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Crítica de “Phoenix” de Rita Ora

4443630c26eb4a4bda8316c027635808fe00a3ccAunque la presencia de Rita Ora en el panorama musical haya sido máxima durante los últimos años y no haya dejado de lanzar singles, lo cierto es que su primer álbum fue publicado en el año 2012. Nada más y nada menos que 6 años ha tardado la cantante de ascendencia albanesa en dar un relevo a “Ora”. Tras numerosos retrasos, esta misma semana ha visto la luz el segundo disco de estudio de Rita, Phoenix, un trabajo que recoge todos las canciones que ha ido lanzado desde mediados del año pasado. Aunque tras su primer álbum lanzó varios singles (como I Wil Never Let You Down junto a Calvin Harris), Rita Ora citó que su discográfica Roc Nation le impidió lanzar un nuevo álbum durante estos años, por lo que gracias a la famosa ley californiana “De Havilland”, al haber pasado 7 años desde el inicio de su contrato con Roc Nation, la cantante pudo desvincularse de la discográfica de Jay-Z. Una vez que fichó por Atlantic, Rita lanzó en 2017 el single Your Song, un anodino tema electro-pop y dance-pop compuesto por Ed Sheeran y producido por Steve Mac que logró el #7 en Reino Unido. Más tarde Rita Ora colaboró con Avicii en el tema dance/house Lonely Together, que tuvo un gran impacto en la listas de ventas británica, donde fue #4. Cabe destacar que Lonely Together fue el último lanzamiento del famoso DJ sueco antes de su repentino fallecimiento el pasado mes de abril. El segundo single fue Anywhere, un pegadizo tema electro-pop y dance-pop producido por el DJ Alesso. Más allá de su naturaleza bailable y desenfadada, Anywhere es una canción de amor sobre escapar con tu pareja a cualquier parte y dejar los problemas atrás. Anywhere ha tenido una buena respuesta comercial en su Reino Unido natal, donde ha logrado el #2 en la lista de ventas. Sin lugar a dudas, Anywhere es uno de los mejores singles que ha lanzado Rita Ora durante su carrera y el single más acertado dentro de la promoción previa del álbum. Su espectacular videoclip, grabado en Nueva York, muestra a la cantante en diversas localizaciones de la ciudad luciendo numerosos cambios de vestuario, y ha logrado un gran éxito en YouTube, alcanzando los 250 millones de reproducciones.

Tras el éxito de Anywhere, Rita Ora participó junto a el ex-componente de One Direction Liam Payne en el tema For You, perteneciente a la banda sonora de la tercera entrega de la película “50 Sombras de Grey”. Este tema synth-pop encajaba a la perfección con el estilo de la cantante de origen albano-kosovar por su sonido y también forma parte de su nuevo álbum. Una vez que Phoenix tenía fecha definitiva, Rita Ora lanzó un nuevo single, Girls, un tema pop que habla del empoderamiento femenino y contaba con la participación de otras tres poderosas mujeres: la cantante británica Charlie XCX, la americana Bebe Rexha y la rapera de moda Cardi B. Rita Ora y su discográfica tenían muchas expectativas puestas en este tema (creían que sería el Lady Marmalade de esta década) sin embargo se convirtió en un auténtico despropósito ya que pese a contar con importantes colaboradoras, el single tuvo una tibia respuesta comercial y recibió muchas criticas del colectivo LGTB por sus frívolas letras sobre las relaciones entre las mujeres y el oportunista comentario de Rita, que se declaró bisexual. Tras este traspiés, Rita Ora lanzó Let You Love Me, con el que regresaba al sonido electro-pop que le ha acompañado en sus últimos temas. Let You Love Me fue #4 en Reino Unido, demostrando que es una de las cantantes británicas más exitosas de los últimos tiempos en su país, y también tuvo buena acogida en el resto del mundo, logrando el top 20 en Australia o Alemania. En este caso, Rita sí que acertó de pleno ya que junto a Anywhere son los dos mejores singles de los múltiples que ha lanzado con anticipación al álbum.

Phoenix profundiza en el electro-pop con ciertos elementos pop/R&B, a diferencia del sonido urbano que predominaba en su primer disco de estudio, y cuenta con una extensa nómina de productores y compositores entre los que se encuentran StarGate, Steve Mac, Jimmy Napes o Ed Sheeran, aunque Rita también ha participado en la composición de varias canciones. Phoenix está formado por 12 temas en la edición estándar y 16 en la edición deluxe, y precisamente en estos últimos 4 están algunas de las canciones más interesantes del disco, como “Falling To Pieces”, un bonito tema electro-pop donde destaca el uso de trompeta al final de la canción, “Velvet Rope” un original tema pop que habla de desamor y abandona la influencia electrónica del disco para incorporar elementos doo-wop, la balada “Soul Survivor”, o “Cashmere”, que cuenta con inspiración R&B. De la edición normal (de la que ya conocemos la mayoría de canciones), mis favoritos son el marchoso tema dance-pop “First Time High”, uno de los temas más up-tempo del álbum, o “Hell of a Life”, una balada que cuenta con una base electrónica y uso de guitarra eléctrica y destaca por el toque orquestal al final de la canción. 

La táctica que están llevando a cabo últimamente muchos artistas británicos (como hicieron Dua Lipa o Jess Glynne con sus álbumes debut) es lanzar numerosos singles con anticipación a la publicación del álbum, pero de esta manera pueden correr el riesgo de perjudicar el rendimiento comercial del disco, ya que éste pierde el factor sorpresa y el interés por parte del público, al estar desvelada la mayor parte del contenido del mismo. Sin embargo desde la era digital y sobretodo desde del auge de las plataformas de streaming, los álbumes han perdido el peso que tenían en la era pre-digital en favor de los singles. Phoenix es un ejemplo perfecto de esta estrategia comercial, ya que de los 12 temas que conforman el álbum, el público ya conoce la mitad, por lo que su lanzamiento no ha generado un excesivo interés. Aunque Rita Ora tiene un gran carisma y simpatía y ha conquistado al público joven gracias a sus marchosas canciones, su música está carente de una personalidad propia que le haga una artista diferente al resto, también en parte por la gran variedad de compositores y productores que participan en este álbum y hacen que su personalidad se diluya, y ese es uno de los problemas a los que se enfrenta este trabajo.

