Am’ o ‘Stan’, que ocuparon las primeras posiciones en las listas de venta en todo el mundo. Dos años después llegó su cuarto trabajo discográfico, The Eminem Show, el cual está formado por 20 canciones encuadradas dentro del Hip Hop (incluyendo los subgéneros Rap rock, Comedy Hip Hop, Dirty Rap o Hardcore Hip Hop) y compuestas y producidas por el propio Marshall Mathers, con producción adicional de su mentor Dr. Dre, Luis Resto, Jeff Bass o Mr Porter. «The Eminem Show» debutó en #1 de la lista americana de álbumes y fue certificado diamante por ventas superiores a los 10 millones de copias en Estados Unidos (su segundo disco de diamante consecutivo tras «The Marshall Mathers LP») y se convirtió en uno de los álbumes de Hip Hop más exitosos del año. En el resto del álbum también resultó un autentico éxito comercial y lideró las listas de ventas de más de 10 países incluyendo Reino Unido, Australia, Canadá o Alemania. El primer single lanzado fue Without Me, un tema Hip Hop up-tempo encuadrado dentro del subgénero Comedy Rap en el que Slim Shady, el ‘alter ego’ gamberro de Eminem, lanza dardos envenenados a las personas que le han criticado desde su ascenso a la fama, como el vicepresidente americano Cheney, el grupo Limp Bizkit o el músico Moby, además de burlarse de Prince por cambiar su nombre por un símbolo y hacer referencia a su madre, que le demandó por las letras del tema ‘My Name Is’. ‘Without Me’ resultó un auténtico éxito comercial y se ha convirtió en uno de los singles más populares del rapero: alcanzó el #2 en Estados Unidos y lideró las listas de venta de los principales mercados como Reino Unido, Alemania o Australia.

Como segundo single se lanzó Cleanin’ Out My Closet, en el que Eminem cambiaba de registro con respecto a su anterior, abandonaba el alter ego de Slim Shady y ofrecía un lado más serio, aunque no por ello menos vengativo. En este tema, Eminem relata amargamente varios capítulos muy duros en su vida, como cuando su padre lo abandonó cuando era pequeño o la turbulenta relación con su ex-mujer Kim, pero centra su rabia y resentimiento contra su madre, a la que critica por su manera de educarlo, su falta de cariño y por tomar drogas delante de él. Tras ‘Cleanin’ Out My Closet’, el rapero de Detroit lanzó como single ‘Lose Yourself’, perteneciente a la banda sonora de la película «8 Mile» y debido al enorme éxito conseguido por este tema, la promoción de «The Eminem Show» se suspendió hasta 2003 cuando se lanzó el tercer sencillo, Superman, exclusivamente en tierras americanas. Este tema de estilo Dirty Rap habla de sus turbulentas relaciones con las mujeres y la naturaleza promiscua de las chicas con las que ha estado. En las letras de ‘Superman’, Eminem declara que tuvo una relación sexual con Mariah Carey, aunque fue desmentido por la cantante. ‘Superman’ tuvo un rendimiento comercial moderado y apenas fue #15 en la lista americana, en parte porque fue lanzado cuando el público estaba centrado en ‘Lose Yourself’ y otras canciones pertenecientes a «8 Mile».

Como cuarto single (último en Estados Unidos) se lanzó Sing for the Moment, un tema influenciado por el Rap rock que samplea el clásico ‘Dream On’ de Aerosmith e incluye la voz de Steven Tyler en el estribillo. Este tema, el primero grabado para el álbum, habla de la influencia de Eminem en la juventud. ‘Sing for the Moment’ continuó la gran racha comercial de Eminem y alcanzó el top 10 en las principales listas de venta y el #14 en Estados Unidos. Como último single llegó Business, un marchoso tema de Comedy Hip Hop producido por Dr. Dre en el que hace su aparición nuevamente Slim Shady, utilizando metáforas sobre superhéroes y comparándose Dre y él con Batman y Robin. ‘Business’ sólo fue lanzado a nivel internacional y tuvo un rendimiento comercial positivo: alcanzó el top 10 en Australia o Reino Unido y el top 15 en Alemania.

Merece la pena reseñar el tema ‘Till I Collapse’, que cuenta con la colaboración del cantante Nate Dogg y en el que Marshall habla de su posición dominante en el panorama Hip Hop y su pasión por el Rap. En la actualidad, ‘Till I Collapse’, supera los 1900 millones de escuchas en Spotify, convirtiéndose en el tema no lanzado como single más escuchado en la famosa plataforma musical. Dentro del álbum destacan ‘White America’, un tema muy crítico contra la doble moral americana y en el que Eminem declara que él fue considerado un referente dentro del Hip Hop (género originado por los afroamericanos) por encima de otros artistas negros, ‘Say Goodbye Hollywood’, en el que Marshall admite que necesita tomarse un descanso debido a la presión de la fama y la popularidad o ‘Soldier’, en el que habla de sus cargos por posesión de armas y compara su perseverancia con la de un soldado en la guerra. En resumen, «The Eminem Show» es uno de los trabajos más sobresalientes dentro de la carrera de Eminem e imprescindible dentro del Hip Hop de la década del 2000. Debido al gran impacto comercial de «The Eminem Show» y «8 Mile», el público joven empezó a interesarse por el mundo del Rap y ambos álbumes fueron responsables de llevar el Hip Hop al mainstream. Temas imprescindibles: Without Me, Cleanin’ Out My Closet, Superman, Business, Sing for the Moment, Soldier y ‘Till I Collapse. Puntuación: 8/10.

Crítica de «The Death of Slim Shady (Coup de Grâce)» de Eminem

julio 14, 2024agosto 7, 2025deividtoxic4 comentarios

The Death of Slim Shady A lo largo de los años, Slim Shady se ha convertido en el ‘alter ego’ más importante dentro del mundo del Hip Hop y ha inspirado a numerosos raperos posteriores a adoptar sus propios ‘alter ego’, como por ejemplo Nicki Minaj. Slim Shady, caracterizado por su personalidad violenta pero con un cómico sentido del humor, ha estado presente en algunos de los singles más famosos y exitosos de Eminem como ‘My Name Is’, ‘The Real Slim Shady’, ‘Without Me’ o ‘Just Lose It’, encuadrados dentro del subgénero Comedy Hip Hop. Este mes de julio ha visto la luz el duodécimo álbum de estudio de Eminem, The Death of Slim Shady (Coup de Grâce), el cual está formado por 19 temas compuestos por el propio Marshall Mathers bajo la producción de Dem Jointz, Mr. Porter, Luis Resto, Benny Blanco o su habitual colaborador Dr. Dre. «The Death of Slim Shady» está formado por un compendio de sus habituales canciones encuadradas dentro del Comedy Rap en las que hace su presencia Slim Shady y temas de Hip Hop más ‘serios’ que ofrecen el lado maduro y reflexivo del rapero de Detroit. «The Death of Slim Shady» toma el relevo a «Music to Be Murdered By», publicado en 2020 y cuyo título estaba inspirado en el álbum del mismo nombre de Alfred Hitchcock y conectaba con el concepto de muerte y violencia presente en dicho trabajo. «Music to Be Murdered By» consiguió el décimo #1 de Eminem en la lista americana de álbumes, convirtiéndole en el primer artista artista de la historia en tener 10 álbumes ‘chart topper’ consecutivos en Estados Unidos.

El single presentación el álbum ha sido Houdini, un tema Hip Hop up-tempo que contiene interpolaciones de famosas canciones de Eminem como ‘Without Me’ o ‘My Name Is’ y samplea el tema ‘Abracadabra’ del grupo Steve Miller Band. En este tema, cuyo título hace referencia al famoso mago de origen húngaro, Eminem muestra su superioridad por encima de sus rivales, se ríe de las acusaciones de homofobia que le han perseguido a lo largo de su carrera, hace referencia a recientes polémicas dentro del mundo del Hip Hop (como el disparo de Tory Lanez a la rapera Megan Thee Stallion) y se manifiesta en contra de la cultura de la cancelación, alegando que siempre ha defendido la libertad de expresión. ‘Houdini’ ha tenido un gran impacto comercial y ha alcanzado el #1 en Australia, Canadá o Reino Unido y el #2 en Estados Unidos, convirtiéndose en uno de sus singles más exitosos de los últimos tiempos. Sin duda ‘Houdini’ resulta pegadizo y recupera el espíritu del Comedy Rap presente en algunos de sus temas más icónicos, lo cual es un gran acierto como single adelanto. Unos días antes de la publicación del álbum llegó el segundo single, Tobey, un tema influenciado por el sonido Rap rock y que cuenta con la participación de los raperos Big Sean y BabyTron, también originarios de Detroit. En este tema, Marshall rinde homenaje al actor Tobey Maguire (que interpretó a Peter Parker en la película «Spiderman», uno de los mayores referentes de Eminem) y en su verso critica su posición en la lista de los mejores raperos de todos los tiempos realizada por la publicación Billboard y se sitúa a sí mismo en la cima del mundo del Hip Hop. Muy largo y aburrido a diferencia de ‘Houdini’, este tema ha tenido un impacto moderado en las listas de venta.

Dentro del lado Comedy Hip Hop del álbum destacan ‘Brand New Dance’, una marchosa canción con ritmo funky en la que Eminem se burla nuevamente de Christopher Reeve (actor que interpretó a Superman y acabó en silla de ruedas) o ‘Antichrist’, en el que Marshall se compara con el anticristo, defiende su papel de provocador en la industria musical y hace referencia a sus controversias pasadas y su relación combativa con la crítica y las expectativas de la sociedad. El veterano rapero ofrece su lado más emotivo y sensible en ‘Temporary’, una balada dedicada a su hija Hailie (a la que anima a mantenerse fuerte en los malos momentos y le dice que la angustia es temporal) con la intención de que la escuche una vez que él fallezca y que cuenta con la participación de la cantante y compositora Skylar Grey, habitual colaboradora de Eminem. También merece la pena reseñar ‘Evil’, un oscuro tema que habla de la época en la que luchaba contra las adicciones y tenía mala relación con sus familiares más cercanos o ‘Lucifer’, producido por el legendario Dr. Dre, con cierto toque Country y en el que aborda nuevamente los límites de la cultura de la cancelación presente en la sociedad americana.

«The Death of Slim Shady» resulta muy largo, contiene excesivo relleno y definitivamente no llega al nivel de obras maestras de Eminem como «The Marshall Mathers LP» o «The Eminem Show», sin embargo supone una digna adición a su gran catálogo musical y nos recuerda que es uno de los raperos y liricistas más habilidosos dentro del mundo de la música. Con este trabajo, Eminem pretende dar carpetazo final a su famoso ‘alter ego’ Slim Shady, que ha estado presente en algunos de sus singles más famosos como ‘Without Me’ o ‘Just Lose It’ (los cuales que ofrecían su lado más gamberro e irreverente), lo que puede significar que el polémico rapero de 51 años ha madurado y quiere ofrecer a partir de ahora su lado más serio y maduro como persona y artista. Temas imprescindibles: Houdini, Evil, Antichrist, Lucifer, Temporary y Bad One. Puntuación: 7/10.

Los mejores álbumes del 2024 (1ª parte)

julio 4, 2024diciembre 28, 2025deividtoxic2 comentarios

10. Cowboy Carter de Beyoncé.

En 2022 Beyoncé publicó su séptimo álbum de estudio, Renaissance, que suponía el primer acto de una trilogía que grabó durante el confinamiento por la pandemia del coronavirus y en el que rendía homenaje a los pioneros afroamericanos de la música de baile. Este álbum profundizaba en los géneros Dance, Disco y House, pero se trataba de un trabajo muy variado que incorporaba elementos R&B, pop o Soul y contaba con numerosos samplers de famosas canciones. Tras el éxito de la gira promocional de «Renaissance», la cantante de Houston (Texas) ha regresado al panorama musical con el segundo acto de la trilogía, aunque fue el primero en ser grabado. En Cowboy Carter, su octavo trabajo discográfico, Beyoncé ha decidido recuperar sus raíces sureñas y profundizar en el género Country y la música tradicional americana. Mientras que en su anterior álbum rendía tributo a los pioneros afroamericanos de la música de baile, en esta ocasión celebra las raíces negras del Country. La cantante sólo había experimentado con dicho género anteriormente en el tema ‘Daddy Lessons’ perteneciente al álbum «Lemonade». Beyoncé confesó que la inspiración de hacer un álbum de estilo Country proviene de su controvertida actuación de ‘Daddy Lessons’ junto a The Chicks en la gala de los Country Music Awards de 2016, en la cual sintió que no era aceptada por ser una mujer de color y se encontró fuera de lugar entre un público eminentemente blanco. «Cowboy Carter» se trata de un álbum muy extenso, formado por 27 temas encuadrados dentro del Country (con ciertos elementos R&B, pop/rock, folk, Soul o Blues) y producidos por The Dream, Raphael Saadiq, Swizz Beatz o Pharrell Williams entre otros. En febrero Beyoncé lanzó dos singles como anticipo del álbum. Uno de ellos fue Texas Hold ‘Em, un tema up-tempo Country-pop con influencias folk y Soul cuyo título hace referencia a una de las variaciones más populares del juego de póker y en el que Beyoncé celebra las raíces negras de la música Country y rinde homenaje a sus orígenes sureños. ‘Texas Hold ‘Em’ recibió buenas críticas por su naturaleza desenfadada y la versatilidad vocal de Beyoncé y fue considerado el responsable de ampliar el público potencial de la música Country gracias a su éxito comercial. ‘Texas Hold ‘Em’ ha ocupado el #1 en las principales importantes listas de venta y supera los 350 millones de escuchas en Spotify. Por su parte, 16 Carriages se trata de una balada de estilo Country en la que la cantante texana describe la vida de carretera durante las giras de conciertos, pero también da detalles de la relación de sus padres cuando era joven y describe sus experiencias de adolescente cuando formaba parte de Destiny’s Child. Como siguiente single se lanzó II Most Wanted, un tema pop/rock y Country-pop de carácter downtempo que cuenta con la colaboración de Miley Cyrus y en el que ambas cantantes hablan de su estatus en la industria musical. A lo largo de su extensa trayectoria profesional, Beyoncé ha experimentado con géneros musicales tan diversos como el R&B, pop, funk, Soul, Hip Hop o electropop y es de alabar su versatilidad como artista al aproximarse en esta ocasión al Country, pero en mi opinión no es el género que mejor se adapta a su voz, la cual encaja mejor dentro del género R&B. Además, el acercamiento de Beyoncé al Country no resulta genuino o auténtico, ya que pese a sus orígenes sureños nunca ha expresado verdadero interés por este género ni ha mencionado a artistas de Country entre sus referencias musicales. Los puntos fuertes de «Cowboy Carter» son la magnífica ejecución vocal de Beyoncé, la rica y variada instrumentación y su cuidada producción, sin embargo no es el mejor trabajo de su trayectoria ya que resulta excesivamente largo, contiene interludios innecesarios y en ciertos momentos resulta monótono y repetitivo. Puntuación: 7/10.

Megan album 9. Megan de Megan Thee Stallion.