En resumen, Phoenix es más parecido a una playlist de los temas que han sonado sin cesar en las radios estos últimos meses que un álbum centrado y cohesivo, sin embargo cuenta con varias canciones muy interesantes que hacen que merezca la pena darle una oportunidad al disco. Si te ha gustado “Expectations” de Bebe Rexha es muy posible que disfrutes con Phoenix, ya que el estilo musical es similar y ambas cantantes son prácticamente intercambiables. Pese a todo, Phoenix supone un gran salto cualitativo con respecto a Ora, ese álbum que parece ya en el olvido y muchos de sus actuales seguidores apenas recuerdan, ya que fue lanzado hace más de 6 años, por lo que Phoenix podría ser su “segundo” primer álbum, y con el que definitivamente ha resurgido cual ave fénix. A pesar de su irregular trayectoria, nadie puede negar el gran impacto que ha tenido Rita Ora en Reino Unido, donde ha logrado cuatro #1 en la lista de ventas y más de 10 singles top 10, convirtiéndose en una de las cantantes británicas más importantes de esta última década. Mis temas favoritos: Anywhere, Let You Love Me, First Time High, Falling To Pieces y Velvet Rope. Puntuación: 7’5/10. Phoenix – Amazon

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Crítica de “LM5” de Little Mix

little-mix-a-uscito-il-video-di-woman-like-me-con-nicki-minaj-mlyrrLittle Mix se han consolidado como uno de los grupos femeninos más importantes y exitosos de los últimos años, y tras cuatro discos a sus espaldas, en vez de emprender carreras en solitario que podrían perjudicar el futuro del grupo, han decidido permanecer juntas y seguir lanzando nueva música, lo cual es la mejor decisión que podían tomar. Durante esta semana de importantes lanzamientos, Little Mix han puesto a la venta su quinto álbum de estudio, LM5, el mismo día en que Mariah publicó también su nuevo disco. Las siglas LM5 representan “Little Mix 5º álbum”, que suele ser el nombre tentativo que usan los artistas para denominar un proyecto musical todavía sin título, pero el grupo británico ha decidido llamar así a su nuevo trabajo discográfico. El single presentación del álbum ha sido Woman Like Me, un medio tiempo pop/R&B con influencia reggae que desde un principio recibió críticas por su parecido con el tema “Side To Side” de Ariana Grande y Nicki Minaj (quien precisamente es la artista invitada en Woman Like Me). Este pegadizo tema que habla del empoderamiento femenino tuvo un desempeño discreto en las listas de ventas y debutó en el #5 en la lista británica, algo inusual para Little Mix ya que sus primeros singles suelen liderar la lista de ventas de su país, sin embargo se ha convertido en un auténtico “grower” y va ganando puntos conforme más lo escuchas, lo que unido a las presentaciones en directo del tema por parte del grupo en X Factor UK o en los recientes premios MTV EMA’s, aumentó la popularidad del single y logró subir hasta el #2 en el Reino Unido. Además, Woman Like Me no ha estado exento de polémica, ya que Little Mix se han visto envueltas de manera indirecta en la rivalidad entre Nicki Minaj y Cardi B. En los estadios iniciales de Woman Like Me, la demo de la canción fue enviada a ambas raperas para una posible colaboración, y cuando la tensión entre ambas era máxima, Cardi B desveló a través de su cuenta de Instagram que el tema le fue enviado a ella primero y al rechazar su participación fue cuando llegó a manos de Nicki Minaj y ésta grabó su rap. Little Mix declararon que dicho tema fue enviado a ambas raperas aunque ellas preferían a Nicki como artista invitada. Sea como fuere, Woman Like Me se ha beneficiado de esta polémica y de la publicidad gratuita por todas las partes implicadas lo que ha conseguido que sea uno de los temas más populares de este 2018.

Centrándonos en el aspecto musical, LM5 está encuadrado dentro del pop y dance-pop con influencia R&B (al igual que sus anteriores discos), sin embargo se puede notar una clara inspiración del sonido Hip-Hop en este trabajo, no sólo por el uso de bases Trap en varias de las canciones, sino porque han incorporado el estilo pop-rap a su manera de cantar, en un intento por americanizar su sonido y ganar cuota de mercado en Estados Unidos. Tras Woman Like Me, Little Mix presentaron varios sencillos promocionales para mostrarnos la variedad musical que podemos encontrar en el álbum: “Joan de Arc”, un extraño tema electro-pop y Hip-Hop en el que hacen uso de la mencionada faceta pop-rap y nos recuerda al estilo de Fergie, pero no acaba de enganchar, “Told You So”, una clásica balada con guitarra, y “The Cure”, un medio tiempo electro-pop que tiene un gran potencial y es uno de los momentos más profundos de LM5. Otro de los singles promocionales, cuyo videoclip fue revelado el mismo día del lanzamiento del álbum, ha sido “Strip”, un híbrido de dance-pop y Hip-Hop que cuenta con la participación de la rapera Sharaya J y en el que las chicas cantan y rapean sobre aceptarse a sí mismas y se enfrentan a las críticas e insultos que han recibido por parte de los haters desde sus inicios en el mundo de la música. Esta marchoso tema tiene un mensaje muy positivo de empoderamiento femenino y hacer frente a las adversidades. Entre los temas más destacados del disco y que podrían ser firmes candidatos a futuros singles se encuentran “Think About Us”, un marchoso y pegadizo tema pop con influencia reggae/Dancehall (mi tema favorito del álbum), “Monster In Me”, una bonita balada mid-tempo pop/R&B que nos recuerda a temas de anteriores discos del grupo, o “American Boy”, un llamativo tema pop/R&B e influencia reggae con una base similar a la de Woman Like Me y que incorpora un sonido muy americano. También sorprenden la dramática balada synth-pop “More Than Words” en la que aparece la cantante y compositora inglesa Kamille, y “Love a Girl Right”, un original tema urban-pop con cierta influencia latina que contiene interpolaciones de famosas canciones como “Thong Song” de Sisqo o “Livin’ La Vida Loca” de Ricky Martin.

Dentro de la amplia nómina de compositores destacan la antes mencionada Kamille (la más prolífica dentro del álbum), Jess Glynne o Ed Sheeran, aunque merece la pena resaltar que las chicas de Little Mix han participado en la composición de 7 de los 14 temas que componen la edición estándar del álbum. Entre los productores implicados se encuentran el cada vez más solicitado MNEK, Steve Mac o Chris Loco, y para sorpresa de todos el legendario productor de Hip-Hop Timbaland (conocido por su trabajo junto a Missy Elliott o Aaliyah), quien es el responsable de un tema. La versión deluxe de LM5 añade otros 4 temas más entre los que se encuentran “Only You”, la colaboración que hicieron Little Mix con el trío de DJ’s Cheat Codes. En resumen, es evidente el interés que tiene el cuarteto británico en hacerse un hueco en el mercado americano teniendo en cuenta las colaboraciones con artistas como Nicki Minaj o la influencia Hip-Hop que podemos encontrar en varias de las canciones presentes en LM5. Aunque Little Mix nos han presentado un buen álbum pop con el que se consolidan como la girl-band del momento, LM5 no es tan redondo como sus trabajos anteriores (ni supera la gran calidad de Glory Days) ya que se hace bastante largo porque contiene demasiados temas y varios de ellos de relleno. Puntuación: 7’5/10. LM5 – Amazon