Durante los últimos años, Megan Thee Stallion se ha convertido en una de las figuras más destacadas del Hip Hop femenino y ha tenido una gran presencia en las radios y listas de venta estadounidenses gracias a sus singles y las colaboraciones con otros artistas. En noviembre del año pasado llegó el single presentación de su nuevo álbum, Cobra, que marcaba una divergencia con respecto al habitual estilo Hip Hop de Megan y exploraba el sonido Rap rock. Las letras de ‘Cobra’ resultan muy honestas y muestran la vulnerabilidad de la rapera al narrar los difíciles momentos que ha vivido durante los últimos años, como la muerte de su madre y su abuela en apenas un mes, su ruptura con Pardison Fontaine o el disparo que sufrió en el pie por parte del cantante Tory Lanez. Según Megan Thee Stallion, las cobras son un ejemplo de auto-suficiencia y coraje, ya que se enfrentan a sus rivales poniéndose de pie y se muestran feroces ante las amenazas. Este single fue aclamado por la crítica por sus vulnerables y honestas letras, el cambio de dirección musical y el ágil flow de Megan. ‘Cobra’ tuvo un rendimiento moderado en la lista americana y alcanzó el top 40. El segundo single lanzado fue Hiss, un tema Hip Hop carente de estribillo en el que Megan se enfrenta a sus haters y dispara dardos envenenados a todos los artistas que han hablado negativamente de ella, como Nicki Minaj. En las letras de ‘Hiss’, Megan hace referencia a una ley federal americana por la que las personas con antecedentes penales deben notificar los cambios de domicilio, una clara alusión al marido de Nicki Minaj, culpable de una violación años atrás. En el terreno comercial ‘Hiss’ resultó un notable éxito: debutó en el #1 de la lista americana, ocupó el top 40 en Reino Unido y acumula más de 80 millones de escuchas en Spotify. Siguiendo la temática de las serpientes, como tercer single se lanzó Boa, un tema Hip Hop y Trap que samplea el conocido tema ‘What You Waiting For?’ de Gwen Stefani y resulta toda una declaración de intereses por parte de Megan, ya que habla de su estatus en el mundo de la música (se refiere a sí misma como la reina del Hip Hop) y nuevamente se enfrenta a sus rivales, principalmente Nicki Minaj. El tercer álbum de estudio de la rapera texana tiene por título Megan y supone un renacimiento para la artista y utiliza la temática de las serpientes para dar muestra no solo de su ferocidad y fuerza frente a las adversidades, sino para demostrar que con este trabajo ‘ha mudado de piel’ y muestra su verdadera personalidad. «Megan» mantiene el buen nivel de los anteriores trabajos de Megan Thee Stallion, explora nuevos géneros sin perder su esencia y sigue poniendo de manifiesto sus grandes habilidades como rapera y liricista, lo que le sitúa en una posición dominante dentro del Hip Hop femenino. Pese al innegable talento para rimar de la artista texana, las letras de las canciones presentes en «Megan» no evolucionan demasiado con respecto a las de sus anteriores trabajos, ya que siguen haciendo referencia a su atractivo físico, su riqueza y sus logros conseguidos en el mundo de la música, aunque también hay espacio para temas con letras más profundas y vulnerables en las que habla de las situaciones traumáticas que ha vivido durante los últimos años. Con sus aciertos y sus defectos (básicamente la falta de evolución en la composición y su larga extensión) «Megan» es uno de los álbumes de Hip Hop más destacados del año. Puntuación: 7’5/10.

Usher Coming Home 8. Coming Home de Usher.

Durante un tiempo, Usher consideró hacer una secuela de su legendario álbum Confessions, el cual recibió grandes críticas por parte de los expertos musicales, vendió más de 10 millones de copias en tierras americanas y se convirtió en el álbum R&B más exitoso de la década del 2000 en Estados Unidos. Muchas expectativas estaban puestas en torno a la segunda parte de «Confessions» e incluso fueron reclutados los productores principales de dicho álbum: Jermaine Dupri, Bryan-Michael Cox y Lil Jon. Tras la tibia acogida de los singles lanzados, Usher decidió abandonar este proyecto y no ‘ensuciar’ el buen nombre de su icónico álbum con una segunda parte que podría resultar un fracaso comercial. El cantante de Atlanta cambió de opinión con respecto a la secuela de «Confessions» pero siguió trabajando en su nuevo álbum mientras se encontraba inmerso en su exitosa residencia de conciertos en Las Vegas. Unos días antes de su participación en el intermedio de la Super Bowl, el veterano artista publicó su noveno álbum de estudio, Coming Home, el primero lanzado dentro de una discográfica independiente tras su salida de RCA, el sello discográfico al que estuvo unido durante más de una década. Su último álbum, el poco memorable «Hard II Love», fue publicado en 2016, lo que supone el lapso más largo entre dos álbumes dentro de la larga trayectoria de Usher. «Coming Home» está formado por 20 temas encuadrados dentro del R&B con influencias pop y Hip Hop compuestos por el propio Usher bajo la producción de algunos de los nombres más importantes de la industria musical como The Dream, Tricky Stewart, D’Mile, Jermaine Dupri, Bryan-Michael Cox, Hit-Boy o Rico Love entre otros. «Coming Home» cuenta con numerosos artistas invitados entre los que se encuentran Summer Walker, Latto, 21 Savage, Burna Boy, Pheelz, The Dream y H.E.R. «Coming Home» debutó en el #2 de la lista americana de álbumes (el octavo top 5 de Usher en Estados Unidos) y ha obtenido unas ventas superiores a las de su anterior álbum. El año pasado llegó el single presentación del álbum, Good Good, que se trata de un tema R&B con influencia Trap y Hip Hop producido por Mel & Mus que cuenta con la colaboración de Summer Walker (con quien ya trabajó en el single ‘Come Thru’ de la cantante) y el rapero 21 Savage. En este tema, Usher habla sobre una relación fallida y le desea lo mejor a su ex-pareja, mientras que Summer Walker ofrece la perspectiva femenina y reafirma haber terminado la relación en buenos términos y 21 Savage expresa la voluntad de apoyar a su ex de cualquier manera pese a haber finalizado la relación. El segundo single lanzado fue Ruin, un tema influenciado por el sonido Afrobeats en el que Usher relata una ruptura sentimental y le reprocha amargamente a su pareja que pese a haberse mantenido fiel y comprometido en la relación, ella no ha sabido valorarle. «Coming Home» ha supuesto un importante avance cualitativo en comparación a sus últimos álbumes y nos presenta a un Usher en la madurez, pero que no ha perdido ni un ápice de su enorme talento y sigue siendo un gran vocalista, compositor y showman. Durante el 2024 no sólo se cumple el vigésimo aniversario del icónico «Confessions» sino que también han pasado 30 años del lanzamiento de su álbum debut de título homónimo, con el que inició una impecable carrera dentro el mundo de la música, convirtiéndose en el rey del R&B contemporáneo. «Coming Home» es el trabajo más sólido de la discográfica reciente de Usher y uno de los mejores álbumes R&B publicados durante este año. Puntuación: 7’5/10.

Tyla album 7. Tyla de Tyla.

La cantante sudafricana Tyla alcanzó el reconocimiento del gran público gracias a ‘Water’, el single presentación de su primer álbum. Water es un tema up-tempo que combina R&B, pop y amapiano (una variante del Deep House que emergió en África durante la década del 2010) y contiene unas letras muy sensuales en las que Tyla expresa a su amante su deseo de tener un encuentro íntimo y apasionado. ‘Water’ ha resultado un éxito comercial: ha alcanzado el #7 en la lista americana (el primer top 10 de un artista de origen sudafricano en décadas) y ha ocupado el top 10 en importantes mercados como Reino Unido, Suecia o Australia. ‘Water’ fue aclamado por la crítica, ha recibido un premio Grammy a mejor actuación de música africana y ha obtenido varias nominaciones a los Soul Train Awards o los Brit Awards. El álbum debut de la joven cantante, titulado simplemente Tyla, está formado por un conjunto de canciones que combinan pop y R&B contemporáneo con sonidos tradicionales africanos como el Afrobeats y el amapiano. Durante los últimos años, el Afrobeats se ha vuelto muy popular entre los artistas urbanos y se trata de un sonido de origen africano de naturaleza bailable que se caracteriza por su uso prominente de percusión y ritmos tribales. Las mayores influencias musicales de la joven cantante son artistas de la talla de Michael Jackson, Aaliyah, Rihanna o Britney Spears y según sus propias palabras su sueño sería convertirse en la primera artista sudafricana que triunfa a nivel global. Tyla ha participado en la composición de las 14 canciones presentes en el álbum, las cuales tratan temas como el sexo, las relaciones sentimentales o el empoderamiento femenino. «Tyla» fue publicado el pasado mes de marzo y debutó en el #24 de la lista americana de álbumes, convirtiéndose en la mejor posición conseguida por una artista femenina sudafricana en la historia de la música. Tras ‘Water’ llegó Truth or Dare, otra deliciosa pieza de amapiano y Afrobeats combinado con sonido R&B en cuyas letras Tyla deja las cosas claras a un amante que quiere volver con ella e intenta frenar su acercamiento. Los siguientes singles lanzados fueron Art, en el que Tyla declara que su cuerpo es digno de estar en una galería de arte y Jump, el tema de carácter más urbano del álbum, que cuenta con la colaboración del rapero Gunna y en el que la cantante habla sobre su ascenso a la fama y nombra su ciudad natal. En resumen, Tyla se ha convertido en una de las artistas revelación de este año gracias a sus canciones pegadizas y bailables, su bonita voz y su original sonido. «Tyla» es un álbum debut más que digno que nos ha dado a conocer a una artista muy prometedora y talentosa que dará mucho que hablar en el futuro. El único defecto del álbum es que acaba resultando repetitivo porque la mayoría de las canciones suenan muy parecidas debido a que los temas de estilo Afrobeats y amapiano tienen un tempo y un ritmo similar y no presentan excesivas variaciones. Puntuación: 7’5/10.

Crash Kehlani 6. Crash de Kehlani.

Durante los últimos años Kehlani se ha convertido en una de las figuras más destacadas dentro del género R&B junto a otras prometedoras cantantes como SZA, Tinashe o Summer Walker, quienes demuestran que este género no está acabado en absoluto y sigue teniendo viabilidad comercial en el mercado americano. En 2022 llegó el último álbum de estudio de la cantante californiana, Blue Water Road, en el cual alcanzaba su madurez artística gracias a un sólido conjunto de canciones cuyas letras giraban en torno a temas como el amor, la sexualidad, la espiritualidad o la claridad emocional. El tercer álbum de Kehlani resultaba más ligero de contenido con respecto a It Was Good Until It Wasn’t, el cual fue publicado en plena pandemia del coronavirus y hablaba de sus turbulentas relaciones sentimentales, el lado oscuro de la fama o las complicaciones que supone la maternidad. El pasado mes de abril llegó el single presentación de su nuevo álbum, After Hours, que se trata de un marchoso tema R&B up-tempo muy influenciado por el sonido Afrobeats y Dancehall en el que la cantante le pide al ligue que ha conocido en la discoteca que se quede con ella para pasar más rato juntos. Este tema, que samplea el hit dosmilero ‘Move Ya Body’ de Nina Sky, ha tenido un mayor impacto comercial que los últimos singles de Kehlani y logrado entrar en la parte baja de la lista americana, lo que supone su primera aparición en el Billboard Hot 100 con un single propio desde ‘Can I’, lanzado en 2020. Sin duda ‘After Hours’ resulta un gran acierto como primer single del álbum debido a su naturaleza bailable y desenfadada y supone la apuesta más comercial de Kehlani hasta la fecha. Como segundo single se ha lanzado Next 2 U, un hipnótico tema R&B mid-tempo en cuyas letras Kehlani habla sobre proteger a una persona querida por encima de todo. En el videoclip de ‘Next 2 U’, la cantante californiana muestra su apoyo a Gaza en su conflicto con Israel y luce varias banderas palestinas. El cuarto álbum de estudio de Kehlani Parrish tiene por título Crash y supone un punto de inflexión en su carrera ya que con él pretende mostrar su evolución artística y su gran versatilidad como cantante y compositora. El álbum está encuadrado dentro del R&B/pop al igual que sus anteriores trabajos, pero resulta musicalmente más ecléctico e incorpora elementos Soul, Afrobeats, Country, folk o rock. «Crash» destaca por el hecho de que no incide tanto en los momentos oscuros de su vida, resulta más alegre y positivo que sus anteriores trabajos y destaca por contener un mayor número de temas up-tempo de carácter bailable. «Crash» es uno de los mejores álbumes dentro de la trayectoria de Kehlani ya que muestra a la perfección su versatilidad artística, su gran talento como compositora y sus excelentes habilidades vocales. Puntuación: 7’5/10.

Timeless Meghan Trainor 5. Timeless de Meghan Trainor.

La cantante americana Meghan Trainor se apuntó un importante tanto en 2022 con el single ‘Made You Look’, que destacó por su viralidad en las redes sociales y le devolvió a los primeros puestos de ventas tras unos años en los que no pasaba por su mejor momento de popularidad. ‘Made You Look’ se ha convertido en su tema más popular en las plataformas musicales (acumula más 700 millones de escuchas en Spotify) y a nivel comercial ocupó el top 10 en importantes listas de venta como Australia, Canadá o Reino Unido y el #11 en Estados Unidos. Este single formaba parte del álbum Takin’ It Back, en el que regresaba (con gran acierto) al sonido doo-wop que tantos éxitos le dio en el pasado y es el que mejor se adapta a su voz y su personalidad dulce y naïf. Desde su debut en 2015, Meghan Trainor ha sido la responsable de traer al mainstream el doo-wop y el sonido retro, lo que supuso un soplo de aire fresco en un panorama pop saturado por la música electrónica y el abuso de sintetizadores. Tras ser madre por segunda vez, la cantante de Massachussets lanzó el pasado mes de marzo el single presentación de su nuevo álbum, Been Like This, que se trata de un marchoso tema doo-wop con influencias del sonido swing y big band de los años 20 y que cuenta con la participación del rapero T-Pain, uno de los ídolos de Meghan. ‘Been Like This’ es un himno de auto-aceptación y de confianza en uno mismo en el que Meghan enumera cosas positivas de ella y habla de su estatus en el mundo de la música («soy pop star pero también soy madre»). Pese a su gran potencial, ‘Been Like This’ ha sido incapaz de repetir el éxito de ‘Made You Look’ y apenas ha ocupado el top 40 en Reino Unido y ha tenido un impacto mínimo en las principales listas de venta, sin embargo acumula más de 40 millones de reproducciones en Spotify. El segundo single lanzado fue To the Moon, en el que continúa con su habitual estilo doo-wop pero añade influencias electrónicas y se convierte en una apuesta más moderna y actual por parte de Meghan. En este tema, la rubia cantante habla del amor incondicional que profesa a su marido mientras utiliza metáforas referentes al espacio exterior. El sexto álbum de estudio de Meghan Trainor tiene por título Timeless y está formado por 16 temas encuadrados dentro de su habitual sonido doo-wop con elementos de la música contemporánea como pop, R&B, Disco, synth-pop o Soul. Meghan ha participado en la composición de todas las canciones presentes en álbum (que hablan de empoderamiento, independencia, auto-aceptación, además del amor incondicional que siente por su pareja) y cuentan con la producción de Federico Vindver, Grant Boutin, Jason Evigan o Gian Stone. La primera parte del álbum está formada por temas up-tempo de estilo doo-wop reminiscencia de «Title», mientras que la segunda es más musicalmente más diversa. Meghan Trainor no ha arriesgado demasiado con «Timeless» ni ofrece nada nuevo u original, ya que sigue anclada al estilo doo-wop que tan buenos resultados comerciales le ha dado durante su carrera, pero lo adapta a nuestros días introduciendo algunos sonidos más actuales. A lo largo de su trayectoria profesional, Meghan ha tenido sus aciertos y sus fallos (seguimos encontrando composiciones poco inspiradas en este trabajo), sin embargo no ha publicado ningún álbum malo o de baja calidad y «Timeless» no es una excepción, ya que está formado por un conjunto de temas divertidos y disfrutables acompañados por su dulce y bonita voz. Puntuación: 7’5/10.

4. Eternal Sunshine de Ariana Grande.

La escasa diferencia temporal entre los álbumes «Sweetener», «Thank U, Next» y «Positions» hizo que Ariana Grande tuviera una presencia máxima en radios y listas de venta de todo el mundo y gozara de una tremenda popularidad, pero también llegó a saturar al público con lanzamientos muy seguidos. Además recibió ciertas críticas negativas por no mostrar una evolución musical debido al escaso margen de tiempo entre álbum y álbum. Por ello, tras la promoción de «Positions», la cantante americana decidió tomarse un merecido descanso, que le ha servido para digerir la descomunal fama adquirida durante estos últimos años, superar el trauma que sufrió tras el ataque terrorista en uno de sus conciertos y lidiar con la muerte de un ser querido. Tras un tiempo alejada del panorama musical, la cantante de Florida regresó en enero con el single Yes, And?, que hace un guiño a su famoso tema ‘Thank U, Next’ y en él responde a las numerosas críticas que ha sufrido durante los últimos tiempos por su cambio de apariencia, su gran pérdida de peso y su reciente divorcio, convirtiéndose en un himno de empoderamiento. ‘Yes, And?’ marca una divergencia con respecto al estilo pop/R&B de sus últimos trabajos y se adentra en un sonido Dance/House muy ochentero, reminiscencia de «Renaissance», el último trabajo de Beyoncé, aunque la verdadera inspiración de este tema ha sido el famoso tema ‘Vogue’ de Madonna y la música de baile de los años 80 y 90. ‘Yes, And?’ debutó directamente en el #1 de la lista americana, convirtiéndose en el octavo single ‘chart topper’ de Ariana Grande. El séptimo álbum de estudio de Ariana Grande ha visto la luz tres años y medio después de «Positions», lo que marca el lapso de tiempo más largo entre dos álbumes de toda su carrera. Eternal Sunshine está formado por 13 temas compuestos por la propia Ariana bajo la producción de Max Martin e Ilya, quienes han sido los artífices de algunos de sus mayores éxitos. El álbum está formado principalmente por medios tiempos pop/R&B en la línea de sus últimos trabajos, pero a diferencia de «Positions», resulta un álbum más diverso y encontramos varios temas up-tempo de estilo dance-pop con influencias House y Disco. El reciente divorcio de Ariana con el agente inmobiliario Dalton Gomez y el posterior proceso de curación han inspirado las letras de las canciones presentes en «Eternal Sunshine», el cual muestra el lado más vulnerable, sensible y personal de la cantante y lo convierte en una versión más sofisticada y elevada de sus álbumes anteriores. Coincidiendo con la publicación del álbum llegó el segundo single, We Can’t Be Friends (Wait for Your Love), que se trata de un tema up-tempo de estilo synth-pop que recuerda a su hit ‘Into You’ y en el que Ariana canta sobre la difusa línea que existe entre la amistad y el romance. ‘We Can’t Be Friends’ ha resultado un tremendo éxito (fue nuevamente #1 en Estados Unidos) e incluso ha superado el desempeño comercial del primer single. Como tercer single se lanzó The Boy Is Mine, que se trata de un tema mid-tempo R&B en el que la cantante confiesa que está tratando de resistir el impulso de estar con un hombre casado pero finalmente cede porque está enamorada de él y están destinados a estar juntos. ‘The Boy Is Mine’ se ha lanzado en forma de remix junto a Brandy y Monica, intérpretes del clásico ‘The Boy Is Mine’, tema en el que se inspira el single de Ariana. Sin alejarse demasiado del estilo habitual de Ariana y manteniendo intacta su esencia, «Eternal Sunshine» resulta más variado y ameno de escuchar que «Positions» y destaca por la acertada secuencia de canciones y la inclusión de varios temas up-tempo. Sus puntos fuertes son el componente lírico y la excelente ejecución vocal de la cantante, sin embargo no encontramos canciones especialmente llamativas o que destaquen sobre el resto, con la excepción de los primeros singles. Este álbum no estaba originalmente en los planes de Ariana Grande y surgió de manera natural y espontánea pero en ningún caso es un trabajo precipitado o mal acabado en absoluto, ya que nos encontramos ante un sólido álbum post-divorcio cuyas canciones exploran su lado más vulnerable y sensible. Puntuación: 7’5/10.

This Is Me Now 3. This Is Me… Now de Jennifer Lopez.

En 2002 Jennifer Lopez publicó uno de los álbumes más emblemáticos de su carrera, This Is Me… Then, que supuso su consolidación en el mundo de la música tras el éxito de sus anteriores trabajos y su consagración como artista. Este álbum resultaba más maduro que los anteriores y estaba dedicado a su pareja por entonces, el actor Ben Affleck, por ello sus letras se centraban en el amor y estaba compuesto en su mayoría por medios tiempos pop/R&B con influencias Soul que marcaban una cierta divergencia con sus anteriores lanzamientos. «This Is Me… Then» ha sido precisamente la inspiración para el nuevo trabajo discográfico de Jennifer Lopez, el primero publicado en una década. Su último álbum, «A.K.A.» llegó en 2014, resultó un fracaso comercial y estaba por debajo de los estándares habituales de la diva del Bronx. Durante este amplio lapso de tiempo Jennifer Lopez no ha dejado de lanzar singles con mayor o menor acierto, pero también ha dado numerosos bandazos artísticos sin saber muy bien cómo enfocarse en un panorama musical muy diferente al de sus inicios en el mundo de la música. El noveno álbum de estudio de la cantante neoyorquina tiene por título This Is Me… Now y está formado por 13 temas encuadrados dentro del R&B/pop que siguen la estela musical y el carácter mid-tempo de «This Is Me… Then». Este álbum relata el viaje emocional y espiritual que ha experimentado Jennifer Lopez durante estas últimas dos décadas, como sonados romances, frustradas campanas de boda y el proceso de curación tras las ruptura sentimentales. Las letras de las canciones están inspiradas en su reconexión con Ben Affleck tras años de distanciamiento y su posterior boda. El single presentación del álbum ha sido Can’t Get Enough, un animado tema pop/R&B up-tempo que contiene una pequeña interpolación del tema ‘I’m Still in Love’ de Alton Ellis (popularizado por Sean Paul en el single ‘I’m Still in Love With You) y en el que la cantante expresa la gran atracción y conexión que siente por su pareja y afirma que no tiene suficiente de él. ‘Can’t Get Enough’ es uno de los pocos temas up-tempo que encontramos en el álbum y quizás el tema más comercial, pero ha tenido un impacto mínimo en las listas de venta. El álbum está compuesto principalmente por temas mid-tempo, una decisión coherente teniendo en cuenta que nos encontramos ante una secuela de «This Is Me… Then» (en el que abundaban los medios tiempos con melodías inspiradas en el estilo Soul y con numerosos samplers) pero eso se traduce en que muchos de los temas presentes no son tan accesibles e inmediatos como los que aparecían en álbumes como «J.Lo» o «Love?». Con este álbum Jennifer Lopez ha cerrado un círculo, ya que ha regresado con su antiguo amor y recupera el estilo presente en «This Is Me… Then», el álbum que le dedicó a Ben Affleck hace dos décadas. «This Is Me… Now» debutó en el top 40 de la lista americana (la peor posición de toda su carrera) y sus ventas se han visto lastradas por un bajo nivel de streaming. Dejando a un lado el aspecto comercial, este álbum supone un evidente paso adelante con respecto al poco memorable «A.K.A.» y se pone al nivel de «This Is Me… Then», pero falla en los mismos puntos que éste último, como la naturaleza demasiado almibarada de las letras, su carácter mid-tempo y la ausencia de hits de la talla de ‘Jenny from the Block’. Definitivamente Jennifer Lopez no ha arriesgado demasiado y ha apostado por lo seguro con sonidos R&B de la década del 2000, pero esto no tendría porqué ser un problema ya que durante dicha época firmó sus mejores álbumes. «This Is Me… Now» es un trabajo más que digno y supone uno de los regresos más importantes del año, por ello ocupa la medalla de bronce en este repaso. Puntuación: 7’5/10.

2. Radical Optimism de Dua Lipa.

Future Nostalgia se convirtió en uno de los álbumes más escuchados de los años 2020 y 2021 y los singles lanzados, entre los que destacaban ‘Don’t Start Now’, ‘Break My Heart’ o ‘Levitating’, alcanzaron los primeros puestos de las listas de venta de todos el mundo y acumulan millones de reproducciones en las plataformas de streaming. La progresión de Dua Lipa en el mundo de la música ha sido imparable y tras unos tímidos comienzos con su álbum debut, la cantante tocó el techo de su carrera con «Future Nostalgia». A finales del año pasado llegó el single presentación del álbum, Houdini, que sin alejarse del estilo bailable de su último álbum y con la mirada puesta nuevamente en el pasado, marca una divergencia con el sonido presente en «Future Nostalgia» y profundiza en la música psicodélica de los años 60 y 70. Este tema utiliza la figura del famoso mago de origen húngaro como metáfora para hacerle saber a su amante que si no le trata como ella merece no estará por mucho tiempo y desaparecerá. ‘Houdini’ ha sido incapaz de repetir el tremendo éxito de los últimos temas de la cantante, pero ha tenido un desempeño comercial más que digno y supera los 500 millones de reproducciones en Spotify, lo cual se puede considerar un gran dato. Sin duda, ‘Houdini’ resultó una apuesta muy acertada y solvente como primer single debido a su inmediatez, su naturaleza desenfadada y su pegadizo estribillo. Como segundo single se lanzó Training Season, un tema dance-pop y Disco de ritmo galopante en el que la cantante inglesa declara que está cansada de los hombres que intentan ligar con ella pero no expresan sus emociones ni saben cómo ganarse su amor y advierte a sus candidatos a pareja que deben currárselo si quieren tener una relación con ella. Estas letras recuerdan a las de su hit ‘New Rules’, pero en esta ocasión, en vez de dar consejos a las mujeres, la cantante se dirige directamente a los hombres. El tercer single fue Illusion, en el que Dua Lipa explora el tema de la madurez en las relaciones sentimentales y habla de las ‘red flags’ o señales de advertencia que indican que tu pareja podría tener un comportamiento tóxico para tu salud emocional, por lo que confiesa que no se va a dejar engañar por ningún novio nunca más. ‘Illusion’, de estilo dance-pop con influencias House, es una de canciones que más se asemeja al sonido presente en «Future Nostalgia» y guarda similitudes con el single ‘Hallucinate’. El tercer álbum de Dua Lipa tiene por título Radical Optimism y está formado por 11 temas up-tempo de estilo dance-pop y electropop con influencias Disco y House, pero destaca por incorporar ciertos elementos de la música psicodélica de los años 70. Las letras de las canciones tratan las diferentes fases de las relaciones sentimentales (como la superación de rupturas complicadas y la vulnerabilidad que se siente al empezar una nueva relación) pero la cantante londinense ha decidido elegir el optimismo como manera de superar las decepciones amorosas. Dua Lipa ha participado en la composición de todos los temas presentes en el álbum y ha confiado la entera producción a Danny L Harle y Kevin Parker. ‘Houdini’ prometía un cambio de dirección musical de Dua Lipa hacia la psicodelia de los años 70, sin embargo estas influencias se van diluyendo a lo largo de «Radical Optimism» y apenas son perceptibles en muchos de los temas presentes, que no se alejan demasiado del estilo bailable de «Future Nostalgia», aunque tienen un perfil más alternativo y menos comercial que éste último. El punto fuerte del álbum es sin duda la excelente selección de los singles lanzados, que resultan tremendamente efectivos e inmediatos, sin embargo el resto de temas no está al nivel de los singles. «Radical Optimism» es un álbum disfrutable, entretenido y tiene una secuencia de canciones muy acertada, pero en su conjunto no aporta nada nuevo u original al panorama musical. Aún con sus fallos, resulta un álbum sólido que merece ocupar la medalla de plata en este repaso a los mejores álbumes del año. Puntuación: 7’5/10.

Everything I Though I Was 1. Everything I Thought It Was de Justin Timberlake.

Justin Timberlake no está viviendo uno de sus mejores momentos de popularidad: recientemente fue detenido por conducir bajo la influencia del alcohol y tras la publicación de las memorias de Britney Spears su imagen no ha quedado muy bien parada. Sin embargo el 2024 ha sido testigo de la publicación de último trabajo del cantante de Tennessee, que supone una gran adición a su magnífica discografía. Seis años después de «Man of the Woods» ha llegado Everything I Thought It Was, su sexto álbum de estudio, el cual está formado por 18 temas compuestos por el propio Justin Timberlake y producidos por importantes nombres de la industria musical como Cirkut, Louis Bell, Danja, Ryan Tedder, Calvin Harris o su habitual colaborador Timbaland. El álbum está formado por un compendio de medios tiempos pop/R&B y temas up-tempo Disco/funk de corte retro. A diferencia de sus últimos trabajos, «Everything I Thought It Was» no se trata de un álbum conceptual ni sigue una temática en particular pero contiene la esencia de todos sus trabajos discográficos anteriores y habla del amor, el sexo, las relaciones sentimentales y pasarlo bien. El single presentación del álbum fue Selfish, un tema mid-tempo pop/R&B en el que Justin ofrece su lado más vulnerable y expresa la inseguridad que siente a ser reemplazado por otra persona, de ahí que se muestre celoso y egoísta en su relación. ‘Selfish’ ha supuesto un gran single de regreso por parte de Justin, sin embargo ha tenido un rendimiento comercial moderado y apenas ha ocupado el top 20 en Estados Unidos y el top 40 en importantes mercados como Canadá o Reino Unido. Unas semanas antes de la publicación del álbum se lanzó como sencillo promocional Drown, que se trata de un medio tiempo pop/R&B producido nuevamente por Louis Bell y Cirkut en el que Justin describe una relación obsesiva y tóxica en la que es traicionado por su pareja y se siente invadido por un sentimiento de desesperanza y decepción. ‘Drown’ es una de las canciones más destacadas del álbum gracias a sus profundas letras, la versatilidad vocal de Justin y su elegante producción. El segundo single fue No Angels, que se trata de un marchoso tema up-tempo de sonido Disco/funk producido por Calvin Harris que sigue la fórmula de su hit ‘Can’t Stop the Feeling’ y en el que Justin juega el papel de casanova mientras hace uso de su conocido falsete. «Everything I Thought It Was» debutó en el #4 de la lista americana, el sexto álbum top 5 consecutivo de Justin en Estados Unidos, sin embargo ha tenido unas ventas más notoriamente bajas que sus anteriores trabajos. Este álbum supone un evidente paso adelante con respecto a «Man of the Woods» ya que está formado por un sólido conjunto de canciones que capturan a la perfección la esencia de Justin Timberlake y contienen elementos de sus mejores trabajos. Pese a ser un álbum muy extenso y contar con varias canciones de larga duración que tanto le gustan a Justin, no encontramos apenas temas de relleno y resulta muy ameno y agradable de escuchar por su acertada secuencia de canciones, que va alternando medios tiempos y temas up-tempo. Aunque ha recibido opiniones muy diversas por parte de los críticos, según el blog Mister Music es el mejor de los álbumes publicados hasta la mitad del año. Puntuación: 8/10.

Crítica de «C,XOXO» de Camila Cabello

julio 3, 2024septiembre 2, 2025deividtoxic2 comentarios

Camila C,XOXO Durante sus días en Fifth Harmony, Camila Cabello destacó por encima de sus compañeras gracias a su simpatía y su carismática personalidad y tras su salida del famoso grupo femenino ha logrado labrarse una sólida carrera en solitario sin ser una vocalista y compositora especialmente prodigiosa. Camila ha demostrado una gran versatilidad como artista a lo largo de su trayectoria y ha probado con diferentes estilos musicales como Latin-pop, synth-pop, pop/rock o R&B. El pasado mes de marzo llegó el single presentación de su nuevo álbum, I Luv It, el cual marca una divergencia con respecto al estilo habitual de la cantante cubano-americana y se adentra en el sonido hyperpop. Este tema cuenta con la participación del rapero Playboi Carti, está producido por El Guincho y cuenta con una interpolación del tema ‘Lemonade’ de Gucci Mane en el estribillo. ‘I Luv It’, en cuyas letras Camila declara que se encuentra inmersa en una espiral de amor y sexo, ha recibido comparaciones con el estilo de la cantante inglesa Charli XCX, una de las abanderadas del sonido hyperpop. Sin duda ‘I Luv It’ pone de manifiesto la capacidad de re-invención de la cantante de Miami con cada proyecto y su versatilidad como artista, sin embargo su cambio de dirección musical al hyperpop no acaba de convencer ya que no encaja el estilo y personalidad de la cantante. ‘I Luv It’ ha recibido opiniones principalmente negativas por parte de los expertos musicales (se ha criticado su repetitivo estribillo y muchos lo han denominado como un ‘experimento fallido’) y ha tenido un desempeño comercial mediocre, lo que no auguraba un buen inicio de era. El segundo single lanzado fue He Knows, que se trata de un enérgico tema dance-pop con influencias House, Hip Hop y Amapiano que cuenta con la colaboración del polémico rapero Lil Nas X y samplea el tema ‘Give It Up 2 Me’ de la cantante Ojerime.