Crítica de “Valiente” de Thalía

42611717_10156843647009729_3188628770462367744_nAunque durante los últimos años el reggaeton ha conseguido despuntar fuera de Latinoamérica gracias a artistas crossover como Shakira o Maluma, 2018 ha sido definitivamente el año en el que este género se ha convertido en mainstream, ya que numerosos artistas latinos han logrado colocar sus canciones en posiciones muy importantes en las listas de ventas de países anglosajones, donde tradicionalmente las canciones de estilo latin-pop no lograban mucho éxito. Artistas de reggaeton como J Balvin, Bad Bunny o Daddy Yankee han disparado su popularidad entre el público masivo y gracias a las numerosas colaboraciones que han realizado durante los últimos meses con cantantes muy diversos, su presencia ha sido máxima en las radios y plataformas musicales de todo el mundo. Además muchos artistas fuera de este género se han apresurado a incorporar ritmos tropicales y latinos a su música debido al auge que está viviendo el reggaeton. El efecto “Despacito” ha hecho que artistas latinos plenamente consagrados como Ricky Martin, Enrique Iglesias, Jennifer Lopez o nuestra protagonista Thalía hayan incorporado el reggaeton a su habitual estilo y gracias a ello han conseguido abrirse a un público mucho más joven, que es el que consume este tipo de canciones. En su anterior álbum Latina, Thalía ya empezó a introducir el sonido reggaeton en varios de los temas presentes, como por ejemplo Desde Esa Noche, el single presentación del disco, que contaba con la participación de Maluma y se convirtió en una de las canciones más populares del año 2016. Esta misma semana se ha puesto a la venta Valiente, el decimocuarto álbum de estudio de su larga trayectoria musical, que sigue los pasos de Latina y profundiza en el sonido reggaeton, el cual se hace protagonista del álbum aunque podemos también encontrar las baladas latin-pop por las que es conocida Thalía sobretodo en el mercado latinoamericano.

Durante este año la cantante mexicana no sólo ha estado en boca de todos gracias al famoso y divertido video de “¿Están ahí mis vidas? ¿Están ahí? ¿Me oyen? ¿Me escuchan? ¿Me sienten?” que se convirtió en un fenómeno viral e incluso pasó a ser una canción, sino que además ha estado muy presente en el panorama musical gracias a sus últimos singles, que han proporcionado una segunda juventud a Thalía y han revitalizado su carrera musical. No Me Acuerdo, el single adelanto de Valiente, que contaba con la participación de la cantante dominicana Natti Natasha, ha conseguido gran éxito en Latinoamérica y España, donde ha ocupado el top 5 en más de 10 países hispanohablantes, además de obtener buena posición en el componente Latin de la lista americana Billboard. Este tema, de fuerte sonido reggaeton y que trata el tema de la infidelidad durante una noche de borrachera, ha sonado sin cesar en nuestro país, y ha logrado un auténtico éxito en Youtube, donde su videoclip ha obtenido más de 500 millones de reproducciones. Viendo la gran acogida que tuvo este single, Thalía decidió apostar sobre seguro y lanzó un tema muy similar a No Me Acuerdo como segundo single. Lento es un marchoso tema reggaeton pero en este caso con gran influencia de Salsa en el que participan el dúo cubano Gente de Zona. Aunque no ha logrado el éxito de su predecesor, es uno de los temas más destacados de Valiente por su sonido veraniego y bailable.

La mayoría de canciones del álbum están encuadradas dentro del reggeaton, y de entre ellas destacan “Corazón Valiente”, uno de los temas más pegadizos y alegres del álbum, y que en este caso contiene influencia electro-pop, o “Lindo Pero Bruto”, en el que Thalía describe cómo es el hombre que ha conocido, muy atractivo pero nada inteligente, destacando frases tan divertidas como “¿Porqué no te lees un librito de vez en cuando?” o “Calladito es que te veo más bonito” que recuerdan al estilo de Shakira. Uno de los temas más originales del álbum es “Vamos Órale” que fusiona latin-pop y reggaeton, y cuenta con influencia de las rancheras típicas de su Mexico natal. En este tema, la cantante declara que en un mundo en el que lo superficial y el sexo lo dominan todo, ella quiere que le conquisten con romance, como lo hacían los galanes en los viejos tiempos, y cita como ejemplo al cantante mexicano Pedro Infante. Aparte de por su estilo musical, Valiente destaca por el hecho de que cuenta con una gran cantidad de colaboraciones, ya que de las 13 canciones que conforman el álbum, 8 de ellas aparecen otros artistas. Aunque el sonido reggaeton domina el álbum, también hay espacio para el latin-pop en forma de baladas, en las cuales Thalía se luce especialmente y muestra su gran talento vocal. Uno de los temas más destacados de Valiente es “Por Amor Al Arte”, una desgarradora balada donde Thalía aborda el tema de la homosexualidad y relata la historia de una amiga que se enamora de una mujer con frases tan emotivas y reveladoras como “el hombre de tu vida se llamaba María” o “aunque nacieras princesa, no querías un Romeo, esperabas a Julieta”. Sin duda este tema es uno de los puntos fuertes del álbum debido a sus bonitas letras y su impresionante ejecución vocal. También destaca la balada romántica “Que Ironía” en la que participa el cantante mexicano Carlos Rivera.

Podría criticar a Thalía por haberse subido al carro del reggaeton, al igual que han hecho muchos cantantes latinos en un intento por seguir vigentes en el actual panorama musical, sin embargo no lo haré puesto que es digno de alabar la constante re-invención de la veterana cantante a lo largo de su extensa trayectoria, donde ha explorado todo tipo de géneros musicales, desde el Dance, el pop-rock o el R&B, aunque sin perder sus raíces latinas y su personal estilo. Aunque las reglas de la industria musical ha cambiado radicalmente durante los últimos años, Thalía, a sus 47 años, ha sabido adaptarse a la era del streaming y las redes sociales, sigue estando muy vigente en panorama actual y ha conseguido ganarse al público joven sin perder sus fans de siempre, y lo más importante es que no ha perdido su habitual naturalidad y simpatía, y ha demostrado que sabe reírse de sí misma (por cierto “Me Oyen, Me Escuchan” está incluido en el álbum como bonus track). Además, tal y como hemos podido comprobar en los videoclips promocionales, sigue manteniéndose guapísima y sexy, y no tiene nada que envidiar a jóvenes promesas latinas como Natti Natasha o Becky G. Como resumen, Valiente está formado por un conjunto muy interesante de canciones y ha sido una grata sorpresa de escuchar, ya que estamos ante uno de los mejores álbumes latinos publicados durante este año. Puntuación: 8/10. Valiente – Amazon