El cuarto álbum de estudio de Camila Cabello, titulado C,XOXO, está encuadrado dentro del pop experimental y cuenta con 14 temas que exploran el hyperpop, electropop, dance-pop, R&B o Hip Hop, marcando una gran divergencia con respecto al estilo Latin-pop de su último trabajo, «Familia». El álbum está producido principalmente por Jasper Harris y El Guincho (artífice de los éxitos de Rosalía) y cuenta con un gran número de artistas invitados, todos dentro del mundo del rap, como Drake, Playboi Carti, Lil Nas X o JT y Yung Miami (pertenecientes al recién separado dúo City Girls). La artista de ascendencia cubana y mexicana ha participado en la composición de todos los temas del álbum, con la excepción del interludio ‘Uuugly’, interpretado y escrito en su totalidad por Drake. Las canciones presentes en «C,XOXO» se sumergen en una atmósfera veraniega, cálida y sucia de la ciudad de Miami y hablan de amor, rebeldía, descubrimiento personal, empoderamiento o rupturas sentimentales.

Camila Cabello queda eclipsada por los artistas invitados en dos de las mejores canciones del álbum: en el marchoso ‘Hot Uptown’ tanto ella como Drake hablan de deseo, amor y reconciliación mientras hacen referencias al lujo o el materialismo y en ‘Dade County Dreaming’, en el que participan City Girls (quienes le roban todo el protagonismo a Camila), hacen un homenaje a la ciudad de Miami, de donde son originarias las tres artistas. Merece la pena reseñar ‘Dream-Girls’, un híbrido de reggeaton y electropop, ‘Chanel nº5’, que destaca por su sonido de piano desafinado y la voz de Camila distorsionada o ‘Pretty When I Cry’, un marchoso tema que habla de una ruptura sentimental. También hay espacio para las baladas minimalistas y acústicas que tanto le gustan a Camila, como ‘Twentysomethings’, que hace referencia a la etapa vital que está viviendo, muestra su lado más vulnerable y habla de la turbulenta relación con su ex-pareja Shawn Mendes.

Con «C,XOXO», Camila Cabello ha querido alejarse de la imagen de ‘pop star’ convencional adoptando un look rebelde e inconformista (con el que se acerca al estilo de cantantes de corte alternativo como Charli XCX) pero este cambio no resulta genuino sino más bien forzado. Hasta la fecha, la cantante americana había ofrecido trabajos más que dignos pero irregulares, como su debut o «Romance», pero «C,XOXO» supone un evidente retroceso con respecto a sus predecesores. En definitiva, el cambio de dirección musical de Camila hacia el pop experimental no acaba de convencer ya que no encaja con su personalidad e imagen, además su presencia se diluye entre tantos artistas invitados y hay demasiados interludios que no aportan nada al álbum. Es de alabar la capacidad de re-invención de Camila y su intento por ampliar sus registros, sin embargo en esta ocasión no ha acertado. Temas imprescindibles: Dade County Dreaming, I Luv It, Hot Uptown, He Knows y Pretty When I Cry. Puntuación: 6/10.

Crítica de «Megan» de Megan Thee Stallion

junio 30, 2024abril 17, 2025deividtoxic4 comentarios

Megan Thee Stallion album Durante los últimos años, Megan Thee Stallion se ha convertido en una de las figuras más destacadas del Hip Hop femenino y ha tenido una gran presencia en las radios y listas de venta estadounidenses gracias a sus singles y las colaboraciones con otros artistas. El último álbum de la rapera texana, Traumazine, vio la luz en 2022 y recibió buenas críticas por parte de los expertos musicales por sus grandes habilidades para rimar y el componente lírico de sus canciones, en las que trataba temas como el empoderamiento o la superación de los difíciles momentos del pasado. «Traumazine» alcanzó el top 5 en la lista americana de álbumes y contó con populares singles como ‘Sweetest Pie’ junto a Dua Lipa, ‘Plan B’ o ‘Her’. En noviembre del año pasado llegó el single presentación de su nuevo álbum, Cobra, que marcaba una divergencia con respecto al habitual estilo Hip Hop de Megan y exploraba el sonido Rap rock. Las letras de ‘Cobra’ resultan muy honestas y muestran la vulnerabilidad de la rapera al narrar los difíciles momentos que ha vivido durante los últimos años, como la muerte de su madre y su abuela en apenas un mes, su ruptura con Pardison Fontaine o el disparo que sufrió en el pie por parte del cantante Tory Lanez. Según Megan Thee Stallion, las cobras son un ejemplo de auto-suficiencia y coraje, ya que se enfrentan a sus rivales poniéndose de pie y se muestran feroces ante las amenazas. Este single fue aclamado por la crítica por sus vulnerables y honestas letras, el cambio de dirección musical y el ágil flow de Megan. ‘Cobra’ tuvo un rendimiento moderado en la lista americana y alcanzó el top 40.

El segundo single lanzado fue Hiss, un tema Hip Hop carente de estribillo en el que Megan se enfrenta a sus haters y dispara dardos envenenados a todos los artistas que han hablado negativamente de ella. Una de las mayores damnificadas de las agresivas barras de Megan es Nicki Minaj, con quien colaboró hace años en el hit single ‘Hot Girl Summer’, pero con la que mantiene últimamente un encendido ‘beef’. En las letras de ‘Hiss’, Megan hace referencia a una ley federal americana (casualmente llamada ‘Ley de Megan’) por la que las personas con antecedentes penales deben notificar los cambios de domicilio, una clara alusión al marido de Nicki Minaj, culpable de una violación años atrás. Como todos podíamos imaginar, Nicki no se quedó callada y respondió a Megan con otro ‘diss track’ titulado ‘Big Foot’, en el que no podía caer más bajo al mencionar a su madre muerta, además de burlarse del disparo que sufrió y reírse del tamaño de los pies de Megan. En el terreno comercial ‘Hiss’ resultó un notable éxito: debutó en el #1 de la lista americana (convirtiéndose en su tercer single ‘chart topper’ tras ‘Savage’ y su colaboración con Cardi B en ‘WAP’), ocupó el top 40 en Reino Unido y acumula más de 80 millones de escuchas en Spotify. Siguiendo la temática de las serpientes, como tercer single se lanzó Boa, un tema Hip Hop y Trap que samplea el conocido tema ‘What You Waiting For?’ de Gwen Stefani y resulta toda una declaración de intereses por parte de Megan, ya que habla de su estatus en el mundo de la música (se refiere a sí misma como la reina del Hip Hop) y nuevamente se enfrenta a sus rivales, principalmente a Nicki Minaj, a la que acusa de hacer música para TikTok. Con ‘Boa’, la rapera de Houston anotó otro top 40 en la lista americana.

Megan album Todos estos singles forman parte del tercer álbum de estudio de la rapera texana, titulado Megan y que supone su primer trabajo publicado de manera independiente bajo su propio sello, Hot Girl, tras abandonar su anterior discográfica, a la que llevó a juicio por negarse a liberarle de sus compromisos contractuales. «Megan» supone un renacimiento para la artista y utiliza la temática de las serpientes para dar muestra no solo de su ferocidad y fuerza frente a las adversidades, sino para demostrar que con este trabajo ‘ha mudado de piel’ y muestra su verdadera personalidad. Megan Thee Stallion ha participado en la composición de los 18 temas presentes en el álbum bajo la producción de Bankroll Got It, Go Grizzly, Juicy J, Tay Keith o su habitual colaborador LilJuMadeDaBeat. Dentro del álbum merece la pena reseñar ‘Rattle’, en el que critica a los haters que han difundido rumores falsos sobre ella y se dirige a una persona que creyó que era su amiga y le traicionó (probablemente Nicki Minaj), ‘Broke His Heart’, en el que Megan nos describe el tipo de hombres que busca a la vez que expone sus cualidades como amante o ‘Down Stairs DJ’, de temática muy sexual y en el que habla de darse placer a sí misma. Dentro del álbum encontramos dos canciones que se inspiran en la cultura japonesa: ‘Otaku Hot Girl’, que hace referencia a su adoración por la cultura del anime y Mamushi (un tipo de serpiente que existe en Japón), que habla de la fama y prosperidad que Megan está consiguiendo y cuenta con la colaboración del rapero japonés Yuki Shiba. Una de las canciones más destacadas es ‘Accent’, en la que declara que su trasero es tan fuerte y duro como su acento sureño (se ha comentado en numerosas ocasiones la dificultad para entenderle debido a su marcado acento texano) y cuenta con la participación de la prometedora rapera GloRilla, con la que Megan colaboró recientemente en el hit single ‘Wanna Be’. Aunque la mayor parte de los temas del álbum están encuadrados dentro del Hip Hop en sentido estricto, encontramos canciones más accesibles a todos los públicos como ‘Worthy’, cuyas letras sirven como mantra sobre el auto-empoderamiento y el valor de uno mismo y destaca por su estribillo pop y su ritmo up-tempo o ‘Spin’, un medio tiempo con influencia R&B en el que colabora la cantante Victoria Monét.

Desde sus orígenes, el mundo del Hip Hop (principalmente su lado masculino) se ha visto plagado por numerosas rivalidades debido al excesivo ego de algunos raperos, sin embargo durante los últimos meses hemos presenciado sonados ‘beefs’ entre las representantes femeninas, que tradicionalmente mostraban un mayor respeto y compañerismo. En este aspecto, Nicki Minaj se lleva la palma, ya que no solo se ha enzarzado recientemente con Megan Thee Stallion, sino que tuvo un altercado físico con Cardi B en la gala MET de hace unos años y ha tenido desencuentros con Lil’ Kim, Remy Ma o Latto. Con la excepción de su ‘beef’ con Nicki Minaj, Megan Thee Stallion se ha caracterizado por mantenerse lejos de las rivalidades y mantiene buenas relaciones con sus colegas femeninas, como Cardi B, Latto, GloRilla o City Girls, con las que ha colaborado a lo largo de su carrera.

En resumen, «Megan» mantiene el buen nivel de los anteriores trabajos de Megan Thee Stallion, explora nuevos géneros sin perder su esencia y sigue poniendo de manifiesto sus grandes habilidades como rapera y liricista, lo que le sitúa en una posición dominante dentro del Hip Hop femenino. Pese al innegable talento para rimar de la artista texana, las letras de las canciones presentes en «Megan» no evolucionan demasiado con respecto a las de sus anteriores trabajos, ya que siguen haciendo referencia a su atractivo físico, su riqueza y sus logros conseguidos en el mundo de la música, aunque también hay espacio para temas con letras más profundas y vulnerables en las que habla de las situaciones traumáticas que ha vivido durante los últimos años. Con sus aciertos y sus defectos (básicamente la falta de evolución en la composición y su larga extensión) «Megan» es uno de los álbumes de Hip Hop más destacados del año. Temas imprescindibles: Hiss, Broke His Heart, Cobra, Otaku Hot Girl, Accent, Boa, Mamushi y Worthy. Puntuación: 7’5/10.

Crítica de «Crash» de Kehlani

junio 23, 2024agosto 7, 2025deividtoxic2 comentarios

Crash Kehlani Durante los últimos años Kehlani se ha convertido en una de las figuras más destacadas dentro del género R&B junto a otras prometedoras cantantes como SZA, Tinashe o Summer Walker, quienes demuestran que este género no está acabado en absoluto y sigue teniendo viabilidad comercial en el mercado americano. En 2022 llegó el último álbum de estudio de la cantante californiana, Blue Water Road, en el cual alcanzaba su madurez artística gracias a un sólido conjunto de canciones cuyas letras giraban en torno a temas como el amor, la sexualidad, la espiritualidad o la claridad emocional. El tercer álbum de Kehlani resultaba más ligero de contenido con respecto a It Was Good Until It Wasn’t, el cual fue publicado en plena pandemia del coronavirus y hablaba de sus turbulentas relaciones sentimentales, el lado oscuro de la fama o las complicaciones que supone la maternidad. «Blue Water Road» ocupó el #13 en la lista americana, lo que suponía una posición más baja que la de sus anteriores trabajos (que fueron top 5 en Estados Unidos) y no contó con ningún hit single. El pasado mes de abril llegó el single presentación de su nuevo álbum, After Hours, que se trata de un marchoso tema R&B up-tempo muy influenciado por el sonido Afrobeats y Dancehall en el que la cantante le pide al ligue que ha conocido en la discoteca que se quede con ella para pasar más rato juntos. Este tema, que samplea el hit dosmilero ‘Move Ya Body’ de Nina Sky, ha tenido un mayor impacto comercial que los últimos singles de Kehlani y logrado entrar en la parte baja de la lista americana, lo que supone su primera aparición en el Billboard Hot 100 con un single propio desde ‘Can I’, lanzado en 2020. Sin duda ‘After Hours’ resulta un gran acierto como primer single del álbum debido a su naturaleza bailable y desenfadada y supone la apuesta más comercial de Kehlani hasta la fecha.

Como segundo single se ha lanzado Next 2 U, un hipnótico tema R&B mid-tempo en cuyas letras Kehlani habla sobre proteger a una persona querida por encima de todo. En el videoclip de ‘Next 2 U’, la cantante californiana muestra su apoyo a Gaza en su conflicto con Israel y luce varias banderas palestinas. El cuarto álbum de estudio de Kehlani Parrish tiene por título Crash y supone un punto de inflexión en su carrera ya que con él pretende mostrar su evolución artística y su gran versatilidad como cantante y compositora. El álbum está formado por 12 temas en los que explora géneros tan diversos como R&B, Soul, Afrobeats, Country, folk o rock y destaca por el hecho de que no incide tanto en los momentos oscuros de su vida, resulta más alegre y positivo que sus anteriores trabajos y destaca por contener un mayor número de temas up-tempo de carácter bailable. «Crash» es un álbum musicalmente muy ecléctico y podemos apreciarlo en temas como ‘Better Not’, una balada Country/folk que describe una relación que está haciendo aguas debido a las infidelidades de su amante y Kehlani le advierte que será mejor que no vuelva a engañarle o ‘Crash’, que se trata de una potente balada Country-rock con uso prominente de guitarra eléctrica que habla del amor incondicional.

Dentro del álbum destacan temas como ‘Groove Theory’, encuadrado dentro del sonido Neo-Soul que tanto le influenció durante su juventud, ‘Deep’, en el que habla de su dura infancia y los difíciles comienzos en el mundo de la música, ‘Tears’, uno de los momentos más bailables del álbum o ‘What I Want’, un medio tiempo R&B que contiene una interpolación del estribillo de ‘What a Girl Wants’ de Christina Aguilera y es el tema que permanece más fiel al habitual estilo de Kehlani. Este álbum resulta más ameno y divertido que los anteriores trabajos de la cantante nacida en Oakland debido a su variedad de estilos, el mayor número de temas up-tempo y la ausencia de temas de relleno. «Crash» es uno de los mejores álbumes dentro de la trayectoria de Kehlani ya que muestra a la perfección su versatilidad artística, su gran talento como compositora y sus excelentes habilidades vocales. «Crash» es uno de los álbumes más destacados del año hasta la fecha y sin duda ocupará un puesto importante en el repaso a los mejores álbumes publicados en la primera mitad del 2024 que el blog Mister Music realizará próximamente. Temas imprescindibles: After Hours, Next 2 U, Crash, Deep y Better Not. Puntuación: 7’5/10.

Crítica de «Dopamine» de Normani

junio 18, 2024marzo 30, 2025deividtoxicDeja un comentario

Dopamine album En 2018, el grupo femenino Fifth Harmony, tocado de muerte tras la salida de Camila Cabello, anunció su separación temporal después de tres álbumes de estudio publicados y un puñado de singles conocidos como ‘Worth It’ o ‘Work from Home’. Desde aquel momento las componentes del grupo empezaron a hacer sus pinitos en solitario con mayor o menor fortuna. La presencia de Normani fue requerida por varios artistas, como Khalid en ‘Love Lies’ o Sam Smith en ‘Dancing with a Stranger’, los cuales tuvieron una gran acogida comercial en todo el mundo y alcanzaron el top 10 en la lista americana, convirtiendo a Normani en la integrante de Fifth Harmony con la carrera en solitario más prometedora. Tras estas exitosas colaboraciones, Normani lanzó en 2019 su primer single como solista, Motivation, que se trataba de un marchoso tema pop/R&B con uso prominente de saxofón compuesto por Ariana Grande, Max Martin e Ilya y concebido durante las sesiones de grabación del álbum «Thank U, Next» de Ariana. ‘Motivation’ tuvo un desempeño comercial moderado y ocupó el top 40 en los principales mercados, sin embargo acumula actualmente más de 350 millones de reproducciones en Spotify. Este pegadizo tema nos transportaba al sonido urban-pop y R&B que dominaba a principios de la década del 2000 y recordaba al estilo de Destiny’s Child o la Beyoncé de sus primeros años, lo que resultaba una gran carta de presentación en solitario para la joven cantante, sin embargo pasó el tiempo y su esperado álbum debut no vio la luz, por lo que el gran ‘hype’ que existía alrededor de la artista se fue desvaneciendo. Más tarde supimos que Normani atravesó unos duros momentos personales debido a la enfermedad tanto de su padre como de su madre (ambos diagnosticados con cáncer), lo que le obligó a aparcar su carrera musical para cuidarles y estar a su lado.