Throwback Review: “Ora” de Rita Ora

Rita_Ora_ORARita Ora nació en Pristina, la antigua Yugoslavia (actualmente Kosovo) de padres albaneses, pero a causa de la guerra huyeron a Gran Bretaña cuando Rita Ora apenas tenía un año, estableciéndose en Notting Hill, Londres. Desde pequeña Rita tuvo inquietudes artísticas por lo que asistió a la famosa escuela de Artes “Sylvia Young Theatre School” donde anteriormente habían estudiado otras famosas cantantes como Amy Winehouse, Leona Lewis o Emma Bunton (Baby Spice). En 2008 Rita participó en las audiciones para representar a Reino Unido en el festival Eurovisión e incluso llegó a clasificarse pero abandonó la competición porque no se sentía preparada para este tipo de concurso. Más tarde su manager consiguió que la joven cantante fuera fichada por la discográfica americana Roc Nation (propiedad del rapero Jay-Z) con un contrato musical y de publicidad. Dicha discográfica le dio a Rita varios años para “encontrarse” a sí misma y su verdadero estilo y luego grabar el álbum. Rita Ora hizo su debut en el mundo de la música en 2012 de la mano de DJ Fresh con el tema “Hot Right Now”, el cual debutó en el #1 de la lista británica de singles, lo que supuso un comienzo muy prometedor para la cantante de ascendencia albanesa ya que le proporcionó gran popularidad de cara a su álbum debut. Poco después de esta exitosa colaboración Rita Ora lanzó su primer single, llamado R.I.P., que se trataba de un tema R&B con influencia Dubstep producido por StarGate y que contaba con la participación del rapero ingles Tinie Tempah. Este tema estaba compuesto por el rapero canadiense Drake y fue ofrecido a Rihanna, la cual lo rechazó y cayó en manos de Rita, quien creyó que podía ser una gran elección como single debut, y no se equivocó ya que alcanzó el #1 en Reino Unido. “R.I.P.” fue lanzado como primer single en Reino Unido e Irlanda, mientras que para el resto del mundo fue el segundo single, y también tuvo un buen desempeño comercial, logrando el top 10 en Australia, y aunque no consiguió entrar en la lista americana, fue #1 en el componente Dance de Billboard. Como segundo single en Reino Unido y primero lanzado de manera internacional se eligió How We Do (Party), un marchoso tema pop-rock que sampleaba el estribillo de “Party and Bullshit” del famoso rapero Notorious BIG y recibió comparaciones con el estilo de Jessie J y Katy Perry por su naturaleza alegre y desenfadada. How We Do se convirtió en el tercer #1 consecutivo de Rita Ora en Reino Unido y gracias a su promoción internacional consiguió entrar en la lista de singles de Estados Unidos, aunque tuvo un desempeño moderado. 

Tanto R.I.P. como How We Do formaban parte del álbum debut de la cantante, titulado simplemente Ora, y gracias al buen rendimiento de los primeros singles en tierras británicas, éste consiguió ser #1 en la lista de ventas de Reino Unido. Pese al empeño de Roc Nation por promocionar la música de la cantante y hacer de Rita una artista famosa en América, “Ora” no fue lanzado en aquel continente. Como dato curioso, Ora no es el apellido real de la cantante, pero como el significado del verdadero apellido de Rita en albanés es “relojero”, los padres de la cantante decidieron cambiarlo por Ora (“hora” en español) para que fuera más sencillo y fácil de pronunciar en Reino Unido cuando emigraron a dicho país. El álbum debut de Rita Ora está compuesto por temas pop y R&B, aunque también hay una cierta influencia de sonidos urbanos típicamente ingleses como el Dubstep, y cuenta con elementos dance-pop y electro-pop. “Ora” fue un proyecto muy ambicioso y muchas expectativas fueron puestas en el álbum por parte de la discográfica de la cantante, además de un gran presupuesto ya que contaba con la producción de grandes nombres de la industria musical como Greg Kurstin, StarGate, Will.I.Am, The Dream o The Runners, sin embargo las críticas hacia el álbum fueron muy tibias. Como tercer single se lanzó Shine Ya Light, un medio tiempo electro-pop y R&B producido por Fraser T Smith que consiguió ser top 10 en la lista británica. Este tema lanza un mensaje positivo e inspirador en el que Rita nos insta a mostrar “la luz” que todos llevamos en nuestro interior, y es uno de los más destacados del álbum. El último single extraído de Ora, Radioactive, supuso un importante cambio con respecto a los anteriores singles (los cuales que tenían un fuerte aroma urbano) ya que en este caso exploraba el territorio dance-pop y electro-pop. Pese a que “Ora” fue fruto de un trabajo previo muy calculado por parte de su discográfica, de intentar posicionarla en el mercado e introducirla en el panorama musical americano a través de apariciones en videoclips de artistas consagrados y mucha publicidad, el resultado no fue del todo positivo, ya que fuera de Reino Unido obtuvo un resultado comercial muy mediocre. En mi opinión, Ora contiene canciones marchosas y divertidas pero no es un trabajo consistente puesto que hay varios estilos muy diferentes que hacen que el álbum no sea coherente o equilibrado, además Rita Ora por entonces no había encontrado su propio estilo ni imprimía su personalidad en los temas que interpretaba. Puntuación: 6/10. Ora – Amazon

Crítica de “Always In Between” de Jess Glynne

91R2EsHEzkL._SY355_Como ya comenté en la crítica de I Cry When I Laugh, el primer álbum de estudio de Jess Glynne fue tremendamente exitoso, respaldado por 6 singles que lograron gran acogida en toda Europa (dos de ellos #1 en la lista británica) además de varias colaboraciones con otros artistas que también la llevaron a lo más alto del chart británico, lo que convirtió a Jess en la segunda artista británica femenina en tener 5 singles #1, empatada con Cheryl Cole, quien hasta entonces ostentaba el título. El primer disco de la cantante inglesa no sólo tuvo una gran respuesta comercial sino que recibió buenas críticas de los expertos musicales por sus habilidades como cantante y compositora, y le valieron numerosas nominaciones a premios incluyendo los Brit, e incluso consiguió un Grammy a mejor grabación Dance por el tema “Rather Be”. Durante los años siguientes al lanzamiento de “I Cry When I Laugh” Jess salió a la carretera a promocionar el álbum con varias giras de conciertos en las que recorrió Gran Bretaña e incluso viajó a las principales ciudades de Estados Unidos para presentar sus nuevas canciones, ya que su álbum debut logró entrar al top 30 de la lista americana, todo un logro para una artista británica novel. Debido a su gran talento, la presencia de Jess Glynne siguió siendo requerida por otros artistas, como el grupo inglés Rudimental, con quienes logró otro #1 en Reino Unido con el tema “These Days”. Además, Jess Glynne participó en la duodécima edición de X Factor UK como asesora de Cheryl Cole, quien era jueza en dicho concurso.

Durante las últimas semanas Jess Glynne ha sido noticia por varias razones, en primer lugar por ser la compositora del nuevo tema de Little Mix, llamado Woman Like Me, que precisamente es un descarte de su nuevo disco que se ha puesto a la venta el pasado 12 de octubre. Always In Between es el título del segundo álbum de Jess, el cual ha sido compuesto enteramente por ella al igual que su anterior disco, y cuenta con la producción de los ingleses Steve Mac y Starsmith, quienes ya participaron en su primer álbum, además de otros productores como Toby Gad. Este álbum está formado por un compendio de marchosos temas dance-pop reminiscencia de su primer disco y de medios tiempos pop con influencia Soul/R&B. Pero sin duda “Always In Between” destaca por el hecho de profundizar en este último tipo de canciones, lo cual la posiciona como una cantante pop/Soul más que como una artista dirigida a las pistas de baile como en su anterior álbum. El single presentación de este álbum ha sido I’ll Be There, un medio tiempo electro-pop que difiere de la mayoría de sus anteriores temas de estilo Dance y en el que su forma de cantar recuerda al estilo Folk/Country. Con I’ll Be There, Jess Glynne ha hecho historia al ser la única cantante británica en conseguir 7 singles #1 en la lista de ventas del Reino Unido. El segundo single, All I Am, fue lanzado el pasado mes de agosto, y en él Jess regresa a su zona de confort, ya que se trata de un marchoso tema dance-pop y House que nos recuerda a los hits de su primer disco. All I Am no ha podido llegar a lo más alto de la lista británica pero aun así ha logrado un buen puesto #7. Coincidiendo con el lanzamiento del álbum se ha lanzado el tercer single, Thursday, que pertenece al lado más tranquilo del álbum, y se trata de una balada pop acústica que contiene un mensaje inspirador de auto-aceptación.

Mis temas favoritos del álbum son “123”, un medio tiempo pop con influencia Soul muy interesante que debido al uso de gran cantidad de instrumentos en vivo lo convierte en uno de los temas más orgánicos y acústicos del álbum, y “No One”, un marchoso tema dance-pop que trata el tema del desamor y recuerda a su anterior álbum. Otros temas destacados son el medio tiempo electro-pop “Never Let Me Go” o la emotiva balada influenciada por el Soul “Broken”. Tras escuchar este álbum, queda claro que Jess Glynne ha evolucionado hacia un estilo similar al de Adele o Joss Stone, ya que el sonido Soul se hace protagonista en muchas de las canciones aunque podemos seguir encontrando algunos bailables temas dance-pop como en su álbum debut. Como era de esperar, debido al gran apoyo que tiene la cantante inglesa desde sus inicios, Always In Between ha debutado en lo más alto de la lista británica de álbumes, consiguiendo así su segundo #1 en Reino Unido. Aunque en el resto del mundo este disco no ha ocupado posiciones tan altas, sí ha logrado el top 20 en Australia e Irlanda durante su primera semana a la venta. En resumen, Always In Between marca una clara evolución en la música de Jess Glynne, deshaciéndose en parte de su lado House para adoptar un sonido más Soul que encaja a la perfección con su voz. Puntuación: 7/10.  Always In Between – Amazon

Crítica de “I Cry When I Laugh” de Jess Glynne

Jess_Glynne_-_I_Cry_When_I_LaughJess Glynne se dio a conocer en 2014 gracias a su participación en el tema “Rather Be” de la banda electrónica británica Clean Bandit. Este tema al que Jess puso la voz fue un auténtico éxito en las pistas de baile de todo el mundo, logró el #1 en la lista de ventas de Reino Unido y Alemania, e incluso logró alcanzar el top 10 en Estados Unidos. Tras esta exitosa colaboración, la presencia de esta joven cantante fue requerida nuevamente por otro Dj, por lo que antes de su debut en solitario en el mundo de la música, Jess Glynne ya contaba con dos temas #1, algo de lo que muy pocos artistas noveles pueden presumir. Su primer tema fue Right Here, un marchoso tema dance-pop con influencia House y Garage que también tuvo buena acogida en toda Europa, sobretodo en su nativa Inglaterra, donde fue #6. Para terminar un 2014 lleno de éxitos, Jess lanzó otro single llamado Real Love, que contaba con la colaboración de Clean Bandit, con quienes triunfó meses atrás con el tema “Rather Be”. Real Love comenzaba como una balada con piano para convertirse después en un bailable tema electro-pop influenciado por el House británico, y obtuvo nuevamente un buen recibimiento en Reino Unido, donde ocupó el #2 en las listas de venta. Además de sus marchosos temas dance-pop, el carácter sencillo y humilde de Jess Glynne y su potente voz han sido las señas de identidad de esta artista desde el principio de su carrera, lo que le ha permitido conectar con el público joven europeo y hacerse un importante hueco en el mundo del Pop. Ya en 2015, Jess siguió lanzando marchosos singles de estilo dance-pop y House, como Hold My Hand, el cual se convirtió nuevamente en #1 en UK, el primero de la cantante en solitario, o Don’t Be So Hard On Yourself, con el que siguió su racha de hits, ya que también consiguió llegar a lo más alto de la lista de singles de Reino Unido, su quinto #1, puesto que otra de sus colaboraciones, en este caso con el rapero inglés Tinie Tempah en el tema “No Letting Go” también alcanzó el #1. “Don’t Be So Hard On Yourself” fue aclamado por la crítica como una de las mejores canciones del álbum, algo que yo comparto ya que en este tema Jess muestra su increíble talento vocal y como compositora, con un poderoso mensaje sobre tomar riesgos en la vida y levantarse tras haberse caído, lo que lo convierte en un himno a la perseverancia y auto-aceptación.