En 2021 Normani lanzó un nuevo single, Wild Side, que se trataba de un tema R&B y Hip Hop que contaba con Cardi B como artista invitada y contenía una interpolación del clásico ‘One In a Million’ de Aaliyah. Este single mostraba un lado más sexy y provocativo por parte de la cantante y recibió buenas opiniones de la crítica por su evolución musical y su mayor madurez. ‘Wild Side’ tuvo un desempeño comercial positivo y alcanzó el top 15 en la lista americana, sin embargo pasó el tiempo y no hubo rastro del nuevo álbum. El pasado mes de abril llegó el verdadero single presentación del álbum, 1:59, que se trata de un medio tiempo R&B/Trap que cuenta con la colaboración del rapero Gunna y en cuyas letras Normani habla sobre reconectar con un amante del pasado con el no puede resistir la atracción cada vez que están juntos. Un mes después de lanzó Candy Paint, un tema R&B up-tempo con prominente uso de percusión en el que la cantante habla sobre seducir a la pareja de su rival. Tanto ‘1:59’ como ‘Candy Paint’ han tenido un impacto mínimo en las listas de venta y no han pisado el Hot 100 de Billboard.

El álbum debut de Normani tiene por título Dopamine y está formado por 13 temas, principalmente de carácter mid-tempo, encuadrados dentro de un R&B de moderna producción con influencias pop, Trap y Hip Hop. Normani Kordei Hamilton ha participado en la composición de todos los temas presentes y ha contado con la producción de Tommy Brown, conocido por su trabajo para Ariana Grande y Victoria Monét. Durante sus días en Fifth Harmony, la cantante nacida en Atlanta citó a Mariah Carey, Beyoncé, Aaliyah, Toni Braxton o Destiny’s Child como las mayores influencias musicales en su desarrollo como artista, sin embargo durante la creación de «Dopamine» ha declarado tener a Brandy y Janet Jackson como máximos referentes. En ‘Lights On’, encuadrado dentro del R&B alternativo, Normani canaliza su Janet interior e ‘Insomnia’, compuesta junto a Victoria Monét y que destaca por su uso de guitarra eléctrica, se inspira en el tema ‘A Capella (Something’s Missing)’ de Brandy, quien también hace los coros. Dentro de un álbum repleto de medios tiempos, sin duda destaca ‘Take My Time’, un pegadizo tema Disco/House en el que Normani exige más compromiso a su amante y supone uno de los pocos momentos bailables de «Dopamine». También merece la pena reseñar ‘Big Boy’, que hace referencia a sus raíces sureñas y habla de la industria musical y la presión por obtener discos de platino o ‘Little Secrets’, un tema pop/R&B de carácter experimental en el que la cantante intenta competir con la nueva novia de su ex y demostrar que vale más que ella.

Desde sus prometedores inicios en solitario, los expertos musicales y medios de comunicación vieron en Normani la sucesora natural de Beyoncé debido a su gran potencial y sus numerosas similitudes (ambas proceden de un grupo femenino, destacaron por encima de sus compañeras y son talentosas cantantes y bailarinas) sin embargo la carrera de Normani no ha acabado de despegar y se ha quedado a medio gas debido al mal ‘timing’ de sus lanzamientos, sus largos periodos de silencio y en general las decisiones poco acertadas tomadas por parte de su discográfica. «Dopamine» se ha visto lastrado por la ausencia de un hit single que respalde su lanzamiento, la escasa promoción (no ha habido presentaciones en vivo o videoclips) y en general la falta de información previa a su lanzamiento, lo que ha disminuido notoriamente el hype acerca del proyecto. En resumen, «Dopamine» no aporta nada nuevo al panorama R&B actual ya que navega en un mar de anodinos medios tiempos R&B que no se distancian demasiado de los últimos trabajos de Tinashe, Chlöe Bailey, Victoria Monét o SZA. El talento de Normani es indiscutible pero no ha sabido plasmar en el álbum lo que el público espera de ella, que son marchosos temas del estilo de ‘Motivation’ con los que demuestra su valía como artista y show woman. Pese a sus evidentes fallos, «Dopamine» no es un álbum de baja calidad en absoluto ya que cuenta con una cuidada producción y una gran versatilidad vocal por parte de Normani. Temas imprescindibles: Candy Paint, Take My Time, Insomnia y Little Secrets. Puntuación: 7/10.

Crítica de «Timeless» de Meghan Trainor

junio 8, 2024abril 14, 2025deividtoxic4 comentarios

Timeless Meghan Trainor La cantante americana Meghan Trainor se apuntó un importante tanto en 2022 con el single ‘Made You Look’, que destacó por su viralidad en las redes sociales y le devolvió a los primeros puestos de ventas tras unos años en los que no pasaba por su mejor momento de popularidad. ‘Made You Look’ se ha convertido en su tema más popular en las plataformas musicales (acumula más 700 millones de escuchas en Spotify) y a nivel comercial ocupó el top 10 en importantes listas de venta como Australia, Canadá o Reino Unido y el #11 en Estados Unidos. Este single formaba parte del álbum Takin’ It Back, en el que regresaba (con gran acierto) al sonido doo-wop que tantos éxitos le dio en el pasado y es el que mejor se adapta a su voz y su personalidad dulce y naïf. Desde su debut en 2015, Meghan Trainor ha sido la responsable de traer al mainstream el doo-wop y el sonido retro, lo que supuso un soplo de aire fresco en un panorama pop saturado por la música electrónica y el abuso de sintetizadores. Tras ser madre por segunda vez, la cantante de Massachussets lanzó el pasado mes de marzo el single presentación de su nuevo álbum, Been Like This, que se trata de un marchoso tema doo-wop con influencias del sonido swing y jazz de los años 20 y que cuenta con la participación del rapero T-Pain, uno de los ídolos de Meghan. ‘Been Like This’ es un himno de auto-aceptación y de confianza en uno mismo en el que Meghan enumera cosas positivas de ella (presume de su simpatía, su cuerpo rotundo y su culazo) y habla de su estatus en el mundo de la música («soy pop star pero también soy madre»). Pese a su gran potencial, ‘Been Like This’ ha sido incapaz de repetir el éxito de ‘Made You Look’ y apenas ha ocupado el top 40 en Reino Unido y ha tenido un impacto mínimo en las principales listas de venta, sin embargo acumula más de 40 millones de reproducciones en Spotify.

El pasado mes de mayo llegó el segundo single, To the Moon, en el que continúa con su habitual estilo doo-wop pero añade influencias electrónicas y se convierte en una apuesta más moderna y actual por parte de Meghan. En este tema, producido por Federico Vindver, la rubia cantante habla del amor incondicional que profesa a su marido mientras utiliza metáforas referentes al espacio exterior (temática también utilizada en el videoclip del tema). Sin duda ‘To the Moon’ es una gran apuesta como single, sin embargo ha tenido un impacto mínimo en las listas de venta y ha conseguido unas bajas cifras de streaming. Unas semanas antes de la publicación del álbum fue lanzado el sencillo promocional I Wanna Thank Me, encuadrado dentro del sonido doo-wop y que incluye unas palabras de agradecimiento a sí misma que la actriz Niecy Nash dio en su discurso de aceptación de los premios Emmy. ‘I Wanna Thank Me’ resulta un himno de empoderamiento y auto-aceptación (temática recurrente en la discografía de Meghan) y en sus letras confiesa lo orgullosa que se siente de su cuerpo y se agradece a sí misma por todo lo que ha conseguido.

El sexto álbum de estudio de Meghan Trainor tiene por título Timeless y está formado por 16 temas encuadrados dentro de su habitual sonido doo-wop con elementos de la música contemporánea como pop, R&B, Disco, synth-pop o Soul. Meghan ha participado en la composición de todas las canciones presentes en álbum (que hablan de empoderamiento, independencia, auto-aceptación, además del amor incondicional que siente por su pareja) y cuentan con la producción de Federico Vindver, Grant Boutin, Jason Evigan o Gian Stone. Como dato curioso, todos los álbumes de la cantante americana empiezan por la letra T: su debut era «Title», le siguieron «Thank You», «Treat Myself» y su último trabajo se titulaba «Takin’ It Back». La primera parte del álbum está formada por temas up-tempo de estilo doo-wop reminiscencia de «Title», como ‘Whoops’, en el que habla de los errores que cometió su infiel ex-pareja y cómo ahora quiere volver con ella o ‘Crowded Room’, que recuerda lo sola que se sentía y cómo cupido hizo que encontrara el amor. La segunda parte de «Timeless» es musicalmente más diversa e incluye temas variados como ‘Love on Hold’, un marchoso tema pop/R&B que cuenta de nuevo con T-Pain como artista invitado, ‘Bestie’, un bailable tema Disco y dance-pop en el que declara que ella misma es su mejor amiga, ‘Rollin’, que recupera el sonido urbano de su segundo álbum y habla de su experiencia en la industria musical o ‘Timeless’, una balada Soul que recuerda a su hit ‘Like I’m Gonna Lose You’ y en la que la cantante declara que el amor que siente por su pareja es inmortal y durará para siempre.

Definitivamente Meghan Trainor no ha arriesgado demasiado con «Timeless» ni ofrece nada nuevo u original, ya que sigue anclada al estilo doo-wop que tan buenos resultados comerciales le ha dado durante su carrera, pero lo adapta a nuestros días introduciendo algunos sonidos más actuales. A lo largo de su trayectoria profesional, Meghan ha tenido sus aciertos y sus fallos (seguimos encontrando composiciones poco inspiradas en este trabajo), sin embargo no ha publicado ningún álbum malo o de baja calidad y «Timeless» no es una excepción, ya que está formado por un conjunto de temas divertidos y disfrutables acompañados por su dulce y bonita voz. Sin duda nos encontramos ante uno de los álbumes más interesantes del año publicados hasta la fecha y que seguro ocupará una buena posición en el listado de los mejores álbumes que realizará el blog Mister Music a finales de junio. Temas imprescindibles: Been Like This, To the Moon, Whoops, Bestie, Crowded Room y I Wanna Thank Me. Puntuación: 7’5/10.

Throwback Review: «Scream If You Wanna Go Faster» de Geri Halliwell

junio 5, 2024junio 5, 2024deividtoxic3 comentarios

Scream If You Wanna Go Faster Tras su corta andadura dentro del icónico grupo femenino Spice Girls, Geri Halliwell hizo su debut en solitario en 1999 con el álbum Schizophonic, el cual vendió más de dos millones de copias en todo el mundo y generó tres singles #1 en la lista británica: ‘Mi Chico Latino’, ‘Lift Me Up’ y ‘Bag It Up’. Gracias a su carismática personalidad y sus pegadizos temas, Geri consiguió un notorio éxito comercial y vivió un gran momento de popularidad durante aquellos años. En 2001 llegó el segundo álbum de estudio de la cantante inglesa, titulado Scream If You Wanna Go Faster, el cual está formado por 12 temas encuadrados dentro del pop, dance-pop y pop/rock compuestos por la propia Geri junto a Absolute (los artífices de su álbum debut) además de Rick Nowels, Stephen Lipson, Gregg Alexander y Peter-John Vetesse. Mientras que «Schizophonic» era un álbum ecléctico y musicalmente muy variado, el segundo trabajo de Geri resulta más cohesivo y se adentra en el sonido pop/rock aconsejada por su amigo Robbie Williams. «Scream If You Wanna Go Faster» recibió críticas principalmente negativas por parte de los expertos musicales, debutó en el #5 de la lista británica de álbumes y fue certificado oro en Reino Unido por ventas superiores a 100 mil copias, unas cifras notoriamente inferiores a las conseguidas por «Schizophonic». En el resto del mundo el álbum tuvo un impacto moderado y alcanzó el top 10 en Italia, top 20 en España e Irlanda y el top 40 en Canadá. El single presentación del álbum fue la versión del clásico de The Weather Girls It’s Raining Men, originalmente incluido en la banda sonora de la película «El diario de Bridget Jones». Este marchoso tema dance-pop de pegadizas letras resultó un auténtico éxito comercial y se convirtió en el single más vendido y popular de la carrera en solitario de Geri Halliwell. ‘It’s Raining Men’ debutó en el #1 de la lista británica de singles (el cuarto ‘chart topper’ consecutivo de Geri en Reino Unido) y alcanzó posiciones muy altas en las listas de venta de todo el mundo, como el #1 en Francia o el top 5 en Australia, España y Alemania.

El segundo single lanzado fue el tema titular, Scream If You Wanna Go Faster, que se trata de un enérgico tema pop/rock con uso prominente de guitarra eléctrica cuyas letras mandan un mensaje positivo de auto-aceptación y fueron escritas mientras Geri se recuperaba de sus trastornos alimenticios. ‘Scream If You Wanna Go Faster’ recibió buenas opiniones de los expertos musicales por su aproximación al sonido pop/rock y en el terreno comercial debutó en el #8 de la lista británica, convirtiéndose en el sexto single top 10 consecutivo de Geri en Reino Unido. Como tercer y último single se lanzó Calling, una balada pop mid-tempo que habla sobre el amor incondicional y contiene unas letras más profundas y emotivas que las presentes en la mayoría de los temas del álbum. Con ‘Calling’, Geri anotó otro top 10 en la lista británica y alcanzó el top 25 en Francia gracias a su versión en francés, titulada ‘Calling (au nom de l’amour)’. Entre los temas más destacados del álbum se encuentran ‘Don’t Call Me Baby’, un marchoso tema dance-pop en el que la cantante reprocha a su hombre su falta de compromiso o ‘Strength of a Woman’, un tema pop/rock cuyas letras hablan de empoderamiento femenino, continuando el mensaje de ‘girl power’ lanzado por Geri durante sus días en Spice Girls. Definitivamente Geri Halliwell es una cantante muy limitada vocalmente y las letras presentes en el álbum resultan genéricas y superficiales, sin embargo «Scream If You Wanna Go Faster» es un álbum entretenido y disfrutable, compuesto por canciones divertidas y pegadizas con las que pasar un buen rato y evadirte de los problemas del día a día. Temas imprescindibles: It’s Raining Men, Scream If You Wanna Go Faster, Calling, Strength of a Woman y Don’t Call Me Baby. Puntuación: 7/10.

Los mejores álbumes de grupos femeninos

junio 1, 2024julio 24, 2025deividtoxic4 comentarios

El blog Mister Music hace un repaso a los mejores álbumes de grupos femeninos contemporáneos (desde la década de los 90 hasta la actualidad), en el que encontramos trabajos muy influyentes que han inspirado a numerosos artistas posteriores y han pasado a la historia de la música, así como álbumes tremendamente exitosos que han batido récords de ventas en todo el mundo.

Elle'Ments Elle’Ments de No Angels.