Tras 4 hit singles y numerosas colaboraciones de éxito, las expectativas estaban muy altas con el primer disco de Jess Glynne, el cual se puso a la venta en agosto del 2015. I Cry When I Laugh debutó en lo más alto de la lista de ventas británica y acabó vendiendo más de un millón de ejemplares en Reino Unido, todo un éxito en nuestros días, y también tuvo un desempeño positivo en el resto del mundo. Aunque se dio a conocer con temas House/Dance, la cantante londinense declaró que sus artistas favoritos y fuente de inspiración pertenecen al mundo del R&B como Adele, Amy Winehouse, Destiny’s Child, Mary J Blige o Mariah Carey, además de Lauryn Hill, cuyo álbum “The Miseducation of Lauryn Hill” le inspiró a convertirse en compositora y cantante. Debido a estas influencias, aunque dentro del álbum domine el sonido dance-pop, podemos apreciar cierto toque Soul, lo que unido a su poderosa voz hace que “I Cry When I Laugh” no sea el típico álbum Dance vacío de contenido y superficial, sino todo lo contrario ya que Jess Glyne también destaca por sus habilidades como compositora. Como quinto single Jess lanzó Take Me Home, el primer tema en forma de balada que nos ofrecía la cantante pelirroja, y recibió muy buenas críticas debido a la emotividad que trasmite su potente voz y a las profundas letras sobre el poder del amor. Take Me Home rompió su racha de chart-toppers pero aún así fue #6 en UK, aunque se comportó de una manera moderada en las listas de venta del resto del mundo. Como colofón a un disco lleno de éxitos, se eligió como último single el tema Ain’t Got Far To Go, el cual se desmarcaba de sus anteriores temas dance-pop para mostrarnos un lado diferente de su música, ya que este tema era más sosegado e influenciado por el Soul. En resumen, no estamos ante un disco dance-pop genérico, puesto que en “I Cry When I Laugh” podemos encontrar marchosos temas Dance/House para disfrutar en las pistas de baile, pero acompañados de profundas letras y una gran voz Soul. Jess Glynne llegó para quedarse. Puntuación: 7’5/10. I Cry When I Laugh – Amazon

Crítica de “Familia” de Sophie Ellis-Bextor

sophie-ellis-bextorDurante sus 4 primeros álbumes de estudio en solitario, la cantante Sophie Ellis-Bextor destacó por sus marchosas y bailables canciones de estilo Dance y Electro-pop con gran influencia del sonido Disco de los años 70 y 80. Sin embargo, para su quinto disco Wanderlust, la cantante inglesa dio un brusco giro musical y abandonó el sonido Dance comercial al que siempre le habíamos asociado para adoptar un estilo indie-pop y folk, con canciones más pausadas, íntimas e introspectivas que recordaban a sus inicios en el mundo de la música con su banda The Audience. Wanderlust marcó la transición de Sophie de princesa del pop británico a cantautora indie alternativa. Dicho álbum fue #4 en la lista de ventas británica, obtuvo unas ventas considerables, recuperó parte de sus fans perdidos y recibió críticas muy favorables por parte de los expertos musicales que alababan la originalidad y madurez de este trabajo y el drástico cambio musical hacia el sonido folk/indie alternativo. En el año 2016, Sophie Ellis-Bextor regresó con su sexto álbum de estudio, titulado Familia, el cual seguía la estela musical de Wanderlust y volvía a centrarse en un estilo más folk/indie con un mayor uso de instrumentos en vivo y un sonido más orgánico, aunque con un toque más marchoso, optimista y alegre que en su anterior álbum, ya que la misma Sophie declaró: “mi nuevo álbum Familia es la hermana más extrovertida y divertida de Wanderlust, y en este álbum se aleja de la fría Europa del Este hacia la soleada y cálida Latinoamérica”. Tanto el artwork del disco como los videoclips promocionales están inspirados en la cultura tradicional mexicana, que ha influido de gran manera en Sophie durante la grabación de este trabajo, no musicalmente pero sí en el concepto, contenido y letras del álbum, el cual está influenciado por la imaginería tradicional de Mexico. Familia fue aclamado por la crítica, que lo consideró el mejor trabajo de la cantante sin embargo tuvo un moderado impacto comercial, entró a un discreto puesto #12 en la lista de ventas de Reino Unido y los singles no gozaron del respaldo de sus seguidores, pese a ser temas excepcionales y una exquisita muestra del contenido del álbum.

De los 4 singles que fueron extraídos del álbum ninguno de ellos gozó del éxito que se merecían ya que son autenticas joyas musicales. El single anticipo de Familia fue el marchoso Come With Us, uno de los pocos temas up-tempo del álbum y que contiene cierta influencia del sonido dance-pop para recordarnos que Sophie ha sido la reina de las pistas de baile, pero quizás no representa la esencia del disco, el cual está compuesto por medios tiempos y baladas de carácter más sobrio. El colorido y alegre videoclip de este single fue grabado en Mexico y toda su estética está influenciada por la cultura tradicional de dicho país. El segundo single de Familia fue la clásica balada pop Crystallise, que se acerca más al concepto del álbum que el primer single. Como tercer single se extrajo el alegre y optimista Wild Forever, que es el otro tema up-tempo de Familia, con gran influencia electro-pop pero cuenta con un mayor uso de instrumentos en vivo y un sonido más orgánico sin molestos sintetizadores. Este maravilloso tema, uno de mis favoritos de Familia, nos recuerda a los tiempos discotequeros de Sophie, pero alejado de la frialdad de los temas Dance y con un toque más cálido y veraniego. El último single extraído del álbum fue Death of Love, un magnífico medio tiempo pop que cuenta con una producción electro-pop pero encaja perfectamente con el espíritu de Familia. Entre los temas destacados del álbum se encuentran la preciosa balada “Unrequited” que habla sobre el amor no correspondido, “My Puppet Heart” o “Hush Little Voices”, dedicado a sus hijos. En resumen, Familia comparte muchos puntos en común con Wanderlust ya que sigue la evolución musical hacia el indie-pop/folk, se centra en su faceta como cantautora y es un álbum íntimo y personal, pero resulta algo más alegre y marchoso que éste último e incorpora ciertas pinceladas del pasado electro-pop de Sophie, lo cual es un gran acierto. En mi opinión estamos estamos ante uno de los mejores discos de Sophie Ellis-Bextor. Puntuación: 8/10. Familia – Amazon