Tras el gran impacto que tuvieron Spice Girls en el panorama musical, por todo el mundo aparecieron numerosos grupos femeninos con características muy similares y que seguían su mismo patrón. Un ejemplo fue No Angels, un grupo de 5 jovencitas que se presentaron al concurso musical Popstars en Alemania con el objetivo de crear una banda femenina similar a las chicas picantes. Al final de la competición, las elegidas para formar el primer grupo de Popstars resultaron Nadja, Jessica, Sandy, Lucy y Vanessa, quienes fueron fichadas en el año 2000 por una importante discográfica y empezaron a grabar su primer trabajo. El quinteto alemán publicó en 2001 su álbum debut, Elle’ments, el cual está formado principalmente por temas up-tempo de estilo pop y dance-pop con influencias R&B, Latin-pop y pop/rock. Este álbum recibió comparaciones con el estilo presente en los primeros álbumes de Spice Girls, Britney Spears o Destiny’s Child. «Elle’ments» fue #1 en los países germano-hablantes, destacando el éxito sin precedentes que obtuvo el álbum en el país natal de grupo, donde acabó vendiendo más de un millón de copias. El single debut de No Angels fue Daylight In Your Eyes, un marchoso tema dance-pop que lideró las listas de ventas de Alemania, Suiza o Austria y acabó convirtiéndose en uno de los mayores éxitos del año 2001 en el viejo continente. ‘Daylight In Your Eyes’ fue certificado platino por ventas cercanas al millón de copias en Alemania, terminó como el single más exitoso del año 2001 en dicho país y el quinto de toda la década del 2000, lo cual denota el enorme impacto comercial de este single, arropado sin duda por la gran popularidad que tuvo Popstars en Alemania. Como segundo single se lanzó Rivers of Joy, otro enérgico tema dance-pop con influencia de la música Gospel y melodía de piano que resultaba un auténtico himno sobre el auto-empoderamiento. Aunque no pudo repetir el gran impacto del primer single, ‘Rivers of Joy’ también obtuvo un buen rendimiento en las listas de venta de Centro Europa y ocupó el #7 en Alemania. Cuando ya eran unas auténticas estrellas en su país, lanzaron como tercer single There Must Be an Angel, que se trataba de una versión del clásico tema del grupo Eurythmics. Este tema de pegadizo estribillo resultó otro éxito para No Angels: alcanzó el #1 en la lista de ventas alemana y fue galardonado como mejor canción del año procedente de Alemania en los importantes premios británicos Top of the Pops. Como broche de oro a un año triunfal, el quinteto femenino lanzó When The Angels Sing, que se trataba de un medio tiempo pop con influencia R&B que suponía un contrapunto más tranquilo y emotivo a los anteriores singles de carácter up-tempo y bailable. Pese a que la carrera musical de No Angels fue relativamente corta (como la mayoría de ‘girl bands’ nacidas en concursos de talentos) y sufrió la baja de alguna de sus componentes a lo largo de su trayectoria, se convirtieron en uno de los grupos alemanes más exitosos y con mayores ventas surgidos en la década del 2000. Además No Angels ostentan el título de grupo femenino más importante de todos los tiempos en Alemania y una de las ‘girl bands’ con mayor impacto en Europa continental durante dicha década. «Elle’ments» permanece como el álbum más exitoso de No Angels y resume a la perfección el espíritu pop de aquellos años, cuando el fenómeno fan vivía sus mejores tiempos. Puntuación: 7’5/10.

Danity Kane album Danity Kane de Danity Kane.

Danity Kane es un quinteto surgido de la tercera temporada del reality de MTV ‘Making the Band’, en el que se crearon anteriormente grupos como O-Town. El rapero y productor musical Diddy fue el encargado de decidir qué componentes formaban parte del grupo final y en dicha temporada el objetivo era crear una banda de chicas que recuperara el espíritu de Destiny’s Child o Spice Girls. Diddy fichó a Danity Kane en su discográfica Bad Boy Records y actuó como productor ejecutivo del primer álbum de estudio de las chicas, para quienes tenía elaborado un ambicioso proyecto. El grupo estaba formado por componentes con voces muy diferentes pero que encajaban a la perfección: Shannon y Aubrey aportaban el toque pop, mientras que D.Woods y Dawn poseían poderosas voces negras y Aundrea era la componente con rango vocal más alto y destacaba por su uso del melisma. Varios de los mejores productores musicales como Timbaland, Danja, Mario Winans, Bryan-Michael Cox, Jim Jonsin, Scott Storch o Darkchild participaron en el disco debut del grupo, titulado de manera homónima. Tras varios meses en el estudio de grabación, en agosto del 2006 vio la luz el álbum Danity Kane, que estaba formado principalmente por temas up-tempo de estilo R&B/pop con influencia de la música Hip Hop ya que el objetivo de Diddy era conseguir un sonido urbano más similar al de Destiny’s Child que el de las ‘girl bands’ convencionales. El single presentación del álbum fue Show Stopper, un medio tiempo R&B influenciado por el sonido Snap (subgénero del Hip Hop) que cuenta con la participación del rapero Yung Joc y en el que Danity Kane hablan de pasarlo bien en el club y ser unas chicas malas. Este tema tuvo un buen desempeño en Estados Unidos, donde alcanzó el #8 en la lista Billboard. Como segundo single del álbum fue lanzado Ride for You, una balada mid-tempo pop/R&B producida por Bryan-Michael Cox en la que podemos apreciar las buenas voces de las 5 componentes y su gran armonía juntas. El álbum «Danity Kane» debutó en lo más alto de la lista Billboard americana y acabó siendo certificado platino en Estados Unidos con más de un millón de copias distribuidas, lo cual era un dato muy positivo para una ‘girl band’ nacida en un concurso. Pese a que más de 10 productores diferentes estuvieron involucrados en el álbum, el resultado final resultaba cohesivo y sólido y podemos considerar a «Danity Kane» como uno de los debuts más sólidos de un grupo femenino en Estados Unidos en años, ya que se alejaban del típico sonido pop de las ‘girl bands’ tradicionales. Puntuación: 7’5/10.

Reflection de Fifth Harmony.

Camila Cabello, Ally Brooke, Normani, Dinah Jane y Lauren Jauregui se presentaron a la segunda edición del popular concurso musical Factor X en su versión americana y al no poder clasificarse de manera individual formaron parte de la categoría de grupos bajo el nombre de Lylas y quedaron en el tercer puesto de la clasificación. Al existir ya un grupo de similar nombre, el quinteto pasó a llamarse Fifth Harmony. Tras salir del popular concurso lanzaron un EP llamado «Better Together» y en 2015 vio la luz su álbum debut, titulado Reflection, el cual está formado principalmente por temas up-tempo encuadrados dentro del dance-pop, R&B y electropop y producidos por importantes nombres de la industria musical como StarGate, Dr. Luke, J.R. Rotem, Tommy Brown o Harmony Samuels entre otros. «Reflection» debutó en el #5 de la lista americana y ocupó el top 20 en Reino Unido, Australia o Canadá. En ausencia de grandes grupos femeninos que desaparecieron años atrás como Destiny’s Child, Spice Girls o Pussycat Dolls, Fifth Harmony se convirtió en una de las ‘girl bands’ más exitosas de la década del 2010 y cabe destacar que fueron las únicas concursantes del famoso programa de TV que consiguieron llevar adelante su carrera musical y publicar varios álbumes. El single presentación del álbum fue Boss, un tema dance-pop y R&B cuyas letras hacen referencia al empoderamiento femenino, el cambio de roles o la confianza en uno mismo, recuperando el espíritu del ‘girl power’ de otras bandas femeninas como Spice Girls. Este single tuvo un desempeño comercial moderado y alcanzó el top 50 en la lista americana de singles y el top 25 en Reino Unido. Como segundo single se lanzó Sledgehammer, un tema electropop y dance-pop compuesto por Meghan Trainor en el que las chicas hablan de los efectos de enamorarse utilizando como metáfora un martillo. El tercer single lanzado fue Worth It, un marchoso tema pop/R&B up-tempo con uso prominente de saxofón producido por StarGate que trata temas como el feminismo, el autoestima o la confianza en uno mismo y cuya melodía guarda ciertas similitudes con ‘Talk Dirty’ de Jason Derulo. Tras el escaso impacto comercial de los anteriores singles, ‘Worth It’ supuso el empujón definitivo de Fifth Harmony para traspasar las fronteras americanas y llegar al resto del mundo. El single ocupó el top 10 en Reino Unido o Australia y el top 15 en Estados Unidos y se convirtió en el single más exitoso del álbum y uno de los más populares del grupo femenino. La carrera musical de Fifth Harmony fue muy corta y solo publicaron tres álbumes de estudio, sin embargo «Reflection» resulta un debut más que digno y merece formar parte de este repaso. La salida de Camila Cabello (una de las componentes más carismáticas del grupo) durante la promoción del segundo álbum precipitó la separación de Fifth Harmony, que como cuarteto sufrió una disminución de popularidad y éxito comercial. Puntuación: 8/10.

Glory Days de Little Mix.

Little Mix ganaron la octava edición del concurso musical X Factor, convirtiéndose en el primer grupo que conseguía la victoria en el popular programa creado por Simon Cowell. El cuarteto femenino publicó en 2012 su primer álbum de estudio, «DNA» y en su primera semana ocupó simultáneamente el top 5 en las listas de venta de Reino Unido y Estados Unidos, lo que les convertía en el segundo grupo femenino británico tras Spice Girls que conseguía un debut tan espectacular en tierras americanas. A diferencia de otros grupos surgidos en este tipo de concursos, que suelen separarse tras un par de álbumes y no logran sobrevivir muchos años por el excesivo ego de sus componentes, Little Mix han destacado por tener una carrera larga y exitosa. Además, al contrario de otros artistas que logran gran éxito con el primer álbum pero su popularidad y éxito comercial rápidamente se desvanece, Little Mix alcanzaron el pico de su carrera con su cuarto álbum. En 2016 vio la luz Glory Days, el cual estaba encuadrado dentro del pop y el dance-pop, con influencias R&B, Tropical House y electropop. El cuarto álbum de Little Mix se mantuvo en el #1 de la lista británica durante 5 semanas consecutivas, convirtiéndose en el álbum de un grupo femenino que más tiempo ocupaba en el #1 desde que Spice Girls reinaron durante 15 semanas con su disco debut. Gran parte de excelente acogida comercial que logró el álbum se debió al éxito del primer single, Shout Out to My Ex, que se trata de un marchoso tema dance-pop dedicado a los ex de las componentes del grupo y que recuperaba el espíritu del ‘girl power’. Este himno de desamor se mantuvo en el #1 en la lista británica durante 3 semanas gracias a la espectacular actuación del grupo en el programa X Factor. El segundo single lanzado fue Touch, un tema dance-pop con influencia del Tropical House que contenía un mensaje de empoderamiento sobre estar seguro de uno mismo y en sintonía con su sexualidad. El tercer single lanzado fue No More Sad Songs, un tema electropop influenciado nuevamente por el Tropical House, uno de los sonidos de moda durante aquellos años. Este álbum recibió grandes críticas por parte de los expertos musicales (fue denominado como ‘perfección pop’) ya que está formado por un conjunto sólido de temas bailables con estribillos pegadizos y que destacan por la gran armonía vocal de las componentes. «Glory Days» es un gran álbum que nos devolvió a los días en los que Spice Girls triunfaban con su ‘girl power’. Puntuación: 8/10.

doll-domination-bonus-disc-collectors-edition-4de3b55098ef3 Doll Domination de The Pussycat Dolls.

The Pussycat Dolls lograron un gran éxito conseguido con su álbum debut, «PCD», el cual superó los 7 millones de copias en todo el mundo y contó con 3 singles top 10 en Estados Unidos. Tras la promoción de dicho álbum, Carmit, la componente más veterana del grupo (y la única junto a Melody que cantaba además de Nicole) abandonó la formación, dejando a The Pussycat Dolls con 5 componentes. En 2008 vio la luz el segundo álbum de estudio del grupo, titulado Doll Domination, el cual está encuadrado dentro del pop/R&B al igual que «PCD», pero contiene un menor componente urbano y profundiza en el sonido electropop. Este álbum cuenta con la producción de algunos de los mejores nombres de la industria musical como Timbaland, Darkchild, Polow da Don, Hit-Boy o Sean Garrett. Varias de las canciones que forman parte del álbum fueron compuestas por Nicole Scherzinger para su debut en solitario, pero tras no materializarse este proyecto pasaron a formar parte de «Doll Domination». El single presentación del álbum fue When I Grow Up, un marchoso y pegadizo tema electropop y R&B producido por Darkchild que habla del deseo de Nicole de ser famosa. Este single recibió buenas críticas por su naturaleza desenfadada y bailable y logró un gran desempeño en las listas de venta de todo el mundo (fue top 10 en Estados Unidos y top 5 en Reino Unido, Canadá o Australia). Tras él llegó Whatcha Think About That, un original tema electropop y R&B con melodía de la música Bhangra producido por Polow da Don y con la magistral participación de la rapera Missy Elliott. Este single fracasó en Estados Unidos pero anotó otro top 10 para el grupo en Reino Unido. El tercer single en tierras americanas y el segundo lanzado a nivel internacional fue I Hate This Part, un emotivo tema dance-pop cuyas letras hablan de la conversación que tienen dos amantes antes de producirse un ruptura. Este tema resultó un éxito moderado en las listas de venta pero recibió buenas críticas por parte de los expertos musicales. Como cuarto single se lanzó Hush Hush, una emotiva balada R&B cantada en su totalidad por Nicole. Este single fue lanzado en una versión remix en la que la balada se transformaba en un marchoso tema dance-pop y Disco e incluía una interpolación del famoso «I Will Survive» de Gloria Gaynor. En 2009 el álbum se re-editó con varios temas inéditos, entre ellos la versión en inglés de la canción principal de la banda sonora de «Slumdog Millonaire», titulada como Jai Ho! (You Are My Destiny) pero que contaba con la misma producción y la melodía inspirada en la música hindú. ‘Jai Ho!’ recibió buenas críticas y resultó un gran éxito en las listas de venta de todo el mundo. «Doll Domination» ocupó el #4 en la lista americana de álbumes pero obtuvo unas ventas notoriamente inferiores a las conseguidas por «PCD». En el resto del mundo también tuvo un desempeño moderado aunque ocupó el top 5 en Reino Unido, Canadá o Australia. «Doll Domination» recibió algunas críticas negativas por su falta de originalidad y su carácter genérico, sin embargo personalmente considero que es un álbum más que digno, con una gran producción y una excelente ejecución vocal por parte de Nicole. Debido al excesivo protagonismo de Nicole, las polémicas tácticas llevadas a cabo por parte de su discográfica y su cada vez menos importancia dentro el grupo, Ashley, Melody, Kimberly y Jessica (relegadas a meras figurantes y bailarinas) decidieron dejar el grupo en enero de 2010, lo que llevó a Nicole a abandonar el proyecto y desarrollar su faceta en solitario. Pese a su controvertido final, «Doll Domination» es uno de los mejores álbumes pertenecientes a un grupo femenino. Puntuación: 8/10.

Crazy Sexy Cool CrazySexyCool de TLC.