Level Up, el regreso de Ciara

ciara-level-up.jpgEn el año 2015, la cantante americana Ciara publicó su sexto disco de estudio, llamado Jackie en homenaje a su madre y en el que celebraba su femineidad. Este álbum vino después de haber sido madre por primera vez y tras su separación de Future, con el que estaba prometida pero debido a las infidelidades del rapero decidió terminar la relación. Jackie recibió críticas mayoritariamente positivas y algunos lo vieron como uno de los mejores álbumes de su carrera, sin embargo las ventas no acompañaron y resultó un fracaso comercial. Jackie supuso un traspiés con respecto al avance que había conseguido su anterior álbum “Ciara”, ya que cuando su carrera estaba en caída libre, este trabajo discográfico supuso un punto de inflexión en su carrera debido a su moderado éxito y al single “Body Party” con el que logró su mejor posición en años en la lista americana de sencillos. La atractiva cantante fue madre por segunda vez el año pasado fruto de su matrimonio con el jugador de rugby Russell Wilson, con el que parece haber encontrado el amor finalmente. En este 2018, una Ciara totalmente recuperada de su segunda maternidad ha regresado al panorama musical con su nuevo single, Level Up, un enérgico híbrido electro-pop, dance-pop y R&B “made in Ciara”, ya que la cantante suele lanzar o bien emotivas baladas R&B o potentes temas up-tempo como single presentación de sus álbumes. Level Up es un auténtico club-banger pero detrás de su marchoso y trepidante ritmo se esconde una canción con trasfondo, ya que es un himno feminista y habla del empoderamiento de las mujeres (“Be your own boss, love yourself, get up & dance, level up”) aunque escuchando detenidamente las letras también podemos observar que Ciara lanza dardos envenenados a su ex-prometido Future. Aunque es un tema pegadizo, muy bailable y perfecto para los clubs, este tema ha recibido alguna crítica por su similitud con los temas up-tempo que suele lanzar Ciara, como Gimmie Dat o Got Me Good. El videoclip de Level Up es sencillo de contenido porque no tiene ningún argumento, pero resulta adictivo y espectacular porque muestra lo que mejor sabe hacer Ciara: realizar complejas coreografías luciendo su cuerpo tonificado, ya que la cantante de Atlanta es una talentosa bailarina. ¿Porqué Ciara no es la super estrella de la música que son Rihanna o Beyoncé, si cualidades no le faltan? Muchos aseguran que la música de Ciara hace años que no cambia ni evoluciona, y tras sus inicios muy influenciados por el sonido Crunk y el Hip-Hop, la cantante se ha polarizado en dos tipos de temas: baladas R&B y marchosos temas Dance/electro-pop como excusa para lucirse como bailarina y mostrar su magnifico físico, y aunque tiene cualidades suficientes como para haber sido una auténtica estrella pop/R&B, tras sus tres primeros álbumes su éxito comercial inició una espiral decreciente y su popularidad disminuyó en gran medida. Sin embargo, sus verdaderos fans entre los que yo me incluyo siempre hemos apoyado a esta gran artista. 

Throwback Review: “Make a Scene” de Sophie Ellis-Bextor

R-2940527-1312646427.jpegEn 2001, la cantante británica Sophie Ellis-Bextor publicó “Read My Lips”, su primer álbum de estudio, que incluía los éxitos Murder On The Dancefloor, el cual fue #2 en la lista británica de singles, y Get Over You, que también tuvo una gran respuesta por parte del público europeo. El álbum fue #2 en las listas de Reino Unido y vendió más de 2 millones de copias en todo el mundo. El estilo musical de Read My Lips, con fuerte sonido electro-pop y dance-pop, destacaba por su divergencia con respecto a la música indie alternativa que hacía junto a su grupo The Audience. Su segundo trabajo discográfico, “Shoot From The Hip” no fue capaz de repetir el éxito de su álbum debut y tuvo un desempeño muy discreto en las listas de venta, ya que apenas fue top 20 en Reino Unido. En 2007, Sophie publicó “Trip The Fantastic Light”, su tercer álbum de estudio, el cual entró en el top 10 de la lista británica y contó con el éxito “Catch You”, que tuvo una gran respuesta por parte del público. Durante los años 2009 y 2010, la cantante inglesa realizó diversas colaboraciones con importantes Dj’s, como el dúo británico Freemasons en Heartbreak (Make Me a Dancer), un magnífico tema Disco, House y Dance-pop que recibió grandes críticas por parte de los expertos musicales por la maravillosa ejecución vocal de Sophie y su elegante producción. Este single gozó de una gran promoción por parte de la artista londinense y tuvo un buen rendimiento comercial en la lista de ventas de Reino Unido, donde ocupó el puesto #13. Unos meses más tarde, la cantante siguió colaborando con Dj’s como el francés Junior Caldera en el tema Disco/House Can’t Fight The Feeling. El siguiente single, anticipo de su nuevo trabajo musical y ya sin colaboraciones con otros artistas fue Bittersweet, un pegadizo tema dance-pop y Disco que recordaba a su hit “Heartbreak”, y no es casual el parecido ya que estaba producido por el dúo inglés Freemasons, responsables también de aquel tema. Bittersweet tuvo un rendimiento comercial moderado y fue #25 en la lista británica. Tras este single, Sophie realizó otra colaboración, en este caso con el Dj holandés Armin van Buuren en Not Giving Up On Love, un elegante y melódico tema Dance/Trance que recibió buenas impresiones de los críticos. 

Tras numerosos retrasos en su publicación, en 2011 vio la luz el cuarto trabajo discográfico de Sophie Ellis-Bextor, titulado Make a Scene y el primero lanzado de manera independiente bajo su propio sello discográfico. Todos los singles anteriormente lanzados por la elegante y sofisticada cantante de ojos azules fueron incluidos en este trabajo discográfico. Después de sus tres primeros álbumes, Sophie tenía pensado publicar un disco de grandes éxitos con Heartbreak como single presentación, pero las sesiones de grabación fueron tan fructíferas que finalmente decidió publicar un nuevo disco de estudio. Make a Scene es un disco up-tempo compuesto por temas de estilo dance-pop, electro-pop y Disco producidos por grandes Dj’s y artistas de la industria musical europea como Calvin Harris, Greg Kurstin, Freemasons o Richard X. “Make a Scene” es un álbum bailable, marchoso y enérgico, pero no vacío de contenido como otros discos de género Dance ya que tiene unas letras profundas y muestra el gran talento vocal y como compositora de Sophie, ya que todos los temas están compuestos por ella. Para presentar el disco, fueron lanzados un par de singles: Off & On y Starlight, que se trataban de dos interesantes temas electro-pop y dance-pop, pero ninguno de ellos consiguió atraer la atención del público lo que perjudicó el rendimiento comercial del disco, el cual fracasó en las lista de venta, aunque este desempeño tan mediocre se debió a que fue publicado de manera muy limitada en muy pocos países y sin apenas promoción en el momento del lanzamiento. Su perfecta pronunciación y dicción británica y su elegancia natural son las señas de identidad de esta carismática cantante, poco conocida por el público masivo pero que ha gozado de gran éxito en su Reino Unido natal y otros países europeos. En resumen, podríamos considerar “Make a Scene” como una recopilación de los singles que lanzó Sophie durante los años anteriores a su publicación más que un disco centrado y cohesivo, pero nada más lejos de la realidad, ya que es un trabajo discográfico de gran calidad y lleno de buenos temas, por ello es uno de mis discos favoritos de Dance lanzados durante esta década. Puntuación: 8/10.

Crítica de “Expectations” de Bebe Rexha

Expectations-Bebe-RexhaEl 2017 fue un año clave dentro de la carrera profesional de Bebe Rexha, quien pasó de ser una cantante poco conocida por el público internacional a convertirse en una de las figuras más prometedoras del panorama pop. Hasta entonces la cantante de ascendencia albanesa había participado en varios temas que fueron hits en las listas de venta de todo el mundo como “Me, Myself & I” del rapero G-Eazy o “Hey Mama” de David Guetta (en los cuales no sólo puso la voz sino que participó como compositora) y había lanzado un par de singles que pasaron bastante inadvertidos, pero todavía no era un cantante conocida a nivel global. Sin embargo durante el año pasado lanzó dos EP que consiguieron atraer la atención de un público más amplio y siguió colaborando con varios artistas que quisieron contar con esta talentosa cantante y compositora. La primera entrega de All Your Fault se puso a la venta en el mes de febrero y contó con el single I Got You, el cual tuvo un desempeño moderadamente exitoso en las listas de venta, obteniendo su primera entrada en el top 50 en Estados Unidos con un tema propio. Este pegadizo tema electro-pop con ritmos tropicales resultaba altamente adictivo, lo que unido al éxito que logró su sensual videoclip en YouTube (Bebe Rexha no ha dudado en explotar su imponente físico) la cantante empezó a ganarse un hueco importante en el panorama musical internacional. All Your Fault Part 1 estaba formado por 6 temas de estilo pop, electro-pop y R&B con un importante sonido urbano y contaba las colaboraciones de los raperos G-Eazy y Ty Dolla Sign. Unos meses más tarde, concretamente en agosto, se puso a la venta la segunda entrega de All Your Fault, con el tema The Way I Are (Dance With Somebody) como single presentación. Este marchoso tema dance-pop y R&B samplea el éxito de Whitney Houston “I Wanna Dance With Somebody” y cuenta con la colaboración del rapero Lil Wayne, sin embargo no consiguió el éxito esperado y tuvo un rendimiento mediocre en las listas de venta. Un segundo single fue lanzado de “All Your Fault Part 2”, llamado Meant To Be, un tema que nunca nos hubiéramos imaginado que lanzaría Bebe Rexha, ya que se trataba de un medio tiempo Country-pop (un estilo musical que a priori no encaja con el sonido de la cantante) que contaba con la participación del famoso dúo Country Florida Georgia Line. Contra todo pronóstico, este single fue un auténtico éxito en la lista americana (en parte gracias a la colaboración del famoso dúo de Country) y logró el #2 en Billboard, la mejor posición de Bebe de toda su carrera musical, superando a “Me, Myself & I”, y se convirtió en uno de los singles más exitosos del 2017 y de lo que llevamos de 2018, ya que todavía se encuentra en los primeros puestos de la lista de Estados Unidos. Alrededor del mundo Meant To Be ha sido el single que ha permitido a Bebe Rexha triunfar definitivamente, ya que ha ocupado el top 10 en las listas de venta de Australia, Suecia o Canadá, además de lograr el #11 en Reino Unido.

Tras la gran acogida de este single, la cantante neoyorquina de padres albaneses decidió grabar temas para su primer álbum de estudio que se pondría a la venta a mediados de 2018. Y así ha sido, ya que la pasada semana vio la luz el disco debut de Bebe Rexha, un disco en el que estaban puestas grandes expectativas debido al considerable aumento de popularidad conseguido por la rubia cantante durante los últimos meses, y precisamente así ha titulado el álbum: Expectations. El estilo del álbum sigue la estela musical de las dos entregas de All Your Fault, ya que podemos encuadrarlo dentro del pop, electro-pop y R&B, y llama la atención que la mayoría de las canciones son de carácter muy íntimo e introspectivo, abundando los medios tiempos. Tanto Meant To Be como I Got You (los singles más exitosos de cada uno de los EP) han sido incluidos en el disco, el cual está formado por 14 canciones compuestas por la propia Bebe Rexha con la producción de Jason Evigan, The Stereotypes, Hit-Boy o The Monsters and The Strangerz. Expectations es un disco compuesto por canciones autobiográficas donde la cantante desnuda sus sentimientos y emociones y se muestra tal como es: un ser imperfecto, con defectos y que sufre por amor, como cualquiera de nosotros. Tras escuchar detenidamente las canciones del álbum, podríamos pensar que Bebe Rexha nos quiere dar una imagen de anti-heroína en vez de la de una diva perfecta, como muchas otras cantantes quieren ofrecernos. El single presentación del álbum ha sido I’m a Mess, un magnífico medio tiempo electro-pop/R&B que precisamente resume la esencia del disco, ya que en este tema Bebe habla de sus inseguridades e imperfecciones (“soy un desastre en el amor, una perdedora, una hater y no confío en nadie”) en un estribillo que samplea “Bitch” de Meredith Brooks. Definitivamente I’m a Mess es una auténtica joya, mi tema favorito del álbum y uno de los mejores singles que se han lanzado durante este 2018.

Dentro de Expectations destacan “Ferrari”, la canción que abre el disco y que se trata de un sombrío tema en el que Bebe se compara con ese tipo de coches deportivos diciendo que ha vivido la vida muy rápido, o “Knees”, un tema de desamor en el que Bebe implora de rodillas a su pareja para que le deje marchar si se ha acabado el amor. Entre los temas con mayor sonido urbano e influencia R&B se encuentran “2 Souls On Fire”, donde colabora Quavo y ha sido uno de los sencillos promocionales previos al lanzamiento del álbum, o “Steady”, en el que participa el cantante Tory Lanez. Uno de mis temas favoritos es “Self Control”, el tema más up-tempo del disco y que cuenta con influencia Tropical House, y en el que Bebe nos relata su falta de fuerza de voluntad y auto-control, pero no en el tema de las adicciones y el alcohol, sino en el amor. En resumen, Expectations es un disco de pop oscuro e intimista, que refleja la madurez que parece haber alcanzado Bebe Rexha en su vida tras haber tropezado en el amor y haber buscado su verdadera identidad. Aunque no es el disco up-tempo dirigido a las pistas de baile que algunos podrían esperar, no se hace aburrido a pesar de la abundancia de medios tiempos y baladas introspectivas que hay. Sin duda Expectations es uno de los mejores álbumes lanzados hasta la fecha en este 2018 y que propulsará definitivamente la carrera musical de esta talentosa cantante y compositora. Puntuación: 7’5/10. Expectations – Amazon