El trío TLC (formado por Tionne ‘T-Boz’ Watkins, Lisa ‘Left Eye’ Lopes y Rozonda ‘Chilli’ Thomas) hizo su debut en 1992 con el álbum «Ooooooohhh… On the TLC Tip», el cual estaba compuesto por temas de estilo R&B, Hip Hop, pop y funk, cuya fusión era denominada como New Jack Swing durante los años 90. Desde un principio TLC llamaron la atención por su imagen urbana, su uso de prendas masculinas y asociadas al mundo del Hip Hop, las diferentes y carismáticas personalidades de sus componentes, la naturaleza desenfada de sus letras, que versaban sobre temas cotidianos e importantes para la juventud y sus mensajes feministas. En 1994 TLC publicaron su segundo álbum, CrazySexyCool, cuyo título hacía referencia a la personalidad de cada componente del trío. Este álbum se convertiría en el punto álgido de la carrera de TLC y su mejor momento en cuanto a popularidad y éxito. El trío originario de Atlanta siguió confiando en Jermaine Dupri, Babyface y Dallas Austin para la producción de este trabajo e incorporaron nuevos nombres como Puff Daddy, Organized Noize o Chucky Thompson, quienes dieron forma a un álbum centrado en el R&B y el Hip Hop, aunque en este caso más próximo al sonido Hip Hop Soul. Este trabajo resultaba más maduro que el anterior y en él trataban temas propios de su etapa vital, como la sexualidad, los primeros desengaños amorosos o el optimismo juvenil. Pese a que Left Eye participó en la composición de varias de las canciones del álbum, su input como rapera fue escaso en comparación al anterior trabajo ya que se encontraba en rehabilitación por su problema con el alcoholismo. Respaldado por una acertada selección de singles, el álbum destacó por su larga vida comercial y tuvo unas ventas muy consistentes durante su larga promoción. «CrazySexyCool» fue certificado disco de diamante en tierras americanas y vendió 9 millones de copias en Estados Unidos y más de 15 en todo el mundo, convirtiéndose en el álbum más vendido de un grupo femenino estadounidense. Cabe destacar que dos de los cuatro singles lanzados alcanzaron el #1 en la lista americana, mientras que los otros dos fueron top 5, lo que puede considerarse un gran éxito. El single presentación del álbum fue Creep, un tema R&B mid-tempo compuesto y producido por Dallas Austin cuyas letras hacen referencia a una infidelidad cometida por T-Boz como respuesta a la falta de cariño por parte de su infiel pareja. ‘Creep’ recibió una nominación en la categoría de mejor actuación R&B de un dúo/grupo en los premios Grammy y alcanzó el #1 en la lista americana, el primero de los 4 que conseguirían TLC durante su carrera. Como segundo single se lanzó Red Light Special, una balada R&B de naturaleza sensual con melodía de guitarra compuesta y producida por Babyface, que mezcla la raspada y sexy voz de T-Boz con el tono dulce de Chilli. El tercer single lanzado fue Waterfalls, un tema R&B mid-tempo compuesto por Left Eye en el que el TLC muestran su conciencia social y envían a la juventud un mensaje advirtiéndole sobre importantes problemas durante los años 90 como la epidemia del sida o la violencia asociada al tráfico de drogas. ‘Waterfalls’ fue aclamado por la crítica sus reveladores letras y la implicación de TLC en asuntos de interés para la gente joven y recibió una nominación a mejor actuación pop de un dúo/grupo en los Grammy. ‘Waterfalls’ se convirtió en uno de los temas más representativos de la carrera del trío y un auténtico clásico del R&B de los 90. El último single lanzado fue Diggin’ On You, un medio tiempo pop/R&B producido por Babyface cuyas letras hacen referencia a una relación entre un hombre y una mujer durante una tarde de verano. «CrazySexyCool» superó todas las expectativas puestas en él debido a su enorme impacto social y comercial, fue aclamado por la crítica musical, recibió numerosos galardones y fue incluido en la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos realizada por la prestigiosa revista Rolling Stone. El segundo álbum de TLC está formado por un sólido conjunto de canciones que resumen a la perfección el espíritu del R&B de los años 90 y cuyo inconfundible estilo ha influenciado a una generación entera de artistas posteriores. Puntuación: 8/10.

Feels So Good Feels So Good de Atomic Kitten.

Durante los años 90 y principios de la década del 2000 las ‘boy bands’ y ‘girl bands’ vivieron su apogeo en el mundo de la música: vendían millones de discos en todo el mundo, sus temas ocupaban las primeras posiciones en las listas de éxitos y contaban con legiones de seguidores en todos los rincones del planeta. En Estados Unidos triunfaban grupos como Backstreet Boys o N’Sync y en Reino Unido, donde el fenómeno fan se vivió con gran intensidad, surgieron grupos tan importantes como Spice Girls, Sugababes, Girls Aloud o Westlife. Tras la sombra de Spice Girls estaba otro grupo femenino que también tuvo una gran acogida en Reino Unido y el resto de Europa, Atomic Kitten, el cual estaba formado por tres jóvenes británicas (Natasha Hamilton, Karry Katona y Liz McClarnon) y que logró hacerse un hueco importante en el mundo del pop durante su corta trayectoria profesional. Como en todo grupo femenino que se precie, en Atomic Kitten también se produjeron cambios en las componentes, ya que en medio de la promoción del primer álbum, Kerry Katona abandonó el grupo para ser madre y fue sustituida por Jenny Frost. En el año 2000, Atomic Kitten publicaron su álbum debut, Right Now, que contaba con los exitosos singles ‘Whole Again’ y ‘Eternal Flame’, ambos #1 en la lista británica. Dos años más tarde llegó su segundo álbum, Feels So Good, el cual seguía la estela musical de su predecesor y estaba formado por temas up-tempo de estilo dance-pop y Disco, medios tiempos pop con influencia del sonido R&B y varias baladas. «Feels So Good» debutó en el #1 de la lista británica de álbumes y vendió casi un millón de copias en Reino Unido. El single presentación del álbum fue It’s OK!, un tema pop mid-tempo producido por el dúo noruego StarGate cuyas letras hablan de pasar página tras una relación fallida y que tuvo un buen desempeño comercial en Reino Unido, donde alcanzó el #3. Atomic Kitten siempre se han caracterizado por versionar un tema famoso en cada uno de sus álbumes y tras hacer suyo el clásico de The Bangles ‘Eternal Flame’ en su anterior trabajo, como segundo single de «Feels So Good» se lanzó la versión del famoso tema popularizado por Blondie ‘The Tide Is High’, pero Atomic Kitten añadían una nueva parte original al tema, de ahí que tuviera como título The Tide Is High (Get the Feeling). Este marchoso tema pop up-tempo resultó un gran éxito en Europa: alcanzó el #1 en Reino Unido (convirtiéndose en su tercer single ‘chart topper’ en la lista británica), ocupó el top 10 en Alemania, Australia o Suecia y se convirtió en una de las canciones más populares del 2002. El tercer single, de doble cara A, estaba formado por The Last Goodbye, una emotiva balada mid-tempo pop/R&B producida por StarGate que habla de una dolorosa ruptura y Be With You, un tema dance-pop y Disco que suponía uno de los momentos más bailables del álbum. Pese a ser tachadas de ser un grupo prefabricado, de recurrir demasiado a las versiones de canciones famosas y tener una vida musical muy corta, Atomic Kitten demostraron que se podían defender perfectamente en directo y eran algo más que una copia de Spice Girls ya que pueden presumir de tener dos álbumes #1 en Reino Unido, tres singles #1 y diez singles top 10 en la lista británica. Quizás las letras de las canciones fueran genéricas y las componentes no destacaban por tener voces distintivas ni prodigiosas (pese a ser buenas vocalistas) sin embargo «Feels So Good» es un álbum de pop entretenido y disfrutable que merece formar parte de este repaso. Puntuación: 8/10.

Taller In More Ways Mutya Version Taller In More Ways de Sugababes.

En 2005 vio la luz el cuarto álbum de Sugababes, Taller In More Ways, que se convirtió en un disco clave en la carrera del grupo y en el que se produjo un nuevo cambio en sus componentes. En aquel momento, el trío londinense estaba formado por Mutya Buena, Keisha Buchanan y Heidi Range, la formación iniciada con el segundo álbum y que parecía bastante estable, sin embargo «Taller In More Ways» es el último álbum en el que participó Mutya, una de las componentes fundadoras y pieza indispensable en el éxito del grupo, ya que además de ser la voz principal en la mayoría de las canciones del grupo, tenía gran carisma y poseía la esencia ‘indie’ y alternativa con la que asociamos la formación original de Sugababes. Para este álbum, el trío siguió confiando en sus colaboradores habituales Xenomania, Jony Rockstar y Guy Sigsworth, sin embargo reclutaron a Dallas Austin (conocido por trabajar con TLC o Boyz II Men), quien asumió gran parte de la producción. «Taller In More Ways» sigue la estela musical de «Three» y lo podemos encuadrar dentro del pop y el R&B, pero profundiza en el sonido electropop. El single presentación del álbum fue Push the Button, un enérgico tema electropop producido por Dallas Austin que recibió buenas opiniones de los expertos musicales y fue una de las canciones más populares del 2005. Este tema ocupó el #1 en la lista de Reino Unido durante 3 semanas (convirtiéndose en el single más exitoso de la carrera de Sugababes hasta la llegada de ‘About You Now’) y fue top 20 en varios mercados europeos como Irlanda, Alemania o Francia. Como segundo single se lanzó Ugly, un tema pop con influencia pop/rock y R&B en el que las componentes del grupo hablan de sus inseguridades por sentirse diferentes al resto de personas y resulta un himno de auto-aceptación. ‘Ugly’ destaca por el hecho de ser el último single en el que participó Mutya, que abandonó el grupo tras el lanzamiento de este tema alegando causas personales y diferencias creativas con el grupo. Una gran conmoción se produjo entre los seguidores del trío británico tras el abandono de Mutya, pero tanto el grupo como la discográfica no se podían permitir cancelar la promoción de un disco tan exitoso por lo que buscaron rápidamente una sustituta, Amelle Berrabah, quien grabó con su voz algunas de las canciones del álbum y continuó con la promoción. «Taller In More Ways» fue re-editado en marzo del 2006 y entre las canciones que fueron grabadas por Amelle se encontraba el tercer single del álbum, Red Dress, que se trataba de un marchoso tema pop up-tempo con la característica producción de Xenomania en el que las chicas lanzaban un mensaje de ‘girl power’. Como último single se lanzó Follow Me Home, una emotiva balada pop/R&B en el que las componentes de Sugababes hablan de personas importantes en sus vidas que les han servido de inspiración. Pese a su gran calidad, tanto a nivel vocal como de producción, ‘Follow Me Home’ rompió la racha de singles top 10 del grupo en la lista británica y se convirtió en uno de sus singles menos populares. «Taller In More Ways» debutó en el #1 de la lista británica de álbumes (el primer trabajo de Sugababes que llegaba a lo más alto en Reino Unido) cuando ‘Push the Button’ lideraba la lista británica de singles por tercera semana consecutiva, lo que supuso un gran logro para el grupo. Este álbum fue certificado doble platino en Reino Unido por unas ventas superiores a las 600 mil copias y permanece como el segundo disco más exitoso de la carrera de Sugababes. «Taller In More Ways» resulta esencial dentro de la más que notable discografía de Sugababes. Puntuación: 8/10.

5c268-tlcfanmail FanMail de TLC.

El trío TLC logró un éxito espectacular con su segundo álbum, CrazySexyCool, el cual fue aclamado por los expertos por su carácter social y reivindicativo y vendió 9 millones de copias en Estados Unidos y más de 15 en todo el mundo. En 1999 llegó el tercer álbum de estudio del trío americano, FanMail, el cual marcaba una gran evolución con respecto a su antecesor, ya que mientras «CrazySexyCool» estaba encuadrado dentro del R&B/Hip-Hop con gran influencia del sonido Hip Hop Soul, «FanMail» viró hacia el pop y el sonido electrónico, aunque en esencia era un álbum de estilo R&B. «FanMail» está producido principalmente por Dallas Austin, Jermaine Dupri y Babyface, quienes ya participaron en su anterior álbum, además de She’kspere y el dúo formado por Jimmy Jam & Terry Lewis. «FanMail» debutó en el #1 de la lista de ventas de Estados Unidos, convirtiéndose en el primer disco del grupo en liderar la lista americana y acabó siendo certificado 6 veces platino con ventas superiores a los 5 millones y medio de ejemplares. TLC siempre se han caracterizado por tener un mayor impacto comercial en Estados Unidos que en el resto del mundo, sin embargo este álbum ocupó el top 10 en las listas de Canadá, Alemania o Reino Unido y superó los 10 millones de copias a nivel mundial. El single presentación del álbum fue No Scrubs, un pegadizo tema compuesto por Kandi Burruss y She’kspere (responsables de otros hits de la época como ‘Bills Bills Bills’ de Destiny’s Child) y que contaba con el sonido R&B tan típico de aquella época. ‘No Scrubs’ se convirtió en uno de los temas más populares del año 1999 y popularizó el uso de la palabra ‘scrub’, con la que se referían a un chico que no trabaja ni tiene aspiraciones en la vida e intenta aprovecharse de las mujeres. Este single ocupó el #1 en Estados Unidos durante 4 semanas (el tercer #1 de TLC en la lista americana) además de liderar las listas de Australia o Canadá y fue top 10 en Reino Unido o Alemania. ‘No Scrubs’ ganó dos premios Grammy: mejor canción R&B del año y mejor actuación R&B por un dúo/grupo. Como segundo single se lanzó Unpretty, un medio tiempo R&B con influencia pop/rock que contaba con gran toque acústico y alternativo y estaba compuesto por T-Boz y producido por Dallas Austin. Las letras de ‘Unpretty’ animaban a las mujeres a no ser tan exigentes con su propio físico para agradar a los hombres y resultaba un himno de auto-aceptación y empoderamiento. Este single también resultó un éxito y consiguió el cuarto #1 de TLC en Estados Unidos. «Fanmail» fue el último álbum de TLC como trío ya que en 2002, poco antes de que viera la luz el siguiente disco del grupo, falleció Lisa ‘Left Eye’ Lopes en un accidente de tráfico. «FanMail» resultaba diferente a los anteriores trabajos de TLC al incorporar un sonido pop más futurista pero capturaba la esencia del grupo y se convirtió en uno de los álbumes R&B más destacados de finales de los 90. Puntuación: 8/10.

Spice album Spice de Spice Girls.

«Se Busca: ¿tienes entre 18 y 23 años, habilidades para cantar y bailar y eres extrovertida, ambiciosa y dedicada?». Esta nota de prensa apareció en el periódico británico The Stage en el año 1994 y al casting se presentaron más de 400 jovencitas que querían cumplir su sueño de formar parte de un grupo femenino de pop. Tras semanas de deliberación, los managers de talentos Bob y Chris Herbert escogieron a Melanie Brown, Victoria Adams, Geri Halliwell, Melanie Chisholm y Michelle Stephenson, las cuales se mudaron a un apartamento de Berkshire y durante meses estuvieron aprendiendo canto y baile. Debido a diferencias creativas y falta de compromiso con el grupo, Michelle abandonó el proyecto y en su lugar entró Emma Bunton, la más joven de las 5 componentes. Así se formó Spice Girls, que se convertiría en uno de los grupos femeninos más importantes de todos los tiempos. En julio de 1996 llegó el primer single, Wannabe, en el que las chicas declaraban que valoran más la amistad de sus amigas que una posible relación con un hombre, convirtiéndose en el eje de la filosofía del ‘Girl Power’ que abanderaron Spice Girls (lo que hoy llamaríamos empoderamiento femenino). ‘Wannabe’ alcanzó el #1 en las listas de venta de más de 20 países de todo el mundo, vendió 7 millones de copias y se convirtió en el single de un grupo femenino más vendido de todos tiempos. Como segundo single se lanzó Say You’ll Be There, un tema pop con influencia R&B que destacaba por su solo de harmónica y en el que la chicas aportaban la perspectiva femenina en el tema de las relaciones amorosas. ‘Say You’ll Be There’ recibió buenas críticas por sus pegadizas letras y la gran producción de Absolute y resultaba una propuesta más madura por parte de Spice Girls. Pese a ser incapaz de igualar el éxito sin precedentes del anterior single, ‘Say You’ll Be There’ tuvo un rendimiento comercial muy positivo y alcanzó el #1 en Reino Unido y el top 5 en Estados Unidos, España o Francia. Más tarde llegaron la balada ‘2 Become 1’ y el single de doble cara A formado por el marchoso tema dance-pop con influencia Disco ‘Who Do You Think You Are’ y ‘Mama’, dedicado a las madres de las componentes. En septiembre de 1996 vio la luz el primer álbum de Spice Girls, titulado simplemente Spice, el cual está formado por 10 temas encuadrados dentro del pop y el dance-pop con influencias R&B, funk o Hip Hop y producidos por el dúo Absolute (compuesto Paul Wilson y Andy Watkins), Richard Stannard y Matt Rowe. «Spice» destaca por el hecho de que los cuatro singles lanzados alcanzaron el #1 en la lista de Reino Unido y tres de ellos fueron top 5 en la lista americana. El álbum debut del quinteto inglés alcanzó el #1 en más de 20 países de todo el mundo, supera los 23 millones de ejemplares vendidos (el álbum de un grupo femenino más exitoso de todos los tiempos) y forma parte de la élite de los álbumes más vendidos de la historia de la música. Pese a que recibieron varias críticas negativas que las tachaban de ser un grupo pre-fabricado, sin duda Spice Girls ofrecieron uno de los álbumes pop más influyentes de todos los tiempos y que ha inspirado a una generación de artistas posteriores. Puntuación: 8’5/10.

Survivor de Destiny’s Child.

En 1999 vio la luz su segundo álbum de Destiny’s Child, titulado The Writing’s On The Wall, el cual disparó la popularidad del grupo gracias a una acertada selección de singles entre los que se encontraban ‘Bills Bills Bills’ y ‘Say My Name’, que alcanzaron #1 en la lista americana y también ocuparon buenas posiciones alrededor del mundo. Este álbum resultó un tremendo éxito comercial pero también destacó por la controversia que causaron los cambios de componentes del grupo durante su promoción. LaTavia y LeToya demandaron al manager del grupo y padre de Beyoncé por su desproporcionado porcentaje de beneficios y el excesivo protagonismo de Beyoncé y Kelly, quienes acaparaban el micrófono en todas las canciones y relegaban a LeToya y LaTavia a meras coristas. Ambas fueron sustituidas por dos nuevas componentes, Michelle Williams y Farrah Franklin, aunque ésta última sólo formó parte de Destiny’s Child durante 5 meses y abandonó la formación al no soportar el estrés de la fama. Tras la marcha de Farrah, Destiny’s Child pasó a ser un trío y se convirtió en la formación más estable y recordada del famoso grupo. En el año 2000, lanzaron el tema Independent Women, perteneciente a la BSO de la película «Los Angeles de Charlie» y que supuso el trampolín definitivo para afianzar la fama del grupo en el resto del mundo e incluso superó la popularidad de la propia película. ‘Independent Women’ es un tema pop/R&B co-producido por la propia Beyoncé junto a Cory Rooney con letras acerca del empoderamiento femenino. Este single alcanzó el #1 en la lista de ventas americana durante 11 semanas consecutivas, convirtiéndose en el tercer #1 del grupo en Estados Unidos y en el resto del mundo consiguió el primer #1 del grupo en Reino Unido y el top 10 en Australia, Canadá o España. En 2001 vio la luz el tercer álbum de estudio de Destiny’s Child, Survivor, el cual está compuesto y co-producido en su totalidad por Beyoncé, con producción adicional de Rob Fusari y Anthony Dent. Aunque podemos encuadrarlo dentro del sonido R&B contemporáneo, «Survivor» tiene un mayor componente pop que su predecesor y resulta más accesible para el público en general debido a su mayor número de temas up-tempo. Beyoncé seguía siendo la voz principal en la mayoría de las canciones, sin embargo la presencia de Kelly y Michelle incrementó de manera notoria en este álbum, siendo más equitativo el reparto de ‘solos’ en las canciones. «Survivor» debutó en el #1 de la lista de ventas de Estados Unidos y a nivel internacional, lideró las listas de venta en más de 10 países incluidos Reino Unido, Canadá o Alemania y superó los 12 millones de copias en todo el mundo, convirtiéndose en el disco de un grupo femenino más vendido de la década del 2000. El single presentación fue Survivor, un marchoso tema R&B/pop con melodía de violines que habla de superar las adversidades y la negatividad de ciertas personas que te rodean y cuyas letras fueron la respuesta a un chiste que hicieron en una radio estadounidense bromeando sobre cuál sería la siguiente componente de Destiny’s Child en abandonar el grupo. Este single ocupó el #2 en la lista americana durante 7 semanas, bloqueado por ‘All For You’ de Janet Jackson y en el resto del mundo tuvo un gran impacto comercial y alcanzó el #1 en Reino Unido. El segundo single fue Bootylicious, un tema R&B/pop up-tempo que habla de lucir ‘un culo grande’ sin ningún complejo y resulta un himno de empoderamiento femenino. ‘Bootylicious’ se convirtió en el cuarto single #1 para el trío y también resultó un éxito alrededor del mundo. El tercer single fue Emotion, una balada R&B/Soul que se trataba de la versión del tema compuesto por Bee Gees y en el que Destiny’s Child mostraban el lado más emotivo y sensible. Como último single se extrajo Nasty Girl, uno de los temas con mayor componente R&B del álbum, en el que Destiny’s Child critican a las chicas sin clase, ordinarias y chabacanas que nos rodean o nos podemos encontrar habitualmente en nuestro barrio o en la discoteca. Entre los temas más destacados se encuentran ‘Fancy’ y ‘Dance With Me’, dos medios tiempos de estilo R&B o ‘Sexy Daddy’ y ‘Happy Face’, los más bailables del álbum y que encajaban mejor con los gustos europeos por su estilo dance-pop. Aunque «The Writing’s on the Wall» es considerado un auténtico referente dentro del R&B, «Survivor» también se encuentra entre los mejores álbumes de este género ya que mantiene el espíritu del grupo, pero añade un toque dance-pop a su música que les ayudó a conquistar el resto del mundo. Puntuación: 8’5/10.

PCD de The Pussycat Dolls.

El grupo The Pussycat Dolls inicialmente fue creado como un conjunto de bailarinas de género Burlesque pero más tarde fue reformado para convertirse en un grupo musical. La nueva formación estaba compuesta por 6 atractivas jovencitas: Nicole, Carmit y Melody eran las voces principales y Kimberly, Ashley y Jessica realizaban las segundas voces y sobresalían por sus dotes como bailarinas. De entre todas ellas destacaba sin lugar a dudas Nicole Scherzinger, quien además de participar en la composición de los temas, cantaba la mayor parte de las canciones y recibía toda la atención en los videoclips y las entrevistas del grupo. The Pussycat Dolls debutaron en el mundo de la música con Don’t Cha, un tema pop/R&B con influencia Hip Hop producido por Cee-Lo Green y que cuenta con la colaboración del rapero Busta Rhymes. Este tema cuenta con unas pegadizas letras en las que las chicas aseguran a un hombre que ellas son mejor partido que sus novias, ya que son más sexis y atractivas. ‘Don’t Cha’ resultó un auténtico éxito comercial: alcanzó el #1 en las listas de venta de Reino Unido, Alemania o Australia y #2 en Estados Unidos, superó los 6 millones de copias y se convirtió en uno de los éxitos del año. El álbum debut de The Pussycat Dolls tiene por título PCD y está formado por temas pop, R&B y dance-pop con influencias Hip Hop, aunque también podemos encontrar varias versiones de temas famosos de estilo jazz y blues. En este álbum trabajaron algunos de los mejores productores musicales como Timbaland, Polow da Don, Will.I.Am, Rich Harrison o Ron Fair, los cuales dieron al grupo un sonido muy fresco, urbano y bailable. «PCD» tuvo un gran éxito en las listas de venta de todo el mundo debido a la excepcional acogida de los singles lanzados y superó los 7 millones de ejemplares a nivel mundial, haciendo de The Pussycat Dolls uno de los grupos femeninos más populares del momento. Tras ‘Don’t Cha’, las Dolls lanzaron como segundo single Stickwitu, una balada pop/R&B producida por Ron Fair cuyas letras hablan del amor incondicional y las relaciones monógamas. El tercer single fue Beep, un marchoso tema R&B con influencia Hip Hop producido por Will.I.Am, perteneciente al grupo The Black Eyed Peas, el cual también participa como artista invitado. Como cuarto single llegó Buttons, un adictivo tema pop/R&B con melodía hipnótica inspirada en la música del Medio Oriente y producido por Polow da Don con letras muy provocativas en las que las Dolls animan a un hombre a que les ayude a quitarse la ropa. El siguiente single fue I Don’t Need a Man, un bailable tema dance-pop con influencia Disco producido por Rich Harrison que habla del empoderamiento femenino. Muchos tacharon a The Pussycat Dolls de ser un grupo prefabricado y artificial, con un protagonismo excesivo de Nicole y una vida musical muy corta en la que solo lanzaron dos álbumes, sin embargo durante su trayectoria este grupo acaparó la atención del público por sus pegadizas canciones, sus sensuales bailes y su look sexy. Además gracias al éxito de este álbum y de los singles lanzados, se convirtieron en uno de los grupos femeninos con mayores ventas de la pasada década. Sin duda «PCD» es uno de los mejores álbumes del año 2005 debido a la acertada elección de los singles lanzados y el gran repertorio de canciones presentes en el disco, el cual se puede escuchar de principio a fin sin saltar ninguna canción. Puntuación: 8’5/10.

Spiceworld de Spice Girls.

En 1996, Spice Girls lanzaron ‘Wannabe’, que alcanzó el #1 en las listas de venta de más de 20 países de todo el mundo, vendió 7 millones de copias y se convirtió en el single de un grupo femenino más vendido de todos tiempos. Tras el éxito sin precedentes de ‘Wannabe’, llegaron otros singles que nuevamente triunfaron en todo el mundo y ocuparon posiciones muy altas en las listas de venta, como ‘Say You’ll Be There’, ‘2 Become 1’ o ‘Who Do You Think You Are’. Estos singles formaban parte de Spice, el álbum debut del quinteto británico, el cual alcanzó el #1 en 17 países y ha superado los 23 millones de copias desde entonces, formando parte de la élite de los álbumes más vendidos de todos los tiempos. Un año después de su debut y casi sin un respiro, el quinteto británico regresó con su segundo álbum de estudio, Spiceworld, el cual estaba formado por 10 canciones encuadradas dentro del pop y el dance-pop con influencias Latin-pop, R&B o Disco y compuestas por las 5 componentes del grupo junto a sus habituales colaboradores Richard Stannard y Matt Rowe y el dúo Absolute. En las canciones que forman parte del álbum, Spice Girls abordaban las relaciones con los hombres, enviaban un mensaje de unión entre las personas y de vivir la vida al máximo y seguían reivindicando su filosofía del Girl Power. «Spiceworld» debutó en el #1 de la lista de ventas de Reino Unido y otros 10 países y supera los 14 millones de copias a nivel mundial. El single presentación del álbum fue Spice Up Your Life, un marchoso tema pop y Latin-pop con elementos de salsa y samba en el que animaban al público a bailar y dejar a un lado los problemas y mandaban al mundo un mensaje de unión. ‘Spice Up Your Life’ destaca por naturaleza bailable y su influencia latina y sus letras cada componente menciona un estilo musical, como flamenco, lambada, polka o salsa, como símbolo de hermanamiento entre los países. ‘Spice Up Your Life’ resultó otro éxito para Spice Girls, aunque no de la magnitud de ‘Wannabe’: en Reino Unido, debutó en el #1 y en el resto del mundo ocupó el top 5 en los principales mercados europeos sin embargo en Estados Unidos sólo alcanzó el top 20. Como segundo single se lanzó Too Much, una balada pop/R&B con influencia doo-wop y uso prominente de trompeta producida por el dúo Absolute en el que las chicas relatan una relación que no termina de satisfacerlas pero no saben si tomar la decisión de dejar a su pareja o no. ‘Too Much’ alcanzó nuevamente el #1 en la lista británica (el sexto consecutivo de Spice Girls) y fue el segundo single consecutivo que conseguía el ansiado #1 navideño en Reino Unido tras ‘2 Become 1’. En 1998 llegó el tercer single, Stop, que se trataba de un marchoso tema pop de corte retro con influencia Motown y Blue-eyed Soul en el que las chicas intentan detener las intenciones de un chico que quiere ligar con ellas. ‘Stop’ debutó en el #2 de la lista británica, convirtiéndose en el primer single de Spice Girls que no llegaba a la posición de honor en Reino Unido. Pese a romper la impresionante racha de singles #1, ‘Stop’ se ha convertido en una de las canciones más conocidas y representativas de la carrera de Spice Girls, además de contar con una de las coreografías más icónicas del grupo. En mayo de 1998, mientras se encontraban de gira por Europa y tras estar ausente en un par de shows por un supuesto malestar, Geri Halliwell abandonó de manera inesperada el grupo mediante un escueto comunicado, causando una gran conmoción entre los fans y el púbico en general. El cuarto y último single fue Viva Forever, una clásica balada con influencia Latin-pop y uso prominente de guitarra española que habla de un romance veraniego durante unas vacaciones e incorpora varias palabras en español. ‘Viva Forever’ fue elogiado por la crítica por su inspiración latina, la emotividad en las voces de las componentes y fue comparado con el estilo de ‘La Isla Bonita’ de Madonna. «Spiceworld» es un gran álbum pop al igual que lo era «Spice», pero a diferencia de este último que tenía un par de canciones de relleno, se puede escuchar de principio a fin sin saltar ningún tema Tanto «Spice» como «Spiceworld» son dos álbumes pop esenciales de la década de los 90. Puntuación: 9/10.

Destiny's Child The Writing’s on the Wall de Destiny’s Child.

El grupo femenino Destiny’s Child, originario de Houston (Texas) y formado por Beyoncé Knowles, Kelly Rowland, LeToya Luckett y LaTavia Roberson, publicaron en 1998 su primer álbum de estudio, titulado de manera homónima, el cual tuvo un debut moderado en la lista americana pero acabó vendiendo un millón de copias de Estados Unidos gracias al éxito del single ‘No No No’. Apenas un año después, el cuarteto regresó con su segundo álbum de estudio, The Writing’s on the Wall, que se trataba de un proyecto más ambicioso y maduro que su debut y estaba formado por un compendio de medios tiempos, temas up-tempo y baladas de estilo R&B con influencias pop y Soul. Las 4 componentes del grupo participaron en la composición de varios de los temas presentes en el álbum bajo la producción de She’kspeare, Missy Elliott, Darkchild o Daryl Simmons, sin embargo no pasó desapercibido entre el público el hecho de Beyoncé y Kelly acaparaban el protagonismo y cantaban los solos en todas las canciones, relegando a LeToya y LaTavia a meras coristas. «The Writing’s on the Wall» debutó en el #6 de la lista americana de álbumes y terminó la década de los 90 con unas ventas superiores al millón y medio de ejemplares, sin embargo tras el éxito de ‘Say My Name’ vivió una segunda juventud, sus ventas se dispararon y volvió a las primeras posiciones de la lista Billboard, alcanzando el #5. El segundo disco de Destiny’s Child destacó por su gran longevidad en las listas de venta y acabó siendo certificado 8 veces platino con unas ventas superiores a los 6 millones de copias en Estados Unidos. «The Writing’s on the Wall» fue uno de los álbumes de R&B más exitosos e importantes de la década del 2000 y supera los 12 millones de copias a nivel internacional. El single presentación del álbum fue Bills Bills Bills, un medio tiempo R&B producido por She’kspeare en el que relataban cómo sus hombres se aprovechan de todas sus posesiones pero son ellas las que pagan las facturas. Este himno de empoderamiento femenino se convirtió en el primer single #1 de Destiny’s Child en Estados Unidos. ‘Bills Bills Bills’ recibió dos nominaciones a los premios Grammy en las categorías de mejor actuación vocal de dúo/grupo y mejor canción R&B del año. Como segundo single del álbum se lanzó Bug a Boo, un tema R&B up-tempo compuesto por las 4 componentes del grupo junto a Kandi y She’kspeare que nuevamente trataba el tema de los ‘hombres parásitos’ que intentan aprovecharse de las mujeres. En el año 2000, Destiny’s Child regresaron con su tercer single, Say My Name, que se trata de un tema R&B mid-tempo con varios cambios de ritmo producido por Rodney ‘Darkchild’ Jerkins que se convertiría en uno de sus temas más icónicos y representativos de toda su carrera. ‘Say My Name’, gracias a su elevado ‘airplay’ y unas ventas muy altas de CD’s físicos ascendió en la lista de ventas americana hasta alcanzar el #1, posición en la que permaneció durante 3 semanas. A nivel internacional, ‘Say My Name’ supuso el mayor éxito de Destiny’s Child hasta el momento y alcanzó el #1 en Australia y el top 10 en Canadá, Francia o Reino Unido. El lanzamiento de ‘Say My Name’ estuvo rodeado de la polémica ya que sin previo aviso, en el videoclip aparecieron dos nuevas componentes, Michelle Williams y Farrah Franklin, mientras que LeToya y LaTavia dejaban de formar parte del grupo, tras haber demandado a Mathew Knowles por incumplimiento de contrato e impago de beneficios, además de acusarle de favorecer a Beyoncé y Kelly. La nueva formación de Destiny’s Child continuó con la promoción y llegó el cuarto single, Jumpin’ Jumpin’, un marchoso tema R&B up-tempo que resultó otro éxito para el grupo y ocupó el #3 en Estados Unidos y el top 5 en Reino Unido o Australia. Las polémicas no cesaron en torno a Destiny’s Child y apenas unos meses después de su incorporación, Farrah abandonaba la formación al no poder soportar el estrés de la fama. Beyoncé, Kelly y Michelle continuaron adelante como trío, que se convertiría en la formación más estable y conocida de Destiny’s Child. «The Writing’s on the Wall» es uno de los álbumes imprescindibles de la música negra de los años 90 debido a su excelente selección de singles lanzados, su estilo R&B muy accesible a todos los públicos y las perfectas armonías de las componentes. Puntuación: 9/10.